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una pequeña historia del cine

2012-01-23T10:18:00.000+01:00

1ª parte (1895-1930)

_Todo empezó el 28 de diciembre de 1895 en el 14 del bulevar de las Capuchinas de París cuando los hermanos Lumière colocaron un rótulo encima de la puertecilla por la que se bajaba al sótano: “Le cinematographe Lumière. Entrada, un franco”.
_Aquel sótano podía albergar a un centenar de personas, pero apenas se acercaron 33. Quienes asistieron se encontraron con un gran paño blanco y una caja de madera con una lente. La proyección comenzó. Al principio apareció una fotografía pero al momento empezó a moverse y todos se asombraron. “La salida de los obreros de la fábrica Lumière” fue la primera proyección. Las primeras películas apenas duraban 50 segundos, pero en esta primera sesión se proyectó “La llegada del tren” y, al acercarse el tren, algunas señoras gritaron asustadas como si fuera de verdad y otros protestaron porque creían que era un truco de ilusionismo. Pocos días después ya había una gran cola. Era un éxito.

Meliès, Segundo de Chomón y la fantasía

_Meliès fue una de las 33 personas que acudieron a la primera sesión de cine. Intentó comprar el cinematógrafo de los Lumière pero ante su negativa acabó comprando otro en Londres. Accidentalmente descubrió el primer truco cinematográfico cuando el aparato se atascó y al revelar la película vió que donde había un hombre aparecía una mujer... Descubrió gran cantidad de trucos y se dedicó a realizar películas fantásticas llenas de magia e imaginación desbordantes. Muchas estaban pintadas con colores, a mano, fotograma a fotograma. Entre 1896 y 1915 realizó más de quinientas películas, incluida su obra maestra “Viaje a la Luna”. Como a tantos otros pioneros, el éxito le acarreó imitadores, plagiadores y saqueadores, que copiaban sus películas sin pagarle nada, y acabó arruinado y olvidado hasta que un periodista lo reconoció vendiendo caramelos en una estación de tren. Al final Meliès recibió el homenaje que merecía y fue acogido en una casa de ancianos hasta su muerte.
_Otro gran pionero fue el español Segundo de Chomón, quien vivía en París en 1895 y quedó fascinado por el invento de los Lumière. Aplicó su enorme imaginación al desarrollo del cine, siendo contratado por la compañía Pathé, que quería competir con Meliès, realizando películas fantásticas, dicho sea esto en todos sus sentidos. Realizó películas sorprendentes como “Eclipse de sol” (1905) o su obra más recordada: “El hotel eléctrico”(1905), y fue pionero del traveling, e incluso del morphing pues en “La licuefacción de los cuerpos duros” (1909) convirtió a un hombre primero en un monigote de alambre y finalmente en una masa informe. Dado su innegable talento como fotógrafo, creador de efectos especiales, trucos, e iluminador a color (creó un sistema de coloreado luego conocido como Pathécolor) fue contratado después para trabajar en Italia, donde siguió realizando contribuciones importantes en obras fundamentales del momento como “Cabiria”. Un visionario, un iluminado.
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Acciones paralelas
_En 1903 el cine ya avanzaba por el camino del realismo en películas como “Asalto y robo de un tren”, de Porter, en la que ya aparecen acciones paralelas y primeros planos. Poco a poco el cine se convierte en industria del espectáculo y la figura del productor empieza a ser importante. Mientras, Hollywood es el refugio de los cineastas independientes perseguidos por el monopolio del cine que pretendía explotar Edison. Por otra parte, en Europa, se crea el film de arte con la realización de reconstrucciones históricas como “Los últimos días de Pompeya” (1908), de Maggi y “Cabiria” (1914) de Pastrone, que influyó en Griffith.
_D.W. Griffith entendió que el cine es el arte de contar por medio de imágenes en movimiento y utilizó las imágenes para relatar mejor los argumentos. Incorporó la sensación de velocidad haciendo tomas cada vez más cortas, la angustia, el suspense... Sus dos obras maestras fueron la colosal, exitosa y racista “El nacimiento de una nación” (1914-5) e “Intolerancia” (1915-6), que desarrolla, a través de cuatro historias ambientadas en distintas épocas, la crítica de ese crimen que es la intolerancia. La película arruinó a Griffith porque estaba avanzada a su tiempo: las historias no se narraban una tras otra sino que se cruzaban gracias al montaje, pero “Intolerancia” sigue siendo una de las cumbres del cine mudo. Poco después filmó una obra maestra llena de sensibilidad, y un dramatismo sobrecogedor, en una de las películas que han hecho, hacen y harán del cine una expresión de la poesía de la vida, la inolvidable "Lirios rotos / La culpa ajena" (1919).
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El cine cómico y Charles Chaplin
_El primer film cómico fue “El regador regado”, de los Lumière, pero el cómico más exitoso entre 1906 y 1925 fue el francés Max Linder, también director de "Siete años de mala suerte" (1921) y "Los tres mosqueteros" (1922), que a menudo interpretaba a un caballero en apuros. Después vendrían cómicos como el gran cara de palo Buster Keaton, con maravillas como "La ley de la hospitalidad" (1923), "El moderno Sherlock Holmes" (1924), "Siete ocasiones" (1925) y su obra maestra más recordada “El maquinista de la general” (1927); Harry Langdon, Harold Lloyd en la increíble "El hombre mosca"(1923) y uno de los grandes mitos del cine, Charles Chaplin.
_Charles Chaplin llega en 1914 a ese “agujero escondido” que era Hollywood y en apenas 3 años su talento le lleva al éxito. Tiene 28 años y ya es millonario pero quiere más y exige hacer películas con total libertad, lo que le llevaría lejos del Hollywood industrial. Su humanismo aparecería en films tan críticos como “Tiempos modernos” (1935) y “El gran dictador” (1940). Como Charlot, Chaplin creó un personaje humano, lleno de contradicciones, un vagabundo que no pide ni trabaja porque quiere ser un caballero, un hombre de nuestro tiempo que no tiene familia ni amigos, ni sabe de dónde viene ni adónde va. En Chaplin destaca también el humorismo, con el que nos hace reír cuando nos podría hacer llorar, como sucede en “El chico”, en la que todo el ambiente es sórdido y triste pero Chaplin nos pone una sonrisa en los labios. Chaplin fue perdiendo el respaldo del público y siguió dirigiendo maravillas lejos del Hollywood establecido dada su ideología socialista-comunista.
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El expresionismo
_En Europa se realiza un cine de calidad que une realismo y fantasía. En “La carreta fantasma”, de Sjöstrom, los paisajes y las cosas representan el espíritu de las personas como si tuvieran alma. Los alemanes llevan aún más lejos el expresionismo con “El gabinete del doctor Caligari” (1919) de Wiene, que expresa el mundo como lo siente, no como lo ve. También en Alemania, Fritz Lang dirige sus primeras películas, entre las que destacan “Las tres luces” y “Metrópolis” (1926), auténtico hito de la ciencia-ficción ambientada en un futuro horrible... no tan futuro. Todavía en Alemania aparece la figura de Murnau, quien dirige obras maestras del cine de terror como “Nosferatu”, del cine psicológico como “El último” (1924), y ya en Estados Unidos una película tan sencilla y maravillosa como “Amanecer” (1927), una bella historia de amor. También en EE.UU., el alemán Josef von Sternberg muestra su maestría en el cine negro con "La ley del hampa" (1927) y también con la maravillosa "Los muelles de Nueva York" (1928), y de vuelta a Alemania filma "El ángel azul" (1930), su filme más recordado.
_En la actualidad el expresionismo no ha desaparecido y sigue aún vigente, y con éxito, en la animación, los entrañables, maravillosos y lúcidos dibujos animados, creados por “mayores” que aún conservan la mirada pura y profunda de la infancia.

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El realismo y el surrealismo

_El realismo puro es el documental. En EE.UU., Flaherty explora las regiones árticas y filma “Nanuk el esquimal” (1922). En la Unión Soviética, Vertov realiza el llamado “cine ojo” con películas como “El hombre de la cámara” en las que muestra lo que sucede en el momento en que sucede. El cine realista con argumento tiene en Francia a directores como Feyder y Epstein.
_También en Francia comienza un cine transgresor y vanguardista encabezado por Man Ray, Germain Dulac y René Clair con “Entreacto”, que pretenden expresar ideas y sensaciones sin la narrativa convencional, pero son los españoles Buñuel y Dalí quienes provocan el impacto de “belleza bárbara, elemental, la luna y la tierra del desierto donde la sangre es más dulce que la miel”, como alguien dijo, con “Un perro andaluz” (1929), película sin argumento lógico y convencional compuesta de imágenes oníricas, desagradables, terribles y poéticas que más allá de su provocación expresan una liberación del subconsciente. “Un perro anduluz” marca un antes y un después en la historia del cine. Al año siguiente Buñuel dirige, con la colaboración de Dalí, “La edad de oro”, manifiesto del surrealismo cinematográfico que fue un puñetazo a todo lo establecido, a las convenciones sociales opresoras, al ejército, a la iglesia, a la patria, que acaban ridiculizadas o tiradas literalmente por la ventana. “Un perro andaluz” fue un impacto, “La edad de oro” una declaración de principios que Buñuel mantuvo con coherencia durante toda su filmografía, que él entendía una expresión de poesía como todo aquello que “pueda contener de sentido liberador, de subversión de la realidad, de umbral al mundo maravilloso del inconsciente, de inconformidad con la estrecha sociedad que nos rodea”.
_Mientras, el cine ruso había realizado obras maestras de la calidad de “El acorazado Potemkin” dirigida por Eisenstein en 1925, en la que el montaje consigue momentos de una fuerza y angustia quizá inigualables. También en Rusia, Aleksandr Dovjenko realiza la magistral "La tierra" (1930). El realismo se combinó con la psicología y el expresionismo de manera ejemplar en “La pasión de Juana de Arco” (1928) del danés Dreyer, película agotadora de un realismo angustioso y maravilloso.
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El apogeo del Hollywood industrial
_Mientras en Europa el cine avanzaba, en Hollywood los productores se hicieron poderosos y establecieron el sistema de las estrellas para conseguir más público, y el de los géneros, muy definidos, para conseguir un público clasificado. Había que encajar en el sistema y quienes no lo hicieron, como Erich von Stroheim, no dirigieron más. Stroheim dirigió obras maestras como “Avaricia” (1925), avanzadas a su tiempo, amargas, irónicas, ideológicas, violentas y largas, que fueron mutiladas por los productores. Hollywood ya no era (ni lo es) el refugio de los independientes (¿o habría que decir de poetas y subversiv@s?) sino una industria a la que llegaron muchos de los poetas europeos que enriquecieron el cine con su talento: Lubitsch, Murnau, Fritz Lang (quien se adaptó sin traicionarse y realizó una brillante etapa americana con obras de la categoría de “La mujer del cuadro”), Luis Buñuel, que nunca llegó a dirigir en Hollywood... pero el arte y la poesía ya sólo aparecerán, casi por error, por despiste de lo establecido o fuera de Hollywood.

La historia continúa

_El cine aún tenía que avanzar técnicamente con la incorporación del sonido a finales de los 20 y del color a finales de los 30... pero eso ya es otra historia, la misma que continúa.
_En el próximo capítulo (1931-1955) el cine será sonoro y poco a poco el color lo inundará todo. El blanco y negro (blanco, negro y una enorme gama de grises) irá desapareciendo y las palabras y la música serán, poco a poco, a veces tan importantes, o más, que las imágenes.

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2ª parte (1931-1955)
_En los años treinta el cine sonoro se impone definitivamente -no sin antes crearse obras de transición entre el mudo y el sonoro como la aterradora, vanguardista y misteriosa obra maestra "Vampyr" (1932) del maestro Carl Dreyer- y en 1935 se estrena “La feria de la vanidad”, primer film en color. El color aún tardará en generalizarse aunque “Robin de los bosques” (1937) y el éxito de “Lo que el viento se llevó” (1939) enseñan al mundo las maravillas del technicolor. Sin embargo películas tan emblemáticas como “La palabra” o “La noche del cazador” son aún en blanco y negro. Algunos cineastas prefirieron el blanco y negro para no distraer al espectador con los colores, para mantener una atmósfera más sombría, por su elegancia, porque a veces soñamos en blanco y negro, por su valor testimonial... Otros tuvieron que rodar en blanco y negro por motivos económicos.

Ironía, fatalidad, poesía, vitalidad, terror e irreverencia
_En Estados Unidos brillan los talentos de Lubitsch, Lang, Ford, James Whale y los Hermanos Marx. Ernst Lubitsch realizó comedias sutiles, irónicas, sofisticadas, satíricas e inteligentes de la maestría de “Un ladrón en la alcoba” (1932), “Ninotchka” (1939) y “Ser o no ser” (1942), su obra más recordada, que le hicieron merecedor de la expresión “toque Lubitsch”.
_El alemán Fritz Lang dirigió obras de una maestría cada vez mayor con títulos como“Furia” (1936), “La mujer del cuadro” (1944) y “Los sobornados” (1952), en las que siempre planea la sombra de la fatalidad, el destino y la lucha del individuo contra sí mismo. Lang realizó un cine que casi siempre tropezó con la política de los grandes estudios y con la taquilla, pero siguió dirigiendo contracorriente y acabó en Alemania mientras los jóvenes de la “nouvelle vague” (en el próximo capítulo) le homenajeaban.
_El norteamericano John Ford fue uno de los grandes del cine, no sólo del Hollywood de la época, para muchos el más grande. Filmó “cosas sencillas que son importantes”, con naturalidad y sencillez, en largometrajes como “La patrulla perdida” (1934), "El juez Priest" (1934),“El delator” (1935), “La diligencia” (1939), “Las uvas de la ira” (1940), “El hombre tranquilo” (1952)... Uno de esos poetas que nunca habla de poesía. En sus propias palabras “un campesino que hace películas de campesino”. Un maestro.
_Otro maestro fue Howard Hawks, quizá el director que con mayor talento ha abordado cualquier género al que se acercara, como las obras maestras de la comedia americana "La fiera de mi niña" (1938), "Luna nueva" (1940), "Bola de fuego" (1941) y "Me siento rejuvenecer" (1952), el cine negro en "Tener o no tener" (1944) o el western (ver siguiente capítulo). Sus películas descubren a un creador lleno de vigor, humor y vitalidad, y a uno de los mejores directores de la historia del cine. Como quien no quiere la cosa.
_James Whale fue el gran maestro del cine fantástico y de terror de los años 30, dejando obras maestras y memorables como "El doctor Frankenstein" (1931), "El hombre invisible" (1933) y un caso inaudito de secuela que supera al original, "La novia de Frankenstein" (1935). Su elegancia y dominio de la técnica cinematográfica -y de la dirección de intérpretes- sólo está a la altura de los genios dotados de un gran talento.
_Y los Hermanos Marx... Los Hermanos Marx no dirigían sus películas pero ya desde “El conflicto de los Marx” sacudieron e hicieron temblar todos los cimientos, con la ferocidad, irreverencia y sentido del absurdo que tanto impresionaron a los surrealistas. Sus mejores obras fueron “Sopa de ganso” (1933) de Leo Mc Carey, quien comprendió perfectamente su estilo, y “Una noche en la ópera” (1935) en la que el camarote se abarrota de gente... Poco a poco fueron perdiendo inventiva y parodiaron la maravillosa “Casablanca” (1942), de Curtiz.
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El mundo cambia de rumbo
_Entre el mudo y el sonoro, "Vampyr" (1932) de Carl Dreyer se alza como una obra maestra llena de innovaciones, que no sólo es una obra clave en el género de terror sino que posee un halo poético, vanguardista y espiritual como quizá ninguna otra película en la historia del cine. Palabras mayores. Ríos de tinta intentan desde su estreno describir su misterio y su grandeza. Imprescindible.
_El mundo se dispone a entrar en guerra otra vez, mientras el gran director francés Jean Renoir filma las magistrales "Una partida de campo" (1936) y "La regla del juego" (1939). Más tarde Renoir rodará en la India una de las más maravillosas obras maestras de la historia del cine, "El río" (1950).

_En Alemania, antes de la consolidación nazi, la directora Leontine Sagan rueda una arrebatadora declaración del deseo femenino hacia otras mujeres: "Muchachas de uniforme"(1931).

_En 1941, “El halcón maltés”, de John Huston, inicia el cine negro, en el que la muerte, el delito y las mujeres fatales se intuyen a través de la neblina que crea el humo de los cigarrillos. Este mismo año el cine experimenta el advenimiento de Orson Welles, quien con 25 años revoluciona el cine por completo con su primer film, “Ciudadano Kane”, obra maestra de un hombre genial, desmesurado, múltiple, que en sus películas –sobre todo en sus adaptaciones shakespearianas “Macbeth” (1948) y “Otelo” (1952)- exorcizaba sus demonios... como él mismo decía: “os habéis preguntado en qué me habría convertido si hubiera obedecido a mi personalidad”. Orson Welles también acabó rodando lejos de Hollywood.
_También en EE.UU. destaca Billy Wilder (que estés en los cielos), observador lúcido, ingenioso y sarcástico que, casi siempre certero, no se queda en la misantropía o el pesimismo y retrata a una humanidad pecadora y mejorable pero viva en películas negras como “Perdición” (1944) y “El crepúsculo de los dioses” (1950). Y por el otro lado, el de la comedia, aún con tintes negros, el gran Frank Capra filma la magistral "Arsénico por compasión" (1944); mientras el genial guionista y director Preston Sturges crea obras maestras de la comedia americana del desparpajo y maestría de "Las tres noches de Eva" (1941) y "Los viajes de Sullivan" (1942).
_En Italia se inicia el neorrealismo con “Obsesión” (1942) de Visconti, y sobretodo con “Roma, ciudad abierta” (1945) del imprescindible Roberto Rossellini -quien luego alumbrará "Francisco, juglar de Dios" (1950)-, y “Ladrón de bicicletas” (1948) de Vittorio de Sica, que retratan un país destruido por la guerra, ruinas y miseria. El neorrealismo, a medio camino entre el documental y el cine clásico, se rodó en exteriores, con iluminación natural y actores a menudo no profesionales.
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Sabiduría oriental
_En la década de los 50 el cine oriental empieza a ser reconocido en occidente. En Japón destacan Kurosawa, Mizoguchi, Naruse y Ozu, cineastas que nos descubren un cine de gran humanidad y naturalidad. Akira Kurosawa realiza obras maestras como “Rashomon” (1951), película que abre el camino a todo ese mundo ignorado hasta entonces y, entre otras,“Los siete samurais” (1954), que será adaptada en EE.UU. como “Los siete magníficos”. Mientras, Kenji Mizoguchi, artista exigente y genial, filma las magistrales “Vida de O-Haru, mujer galante” (1952) y “Los amantes crucificados” (1954). Por su parte, Mikio Naruse destila sabiduría cinematográfica en obras como "Okaasan" (1952) y su obra maestra "Nubes flotantes" (1955).
_Yasujiro Ozu es el máximo representante del cine japonés, aunque el más desconocido. Empezó en el cine mudo y poco a poco fue depurando su estilo hasta hacer “desaparecer” la cámara, filmando con la cámara puesta a la altura de un hombre en cuclillas, prescindiendo de fundidos, travellings y panorámicas. “Viaje a Tokio” (1953) es su obra maestra más admirada, auténtica joya del cine mundial en la que consigue el equilibrio entre la realidad del nuevo Japón occidentalizado y su mirada comprensiva de un mundo que se desmorona.

Pequeños milagros

_En estos años Fellini rueda “La strada” (1954), en la que muestra el desamparo humano; Mankievick rueda una obra maestra sobre el mundo de la farándula: “Eva al desnudo” (1951); Stanley Donen y Gene Kelly dirigen el maravilloso clásico del musical “Cantando bajo la lluvia” (1952), Howard Hawks sigue con sus obras geniales y filma "Me siento rejuvenecer" (1952) y Charles Laughton dirige su única película, “La noche del cazador” (1955) obra misteriosa y aterradora en la que la sombra del mal se cierne como algo más que una amenaza. Mientras, Jacques Tati con su genialidad y lucidez maravillosas sorprende con "Las vacaciones de M. Hulot" (1953), una verdadera obra maestra llena de buen humor, calidez y alegría de vivir.
_El cine español recibe el reconocimiento internacional con “Bienvenido Mr. Marshall” (1952), un clásico lleno de subversión, frescura, ironía y lucidez dirigido por Berlanga, y “Muerte de un ciclista” (1955) de Bardem, película en la que el sentimiento y la ideología van cogidos de la mano.
_En 1955 el francés de origen alemán Max Ophuls, autor de una brillantez, originalidad y personalidad desbordantes, filma su última película, “Lola Montes”, en la que resume su visión del mundo: “la vida, para mí, es movimiento”. También este año Carl Dreyer realiza “La palabra”, película en la que agnósticos, ateos y creyentes asistimos y experimentamos el milagro final de esta obra humana y luminosa que no se cierra en sí misma sino que se abre a todos. Y es que Dreyer nos presenta un milagro que sólo sorprende a quienes han perdido la inocencia, y nos recuerda que la verdadera sabiduría está en los ojos de los niños, que asisten al prodigio con naturalidad.
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La historia continúa
_En el próximo capítulo (1956-actualidad), el cine atravesará transformaciones importantes de la mano de Antonioni, Godard, la nouvelle vague, el underground... Los efectos especiales a menudo irán alejando la inocencia y la poesía del público... pero siempre queda alguien y, casi siempre desde los márgenes, habrán autores que crearán un cine propio en el que el arte y la técnica buscan la Poesía.

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3ª parte (1956-actualidad)

_En 1956 John Ford filma uno de sus westerns más memorables, “Centauros del desierto”, Robert Bresson filma su espiritual obra maestra "Un condenado a muerte se ha escapado", Bardem retrata la España de la época en “Calle Mayor” y “El séptimo sello” descubre a Ingmar Bergman, cineasta sueco que al año siguiente rueda “Fresas salvajes”, para muchos su obra maestra. En estos años el cine inglés se libera con el movimiento “free cinema”, que promueve un mayor compromiso social, con "La soledad del corredor de fondo" (1962) de Tony Richardson. Ken Loach, heredero de este espíritu, ha denunciado la opresión y la injusticia en títulos como “Vida familiar” (1971) y más recientemente en “Tierra y libertad” (1995). Stanley Kubrick dirige la humanista y antimilitarista “Senderos de gloria” (1957) y llevará la ciencia ficción a un delirio audiovisual difícil de superar con “2001, una odisea del espacio” (1968).

La nouvelle vague y la aventura de la vida moderna

_1959: críticos de “Cahiers du cinema” revolucionan el cine con películas que deliberadamente rompen la narrativa tradicional para expresar la fragmentación de la vida moderna. Es la “nouvelle vague”. Jean-Luc Godard con “Al final de la escapada”, que marca un antes y después en la historia del cine, se inspira en el cine independiente americano (Nicholas Ray, Samuel Fuller...) y con el tiempo se convertirá en el más intelectual (aunque pedante), radical (y sin embargo vacuo), y poético en largometrajes como "Vivir su vida" (1962), “Pierrot el loco” (1965), “Alphaville” (1965) y “Todo va bien” (1972), en la que reflexiona sobre su militancia política. Godard, aunque más alejado de crítica y público, experimentó incluso con el vídeo. Aún en activo, como prueba su maravillosa “Nuestra música” (2004) y nunca olvidado (aunque casi siempre sobrevalorado) como reconocen Tarantino o Kim Ki-Duk, sus primeros films fueron la ruptura renovadora que hace posible el cine actual.
_Este mismo año, el gran François Truffaut filma “Los cuatrocientos golpes” -seguirá rodando obras vivas, magistrales, como "Tirad sobre el pianista" (1960), "Jules y Jim" (1962), Fahrenheit 451" (1966) o "El pequeño salvaje"(1970)-, Alain Resnais realiza “Hiroshima mon amour” y, en Italia, Michelangelo Antonioni rueda “La aventura”, que causó una conmoción en Cannes. Antonioni logró expresar la incomunicación de la vida moderna. En sus siguientes films, entre los que destacan “La noche” (1961) y recientemente “Más allá de las nubes” (1994), -codirigida junto al director de “Paris, Texas” (1984) y “Lisboa Story” (1994), Wim Wenders-, Antonioni se ha ido convirtiendo en un cineasta introspectivo y reflexivo pero a veces tan responsable de la soledad y alineación en un mundo perdido, confuso, sin alma, como el que expresan sus películas.
_ Mención aparte para el cine de Jean Rouch, considerado el fundador del cine directo y la antropología visual, a menudo con trasfondo africano, con películas-documentales que suponen toda una experiencia, como "Les maitres fous" (1955), "Moi un noir" (1958), "Crónica de un verano" (1960) quizá su obra más conocida, al alimón con el sociólogo Edgar Morin, o "Petit a petit" (1971), entre otras.

_En EE.UU. el inquieto underground americano, alentado en gran parte por el singular cinéfilo, crítico, cineasta y mil cosas más Jonas Mekas -un referente del film-ensayo con "Walden" (1969) y "Reminiscences of a journey to Lithuania" (1972)- ve aparecer "Sombras" (1960), de John Cassavettes, aún rodada en blanco y negro pero creadora de nuevos caminos, y (también en blanco y negro) la sensual y poética celebración de la vida "Flaming creatures" (1963) de Jack Smith.
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Nadie es perfecto, pero Wilder y Buñuel...
_Mientras en Europa el cine cambia, en la India el director Satyajit Ray termina su trilogía de Apu con “El mundo de Apu” (1959), en la que sigue fiel a su estilo sencillo y natural. Este mismo año Billy Wilder filma “Con faldas y a lo loco”, maravilloso delirio que termina con su conocido “Nadie es perfecto”. Después seguirá reflejando y mejorando nuestro desquiciado mundo en “El apartamento” (1960), “Uno, dos, tres” (1961), “Primera plana” (1974), “Fedora” (1978) y “Aquí un amigo” (1981) con una mordacidad entrañable e hilarante que desgraciadamente no tiene sucesor. Retirado desde hacía años, no le dejaban dirigir, Fernando Trueba afirmó cuando recogió el óscar por “Belle epoque” (1992), que no cree en Dios, cree en Billy Wilder. Un mito.
_Luis Buñuel llega a su madurez con “Nazarín” (1958), “Viridiana” (1961), para muchos su mejor obra, “El ángel exterminador” (1962), “Tristana” (1970), en la que nos hace ver que no hay dos cosas iguales y expresa, con la maestría de un espíritu único, su manera de ver la vida... “El discreto encanto de la burguesía”, que recibe el óscar de Hollywood (eran otros tiempos), “El fantasma de la libertad” (1973), en la que no hay argumento... Con su muerte se perdió mucho más que la mirada del siglo Xx, el siglo que no merece las mayúsculas, se perdió a un espíritu de vida con “horror a comprender”, para quien los 4 jinetes del apocalipsis serían la superpoblación, el cientifismo, el tecnologismo y la información-espectáculo... para quien “En alguna parte entre el azar y el misterio se desliza la imaginación, libertad total del hombre” (y de la mujer). Nadie es perfecto.
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Poesía, vigor, erotismo y solemnes payasadas
_Hitchcock rueda algunas de sus películas más recordadas: “Vértigo” (1958) y “Psicosis” (1960), en la que perpetra un horrible crimen al compás de los violines asesinos de Bernard Herrmann. Orson Welles filma las magistrales “Sed de mal” (1958), “El proceso” (1962), a partir de una novela de Kafka, en la que refleja el absurdo y tiranía de lo establecido, y “Campanadas a medianoche” (1966) rodada en España. Y Howard Hawks sigue celebrando y afrontando la vida con su vigor acostumbrado en westerns del calibre de "Rio Bravo" (1959) y "El Dorado" (1966), además de dejar una maravilla del cine de aventuras como "Hatari!" (1962).
_Berlanga sigue deslumbrando con sus obras maestras “Plácido” (1961) y “El verdugo” (1963), en las que su humor caústico, ácido y esperpéntico reflejan la inmoral España de la época en la que la caridad y la pena de muerte eran habituales. Después filmaría su magistral y malentendida “Tamaño natural” (1973).
_Carl Dreyer rueda su último poema, el largometraje “Gertrud” (1964), que cierra una filmografía maravillosa, espiritual, coherente, luminosa...

_El cine italiano vive una época dorada con “El gatopardo” (1963) de Luchino Visconti, la magistral "8 1/2" (1963) y “Amarcord” (1973), de Fellini, en la que refleja su vitalidad y recuerda su infancia acompañado por la música de Nino Rota, que podría ser, como alguien dijo, la música que se escucha en el cielo..., las increíbles obras de Mario Bava, entre el terror y el erotismo, como "La máscara del demonio" (1960) y "Diabolik" (1967) y finalmente “El último tango en París” (1972) de Bernardo Bertolucci, un manifiesto lleno de rabia, de poesía mutilada por lo establecido, una burla de todas las “solemnes payasadas”, como dijo Lewis Carroll, una negación de la historia en un mundo en el que cuando algo termina vuelve a empezar. Una obra maestra afirmadora y provocadora.
_Mientras, el cine polaco deja huella en la cinematografía mundial con magníficos clásicos como "Cenizas y diamantes" (1958) del gran Andrzej Wajda, la mágica "El manuscrito encontrado en Zaragoza" (1964) de Wojciech J. Has, la épica "Faraón" (1968) de Jerzy Kawalerowicz y las inquietantes, misteriosas y maliciosas películas de Roman Polanski “El cuchillo en el agua” (1963), “Repulsión” (1965) y “La semilla del diablo” (1968) con las que ahonda en lo más oscuro y enfermizo del ser humano.
_En Brasil se revela el entusiasmo y fuerza visual del cinema novo encabezado por Glauber Rocha, con films realizados con gran pobreza de medios pero una riqueza cinematográfica admirable, de los que son notables ejemplos "Barravento" (1962), "Dios y el diablo en la tierra del sol" (1964), "Tierra en trance" (1967) y "Antonio das Mortes" (1969), en los que las raíces africanas del pueblo brasileño, el misticismo, las supersticiones y el componente crítico y social del autor, salen a flote en una rara y preciosa amalgama vigorosa y humanista.

_El celuloide arde, y aviva algo más que los ojos, en el cine sexual con clásicos del gran Gerard Damiano, como la cómica "Garganta profunda", la dramática "El diablo en la señorita Jones" (1973) y la sólida e intensa "Historia de Joanna" (1975), sin olvidar otros clásicos como la mítica "Tras la puerta verde" (1973) de los hermanos Mitchell, la sensual "Barbara Broadcast" (1977) de Henry Paris... y muchas más, mil y una más o, por lo menos, 69.

_Mientras, el nipón Nagisa Oshima aún va más lejos con "El imperio de los sentidos" (1976), una obra maestra natural y sincera -franca en la expresión sexual- sobre el amor, la pasión y el deseo. Una película inolvidable y admirable.

_Y en el lado experimental y vanguardista del cine, el gran Chris Marker crea un fotorelato para la historia con "La Jetée" (1963) y el maravilloso clásico del film-ensayo "Sin sol" (1982), en el que una vez más expresa, entre muchas otras cosas, su amor por Japón.
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El justo medio
_Los años 70 descubren un cine de gran impacto visual en el que destacan films tan logrados como “Harry el sucio” (1971) de Don Siegel, protagonizado por Clint Eastwood -quien con el tiempo dirigiría “Bird” (1988), su homenaje al jazz con la figura del gran Charlie Parker, y las magistrales "Un mundo perfecto" (1993), "Million dollar baby" (2004) y también "Invictus" (2009), convirtiéndose en uno de los iconos del cine mundial, delante y detrás de las cámaras-, y “El diablo sobre ruedas” (1971), en la que el debutante Steven Spielberg consigue una obra de una tensión que no ha logrado repetir.
_Mientras, el cine clásico sigue representado, entre otros, por Akira Kurosawa, quien rueda la maravillosa “Dersu uzala” (1975), y Mankievick, que realiza “La huella” (1972), con la que consigue una obra maestra que, como “El principito” de Saint-Exupéry, está formada por varios niveles y puede verse como un ligero pasatiempo o como una profunda reflexión sobre el juego de la vida... Interpretaciones geniales, el talento capaz de llegar al público quedándose en el justo medio, sin ser vulgar ni elitista, acercando una obra valiosa, profunda pero asequible. Una joya.
_En estos años Woody Allen dirige “Annie Hall” (1977) y la maravillosa “Manhattan” (1979), con las que empieza su etapa de madurez, que continuará con obras maestras como la inolvidable "La rosa púrpura del Cairo"(1985), “Hannah y sus hermanas” (1986), “Balas sobre Broadway” (1994) y la dramática "Match point" (2005), en la que aborda con maestría la influencia del azar en nuestras vidas. Woody Allen es, entre otras cosas, una de las cabezas más lúcidas de la actualidad, aunque afirma que el cerebro es su segundo órgano favorito... y el prototipo de cierto hombre contemporáneo, más intelectual, cultivado, inseguro, vulnerable, narcisista...
_Mientras, en España, Bigas Luna filma su obra maestra “Bilbao” (1979), película sucia, obsesiva, enfermiza y magnética, que no ha logrado igualar en sus siguientes intentos... Y este mismo año Iván Zulueta dirige “Arrebato”, obra imposible de limitar con palabras, en que quizá sólo el título pueda intentar expresar la intensidad, el delirio, la extraña magia de esta obra maestra única, incomparable, inexpresable...

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Retorcido talento

_En 1964 el western se ve sacudido por la irrupción vigorosa y llena de talento de Sergio Leone, quien, con su trilogía interpretada por Clint Eastwood y la música de Ennio Morricone: "Por un puñado de dólares" (1964), "La muerte tenía un precio" (1965) y "El bueno, el feo y el malo" (1966), redefine el género e imprime con brillantez algunas de las páginas más apasionantes de la historia del cine, increíble unión de cine de autor con todas las letras y autor popular de grandísimo éxito comercial. Leone coronaría su filmografía con una nueva obra maestra: "Érase una vez en América" (1984), que posee una memorable, embriagadora y turbulenta atmósfera.
_En 1982, “Blade Runner”, de Ridley Scott –también director de la magnífica “Los duelistas” (1977)- con la música de Vangelis, se desmarca de la corriente más superficial de la ciencia-ficción con una historia llena de poesía, capaz de emocionar, y de expresar al ser humano contemporáneo.
_En estos años termina la poco conocida filmografía de Tarkovski, que luchaba contra “la ausencia, en nuestra cultura, de espacio para la existencia espiritual” con películas a veces irregulares como “Sacrificio” (1986), y este mismo año David Lynch filma “Terciopelo azul”, una de las películas más apasionantes de la década, en la que consigue dar rienda suelta a su complejo y retorcido talento, con una historia enfermiza y perversa recorrida por la demencia.

Contacto con la tierra

_El cine español de las últimas décadas ha contado, entre otros, con José Luis Garci, galardonado con el óscar por “Volver a empezar” (1982); Víctor Erice, director de las magistrales (lástima que ruede una película por década) “El espíritu de la colmena” (1973), “El sur” (1983) y “El sol del membrillo” (1992); Pedro Almodóvar, director de la exitosa “Mujeres al borde de un ataque de nervios” (1988), cronista de la movida madrileña en sus inicios y oscarizado por “Todo sobre mi madre” (2000); Fernando Trueba (véase Billy Wilder) también director de “El sueño del mono loco”, a partir de un guión muy elaborado con referencias a Peter Pan; David Trueba, guionista y director de “La buena vida” (1996); Fernando León de Aranoa, que dirige “Familia” (1996) en la que desborda ingenio, alegría, imaginación y nos anima a jugar a las nubes; Juanma Bajo Ulloa, director de “Alas de mariposa” (1991) y Julio Medem, una de las miradas más creativas del cine europeo, con películas como su arriesgado debut “Vacas” (1991), y otras más irregulares como “La ardilla roja” (1992), “Tierra” (1995), o “Los amantes del círculo polar” (1998), en la que las vidas son casualidades, el círculo es símbolo de la vida, los nombres empiezan como acaban, como su apellido... el destino.

El club de la K y el cine independiente

_En los últimos años, gran parte de los directores interesantes forman, casualidades de la vida, el club de la K: Kiarostami, Kitano, Kore-Eda, Kiyoshi Kurosawa, Kaurismaki, Kim Ki-Duk... aunque la gran excepción a este club de la K es el cine independiente de Jarmusch. Aunque hay más, mucho más...

_El iraní Abbas Kiarostami, uno de los cineastas más importantes de la actualidad, se da a conocer con “A través de los olivos” (1994), tercera parte de su relato que incluye “¿Dónde está la casa de mi amigo?” (1987) y “...y la vida continúa” (1992). Después vendrán las magistrales “El sabor de las cerezas” (1997), una de las obras maestras de la década, y “El viento nos llevará” (1999), en la que sigue fiel a sí mismo, con esa mezcla casi imposible de improvisación, inteligencia, sencillez, planificación y obra inacabada que puede “completarse gracias al espíritu creativo de los espectadores”. El universo de Kiarostami es siempre un manantial lleno de vida que afirma la vida, imperfecta, siempre a medio hacer (en un mundo dominado por el mito de la perfección), a través de un cine coherente, abierto, que escapa de “las historias impecables que funcionan perfectamente” pero “imposibilitan intervenir al público”. Un poeta que nos invita a ser poesía, a ser vida que se deja recorrer por la vida.
_El japonés Takeshi Kitano filma en estos años sus magistrales y personalísimas “Violent cop” (1989), “Hanna-Bi”(flores de fuego) (1998) y “El verano de Kikujiro”(1999), en las que ahonda en un cine en el que, como en la conducta humana, se dan la mano un sentido del humor infantil, capaz de provocar carcajadas, junto con una violencia y crueldad explícitas y brutales, y finalmente, el cariño, la ternura y la poesía que todo verdadero ser humano lleva en su interior.

_También son japoneses Hirozaku Kore-Eda, autor de "After life" (1999), "Nadie sabe" (2004) y "Still walking" (2008) que alcanza la maestría recordando al maestro Ozu, y Kiyoshi Kurosawa, autor de culto que innova entre el thriller y el género fantástico con "Cure" (1997) y en especial con la portentosa "Kairo" (2001), aunque también ha creado una obra tan atemporal y sublime como "Tokyo sonata" (2008).
_El finlandés autodidacta Aki Kaurismaki rueda emociones de contrabando con un estilo sencillo, lacónico, pues considera que en el mundo hay “demasiado movimiento, demasiadas palabras” en películas breves y maravillosas como su revelación, "Ariel" (1988), quizá su obra maestra “La chica de la fábrica de cerillas”(1989), la magistral "Contraté un asesino a sueldo" (1990), el mediometraje estrenado como largometraje “Agárrate el pañuelo, Tatiana” (1994) y la reciente "El Havre" (2011),en las que se expresa con honestidad, lejos de efectismos, con la pureza de una de las miradas más bellas y amorosas de nuestros días.
_El coreano Kim Ki-Duk crea películas de una poesía, belleza y crudeza conmovedoras en títulos que, como “La isla” (2000), y “Hierro 3” (2004), le valen poco a poco el reconocimiento internacional.

_El taiwanés Edward Yang, crea "Yi Yi" (2000) una obra maestra humana, de lúcida mirada sobre el fluir de la vida, una obra esencial, poética y depurada que por desgracia cerró su filmografía.
_Mientras, el cine francés cuenta con Eric Rohmer, proveniente de la nouvelle vague, que termina sus cuentos de las cuatro estaciones con un pequeño milagro: “Cuento de invierno” (1992), y con la magia que desprende la maravillosa “Amelie” (2001), de Jean Pierre Jeunet, una de esas películas que, como el magnífico film-ensayo “Nuestra música” (2004) de Godard o “El viento nos llevará” de Kiarostami, nos llena de buenos sentimientos, de ternura, de alegría y nos ayuda a ser mejores personas.
_Y en EE.UU. el cine independiente se hace eco del insomnio americano, sobre todo a través de Jim Jarmusch y sus obras de culto "Extraños en el paraíso" (1984), "Mistery train" (1989), y sus más recientes "Dead man" (1995) y "Ghost dog: el camino del samurai" (1999), y también aporta films como “Clerks” (1994), de Kevin Smith, película desbordante en la que sorprende su humor caústico pero ingenioso y su apariencia ligera en un film profundo rodado con pocos medios pero con muchas ganas y talento; “Smoke” (1995), en la que Wayne Wang y el escritor Paul Auster defienden el tabaco y expresan la vida, cambiando constantemente de forma como el humo de los cigarrillos; y sobre todo el éxito (algo excesivo) de “Pulp fiction” (1994) de Quentin Tarantino –director de culto tras “Reservoir dogs” (1992)- en la que descarga su recorrido cinéfilo (entre otras cosas su productora lleva el título de un film de Godard) y su visión de la violencia... Tarantino presume de haber aprendido a rodar viendo cine. No ha querido ser consumido por el éxito y con su siguiente film, “Jackie Brown” (1997) prueba que quiere moverse en todas las direcciones, como el viento. Después con “Kill Bill” (2003-4), sorprende e impacta visualmente, aunque propuestas más creativas e imaginativas como "La ciencia del sueño" (2006), de Michel Gondry, la magnífica "El ladrón de orquídeas" (2002) de Spike Jonze, la soberbia "Beau travail" (1999) de la directora Claire Denis, la humana "Juventud en marcha" (2006) de Pedro Costa, la deliciosa "Un cuento de verano" (2007) de Andrzej Jakimowski, la magnífica aportación al género vampírico "Déjame entrar" (2008) de Tomas Alfredson; la magistral "El secreto de sus ojos" (2009) de Juan José Campanella, y "The Artist" (2011) de Michel Hazanavicius, un encanto de película que recrea la atmósfera del cine mudo, aportan una mirada aún más fresca al cine y a la vida.
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La última ruptura, por el momento, y la revolución digital
_En Dinamarca, a finales de los 90 se promueve una nueva manera de hacer cine basada en un decálogo, autodenominado Dogma, que impone un cine, cámara en mano casi siempre, que tiene el aspecto de un vídeo doméstico.“Celebración” (1998) de Thomas Vinterberg, es la primera obra dogma y refleja los sórdidos trapos sucios de una familia acaudalada, mientras que la provocadora boutade “Los idiotas” (1998) de Lars von Trier, autor de “Rompiendo las olas” (1996), desvaría a menudo y se muestra autocomplaciente a la vez que crítica y corrosiva con la hipocresía de la sociedad. Ambas son las primeras muestras de esta dogmática y liberadora manera de hacer cine en la que la espontaneidad y las interpretaciones son mucho más importantes que los efectos especiales, pero que ni siquiera Lars von Trier ha continuado en su melodrama musical “Bailar en la oscuridad” (2000), ni en su original “Dogville” (2003) o en la apocalíptica "Melancolía" (2011).
_Como ocurrió con Godard y Antonioni, el movimiento Dogma supone una ruptura y una alternativa, un camino abierto a nuevas posibilidades pero, aunque sea un necesario grito salvaje en un mundo en el que la poesía se considera un anacronismo cuando lo que en realidad ocurre es que sentir está pasado de moda, no es la gran revelación sino una alternativa a menudo amanerada que se rebela en vez de revelarse. El cine, como la vida, necesita revelaciones, no rebeliones.

_Por otra parte, la más reciente e importante de las revoluciones en el cine actual es tecnológica. Se trata de la consolidación del cine digital, pues esta tecnología permite abaratar costes (el cine es muy caro) y rodar incluso toda una película del tirón, sin ningún corte, como magistralmente ha mostrado Aleksandr Sokurov en "El arca rusa" (2002). La creatividad ya no se verá limitada por la duración del rollo del entrañable, pero limitado, celuloide, y el cine en teoría será más asequible para autores audaces y con talento que no dispongan de un fuerte respaldo económico.

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La vida continúa
_El futuro será parecido al presente. El cine taquillero incluirá cada vez más efectos especiales, movimientos veloces, mucho montaje... Conviene recordar lo que dijo Hemingway: “Nunca confundas movimiento con acción”. El cine del futuro aún tendrá a poetas que en vez de fabricar éxitos fugaces crearán obras llenas de vida. Abundará lo fácil y escaseará la poesía, como siempre, pero la vida continúa...

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_alguna bibliografía consultada y/o recomendada
Historia del cine mundial, José María Caparrós Lera (Rialp, 2009)
Historia del cine, David Pakinson (Destino, 1998)
Los secretos del cine, VV.AA. coordinado por Román Gubern (Editorial Pala, 1974)
Historia del cine (vol. 1 y vol. 2), Román Gubern (Editorial Lumen, 1973)

Historia del cine experimental, Jean Mitry (Fernando Torres Editor, original 1971)
Diccionario del cine, VV.AA. (Editorial Rialp, traducción del diccionario Larousse, 1991)
Guia del cine, Carlos Aguilar (Cátedra, 2011) un libro muy pero que muy imprescindible...

Películas del cine mundial, Augusto M. Torres (Espasa, 2005)

Diario de cine, Jonas Mekas (Fundamentos, 1975)
1001 películas que hay que ver antes de morir, VV.AA. coordinado por Steven Jay Schneider (Grijalbo, 2006)

Guía del cine español, Carlos Aguilar (Cátedra, 2007)

-http://www.imdb.com/ y decenas de webs, blogs, revistas... y amor al buen cine

antecedentes del cine

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Vacaciones en Roma (1953) William Wyler

2011-12-03T14:54:00.000+01:00

Vacaciones en Roma (1953) William Wyler
Este clásico de la comedia romántica es una de esas impagables maravillas que dirigió William Wyler, un artista capaz de dejar huella en el drama, el cine épico, y también en la comedia romántica, como en esta joya. La delicadeza con la que el director aborda la historia alcanza lo exquisito, pero sin caer en el esteticismo o el engolamiento, nada de eso, la narración es fluida y natural, y las interpretaciones de Gregory Peck y la casi debutante (se la pudo ver un poco en la notable "Oro en barras") Audrey Hepburn son ya patrimonio del cine, y casi de la humanidad. Aunque Audrey Hepburn se llevó el oscar (¡no es para menos!), hay que recordar el hecho, menos conocido, de que el magnífico guión en realidad pertenecía al represaliado por la caza de brujas Dalton Trumbo, a quien por fin se le ha reconocido en los créditos de la nueva versión remasterizada, una delicia para los ojos. Quizá no haya películas como las de antes, ¡pero la tecnología actual las hace lucir en todo su esplendor!.
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Secretary (2002) Steven Shainberg

2011-12-02T16:39:00.001+01:00

Secretary (2002) Steven Shainberg.
Esta película interpretada por Maggie Gyllenhaal y James Spader, es de lo más interesante y creativo que ha dado el erotismo cinematográfico de la última década. Un relato de una riqueza fantástica, con matices de cuento de hadas, conductas bizarras y sadomasoquistas tratadas con un halo mágico y fabulador que entrecruza maravillosamente los destinos de un jefe y una secretaria. Sin descartar las influencias del David Lynch de la mítica "Twin Peaks", el film alza el vuelo con una entidad propia alcanzando una delicada, pero no fofa, dimensión romántica. Su suave textura destila con pureza cierta sensibilidad especial, y muestra que existe un público, no tan minoritario, que aprecia estos sutiles deslizamientos progresivos del placer.
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D.H. Lawrence y El amante de Lady Chatterley

2011-11-30T16:44:00.000+01:00

_D.H. Lawrence publicó (él mismo) en 1928 "El amante de Lady Chatterley". Sin embargo el poeta (tanto en prosa como en verso) ya había esbozado la novela en una primera versión en 1926 y luego en una segunda versión, celebrada por Alexandrian en su Historia de la literatura erótica, y particularmente en Francia, donde la directora Pascale Ferran realizó hace poco una adaptación de esta segunda versión titulada "Lady Chatterley" (2006).
_De la célebre novela, polémica desde su publicación, acusada de pornográfica y prohibida en la Inglaterra de su época (en 1960, tras el juicio que narra "The Chatterley affair" (2006) se permitió su publicación), pero defendida entre otros por el gran filósofo, matemático y librepensador Bertrand Russell, se han realizado algunas adaptaciones que no han alcanzado la profundidad psicológica y sentimental del original. La primera adaptación, titulada "El amante de Lady Chatterley" (1955) la dirigió Marc Allegret; más tarde "El amante de Lady Chatterley" (1981) dirigida por Just Jaeckin y con Sylvia Kristel (reunión mejorable); después la televisiva "Lady Chatterley" (1993), a cargo del efectista Ken Russell, que adapta también fragmentos de la segunda versión, y otra adaptación televisiva, "Milenec lady Chatterleyové" (1998) dirigida por el checo Viktor Polesny. Este rápido repaso es desalentador, "El amante de Lady Chatterley" aún no se ha llevado al cine con la maestría que merece, pues tampoco la adaptación de Pascale Ferran resulta del todo lograda, aunque posee momentos en los que sí se revela la alegría y el entusiasmo que brotan del original, un verdadero manantial de poesía entre las sombras.
_La figura de D.H. Lawrence sigue siendo polémica y algunas feministas lo acusan de mil y un delitos, sin embargo para mí la magistral novela es el florecimiento de una mujer a través del amor y el erotismo, y también de un hombre, pues finalmente (¡cuento un poco el final!) el presuntuoso guardabosques llega a madurar. Es un hombre más digno en la segunda versión, aunque la tercera versión muestra cómo el amor de una mujer logra transformar a un hombre y hacerlo persona, aunque mejor no les cuento la película, quería decir la novela, les invito a descubrirla.
_Su alegría (incluso en su tristeza), misticismo y expresión sagrada y mágica del erotismo es una maravillosa celebración de la vitalidad, y una de las obras más románticas, eróticas y amorosas (estas tres venas de luz juntas son el éxtasis, y el paraíso en la tierra) jamás escritas. Un gran clásico de la literatura enraizado en la naturaleza profundamente erótica (en el sentido más espiritual, sentimental y carnal de la palabra) de la existencia humana. ¡¡¡Obra maestra!!!.
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-la primera versión (1926) está en inglés en google books
-la segunda versión (1927) está disponible en inglés, y en parte en google books (también está editada en francés por Gallimard). Suele publicarse como "John Thomas and Lady Jane" o bien como "The second version of Lady Chatterley's lover"
-la tercera versión (1928) es la que se puede encontrar en cualquier idioma, y siempre será un clásico

programa doble: Iván Zulueta: Un, dos, tres, al escondite inglés (1969) + A MAL GA MA (1976)

2011-11-28T21:25:00.001+01:00

Hace tiempo tuve un blog de cine titulado ARREBATO DE CINE ORIGINAL, con eso creo que no necesito decir mucho más sobre lo que para mí significa Zulueta, su obra, su vida, su muerte... Sirva esto como inusual homenaje a uno de los cineastas más importantes de la historia del cine español.
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programa doble: Iván Zulueta
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Un, dos, tres, al escondite inglés (1969) Iván Zulueta.
Hace más de 40 años, ese genio maldito y bendito llamado Iván Zulueta, a quien sus ángeles y demonios ya no visitan en este planeta, quizá sí en otro universo, un más allá o algo por el estilo, filmó un musical inaudito en el cine español, un musical pop, fresco y dinámico que sigue siendo un oasis en la filmografía española. Incluso en la ya de por sí poco difundida obra de Zulueta esta película ha quedado a la sombra de "Arrebato", una obra maestra que el lenguaje no puede expresar. Sin embargo este musical predice incluso en qué se convertiría el festival europeo de la canción, y en su aparente sencillez muestra su belleza, joven, alegre y natural. Es un auténtico placer recuperar este clásico moderno. Y es divertidísima.
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A MAL GA MA (1976) Iván Zulueta.
Este mediometraje experimental es un viaje casi cósmico, que lleva muy lejos, desde lo más cercano. Como quería William Blake, el gran Zulueta logra ver un universo en un grano de arena, y muchas más cosas, las alas de los ángeles y los colmillos de los diablos, una y otra vez recorriéndonos como la sangre en las venas, el aire en los pulmones, o la energía sideral, proveniente del origen del universo, que todavía nos alienta y alimenta. Todo esto y mucho más, en poco más de media hora de fértil imaginación, montaje moderno y ambientación musical que acentúa el lirismo, la perplejidad, la ingenuidad y la dulce perversidad de este genio cinéfilo y cinéfago imprescindible para el cine español. Junto a Val del Omar, el donostiarra Iván Zulueta fue sin duda el exponente más importante de la vanguardia cinematográfica española.
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http://www.rtve.es/mediateca/videos/20100204/memoria-ivan-zulueta/684908.shtml
http://www.ivanzulueta.com/index-es.php

documental (algunos títulos)

2011-11-26T17:54:00.000+01:00

documentales (algunos títulos)
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-En su estado de perfección, el documental tiende a la ficción y la ficción al documental.
_Jean-Luc Godard

-Todo grupo documental que pretende ser objetivo no hace más que afirmar una convicción de que sus opiniones tienen una validez especial y merecen ser aceptadas y valoradas por todo el mundo.
_Erik Barnouw, en El documental. Historia y estilo

-Los verdaderos documentalistas sienten pasión por lo que encuentran en las imágenes y en los sonidos, que siempre les parece más significativo que todo cuanto puedan inventar. (...) Los documentalistas siempre presentan su propia versión del mundo.
_Erik Barnouw, en El documental. Historia y estilo

unas palabras
_El cine documental y el de ficción parecen muy distintos aunque a veces el cine de ficción trata de ser realista o incorpora el tratamiento de los documentales, y a su vez los documentales a menudo realizan ficciones propias del cine convencional. En fin, que en realidad el cine documental no es tan documental y el cine de ficción no siempre es tan de ficción... El documental arranca con el cine, como es natural, quizá con las primeras vistas de los Lumiére y demás cineastas pioneros. Hay documentales de varios tipos, como los clásicos con voz en off, los que incorporan al documentalista como eje del mismo, los found footage film, de metraje encontrado, o los fakes, documentales falsos. Estos son algunos títulos destacados de un género bastante marginado pero que siempre ha dado muestras de tener mucho que decir y a menudo ha creado maneras nuevas e interesantes de narrar, que luego ha utilizado, y utiliza, el cine convencional.

_Y una observación más, el cine, que empezó siendo documental, no ha distinguido muchas veces entre documentalistas y cineastas de ficción, como prueban los nombres de importantes cineastas como John Ford, Frank Capra, Louis Malle, Alain Resnais, Nagisa Oshima, Luis Buñuel, John Huston, Jean Vigo, George Franju, Satyahit Ray, Fernando Solanas, Wim Wenders, Agnes Varda, Jean-Luc Godard o Michelangelo Antonioni, que han realizado tanto películas de ficción como películas documentales. Prueba también de que el documental merece una consideración y un respeto mayor del que se le suele dar normalmente.
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documentales

los comienzos
La salida de los obreros de la fábrica Lumiére, Lumiére (1895)

Mujeres nativas abastecen de carbón un buque y disputan por el dinero, ? (1903)

_Vertov, Flaherty y los años 20
Aniversario de la revolución, Dziga Vertov (1919) compilación

Historia de la guerra civil, Dziga Vertov (1921) compilación

Cine-Verdad, Dziga Vertov (1921) noticiario

Nanuk el esquimal, Robert Flaherty (1922) un clásico precioso, muy poético, del documental

Cine-Ojo, Dziga Vertov (1924)

Ballet mecanique, Fernand Léger y Dudley Murphy (1925)

Una sexta parte del mundo, Dziga Vertov (1926) una obra maestra sobre la Rusia de la época

Moana, Robert Flaherty (1926)

Sólo las horas, Alberto Cavalcanti (1926)

La caída de la dinastía Romanov, Esfir Shub (1927) la gran documentalista crea un clásico de la compilación

Emak Bakia, Man Ray (1927)

Moscú, Mijail Kaufman (1927) sobre la capital rusa por un hermano de Vertov

Documento de Shangai, Yokou Blyokh (1928)

Sinfonía de las carreras, Richter (1928)

El puente, Joris Ivens (1928)

Lluvia, Joris Ivens y Mannus Franken (1929)

H20, Ralph Steiner (1929)

A la deriva, John Grierson (1929) un autor, productor, fundamental

El hombre de la cámara, Dziga Vertov (1929) el creador del cine-ojo... un clásico

Berlín, sinfonía de una gran ciudad, Walter Ruttmann (1929) otro clásico vamguardista

_los años 30
Sal para Svanetia, Mijail Kalatozov (1930)

Imágenes de Ostende, Henri Storck (1930)

En primavera, Mijail Kaufman (1930)

A propos de Nice, Jean Vigo (1930) la poesía de Vigo también en este corto documental sobre Niza

Entusiasmo: sinfonía del Donbas, Dziga Vertov (1931)

Sinfonía industrial, Joris Ivens (1931) un clásico del documental

Las Hurdes, tierra sin pan, Luis Buñuel (1932) la pobreza en una zona aislada, un clásico del género

Hambre, ? (1932)

Canto de héroes, Joris Ivens (1932) rodada en Rusia por el importante documentalista

Borinage, Henri Storck y Joris Ivens (1933) sobre los mineros del carbón de la localidad

Hipocampo, Jean Painlevé (1934)

Nueva tierra, Joris Ivens (1934)

El hombre de Arán, Robert Flaherty (1934)

Canto de Ceilán, Basil Wright (1935)

Problemas domésticos, Edgar Anstey y Arthur Elton (1935)

El triunfo de la voluntad, Leni Riefenstahl (1935) documental en mayor gloria del dictador Hitler

El arado que labró las llanuras, Pare Lorentz (1936)

Correo nocturno, Harry Watt y Basil Wright (1936) clásico con texto de W.H. Auden y música de Britten

Coal face, ? (1936) un

La vida es nuestra, Jean Renoir (1936) semidocumental para el Frente Popular

El río, Pare Lorentz (1937) un clásico de un autor fundamental

Tierra de España, Joris Ivens (1937) narrada por Ernest Hemingway

Corazón de España, Lline, Karpath, Strand y Hurwitz (1937)

China devuelve el golpe, Jay Leda y Harry Dunham (1937)

Rayos X, Martin Rikli (1937)

Olympia, Leni Riefenstahl (1938) con movimientos exquisitos y un despliegue de medios impresionante, una obra maestra de Riefenstahl, quizá más enamorada del cuerpo desafiando los límites que del nazismo

La ciudad, Ralph Steiner y Williard Van Dyke (1939) un documental notable

Los cuatrocientos millones, Joris Ivens y John Ferno (1939) rodado en China

España, Roman Karmen (1939) la guerra civil española por el documentalista ruso

_los años 40
Kobayashi-Issa, Kamei (1940) sobre el poeta

El titán, Curt Oertel (1940?) narra sin narrador, sólo a través de las obras de Miguel Ángel

Un cuento de verano, Arne Sucksdorff (1941) con momentos encantadores pero también crueles

Escuchad a Gran Bretaña, Humphrey Jennings (1942) un clásico que resiste el paso del tiempo

Comenzaron los incendios, Humphrey Jennings (1943) otra afirmación del inglés

La batalla de Midway, John Ford (1944) también Ford abrazó la causa patriótica durante la guerra

La batalla de San Pietro, John Huston (1944) un documental humanista

Let there be light, John Huston (1945) conmovedores triunfos de superación personal tras la guerra

Por qué luchamos, Frank Capra (1942-45) serie de 7 películas, incluía material de ambos bandos, material nuevo e incluso escenas tomadas de películas de ficción

Camarógrafos en el frente, Maria Slavinskaya (1946) compilación

Llamamiento de Indonesia, Joris Ivens (1946)

El juicio de las naciones, Roman Karmen (1946) sobre Nuremberg

Paris 1900. Nicole Vedres (1947) compilación

Farrebique, Georges Rouquier (1947) inicio del docudrama, sigue la vida a través de una granja a través de detalles

Nuremberg, Pare Lorentz y Stuart Schulberg (1948) sobre los famosos juicios

1848, Victoria Mercanton (1948) usa grabados de la época

Louisiana Story, Robert Flaherty (1948) última película de un maestro

La sangre de las bestias, George Franju (1949) en un matadero

Atomización, ? (1949) cinematografía de 3000 cuadros por segundo

_los años 50
Espejo de Holanda, Bert Haanstra (1950) monumentos a través del reflejo en el agua

Panta Rhei, Bert Haanstra (1951) muestra identidades que se transforman en otras

Los hombres que hacen la lluvia, Jean Rouch (1951)

Trance y danza en Brasil, Gregory Bateson y Margareat Mead (1952)

Hôtel des invalides, George Franju (1952) los traumas de los soldados y el museo militar

La gran aventura, Arne Sucksdorff (1953) una obra maestra

Estamos en tierra india, George C. Stoney (1953) sobre la India

¡Oh, tierra de sueños, Lindsay Anderson (1953) fantasmagoría de la cultura popular

Informe sobre Mc Carthy, Edward R. Murrow (1954) sobre el nefasto senador

Tú y muchos camaradas, Andrew y Annelie Thorndike (1955) compilación sobre la Alemania moderna

Noche y niebla, Alain Resnais (1955) un clásico, una dura acusación con el recurso de alternar color y blanco y negro

Nuestro máximo enemigo, Bert Haanstra (1955) primeros planos de insectos

El mundo del silencio, Jacques Cousteau (1956) en el fondo submarino

Mamá no lo permite, Karel Reisz y Tony Richardson (1956) sobre un club de jazz

Párrafo cero, Wlodzimierz Borowik, (1956) vida de las prostitutas

Varsovia 56, Jerzy Bossak y Jaroslav Brzozowski (1956)

On the bowery (1956) Lionel Rogosin

La ciudad del oro, Junta nacional de cinematografía de Canadá (1957) a partir de fotografías de 1898

En la cárcel, Dennis Mitchell (1957) memorables retratos de personajes marginales

Danzas marciales de Malaba, Paul Zils (1957) un documental brillante

Operación espada teutónica, Andrew y Annelie Thorndike (1958) denuncian a un criminal de guerra

Vidrio, Bert Haanstra (1958)

Yo, un negro, Jean Rouch (1958) sobre obreros desarraigados que representan sus fantasías ante la cámara

N.Y., N.Y., Francis Thomson (1958) experimentando con lentes, espejos...

Los cazadores, John Marshall (1958) antropológico

Savage eye, Joseph Strick, Sidney Meyers y Ben Maddow (1959)

_los años 60
Crónica de un verano, Jean Rouch y Edgar Morin (1960) creó caminos en su día para el cinema verité

Chicago: primeras impresiones de una gran ciudad norteamericana, Denis Mitchell (1960)

Mein Kampf, Erwin Leiser (1960)

Primary, Robert Drew y Richard Leacock, (1960) sobre la campaña electoral

Cosecha de vergüenza, ? (1960)

Una chispa puede comenzar un incendio en la pradera, Fu Ya y Huang Bao Chang (1961)

Biografía de un tugurio, Jay Mc Mullen (1961)

Rabinandrath Tagore, Satyahit Ray (1961) sobre el músico hindú

Morir en Madrid, Frederic Rossif (1962)

Le joli mai, Chris Marker (1962) Marker es uno de los ensayistas más personales del cine moderno

Mondo cane, Guatiero Jacopetti (1963) fue muy influyente

El bonito mes de mayo, Chris Marker (1963)

Feliz día de la madre, Richard Leacock y Joyce Chopra (1963) una familia de quintillizos

Todos los hombres, Bert Haanstra (1963) la vida holandesa

El desfile, Dusan Makavejev (1963) sobre los preparativos del acto, su obra se calificó

de joie de vivre en las barricadas

El ejército imperial olvidado, Nagisa Oshima (1963) los tullidos coreanos que lucharon por el emperador

Pour la suite du monde, Pierre Perrault (1963)

Las olimpíadas de Tokyo, Kon Ichikawa (1964) con minuciosos detalles humanos

Gente difícil, Andreas Kovacs (1964) sobre inventos que no vieron la luz

Niños sin amor, Kurt Goldberger (1964) el sistema de guarderías y su relación con la delincuencia juvenil

Manos e hilos, Vlademir Basara (1964) la poesía de un telar

La lista, Vera Jocic (1964) esculturas creadas con el barro de un campo de concentración

The war game, Peter Watkins (1965) docudrama sobre un imaginario ataque nuclear

La excursión naútica del magistrado, Chung Sil Lee (1965) narra a través de acuarelas

El fascismo al desnudo, Mijail Romm (1965)

El sello, Branko Celovic (1965) sobre el sello de goma, medio en serio medio en broma...

¡Ahora!, Santiago Álvarez (1965) los derechos de las minorías

The bus, Haskell Wexler (1965)

Don't look back, Richard Leacock y A. Pennebaker (1966) sobre Bob Dylan

Archeologia, Andrzej Brozozowski (1967) los huesos del campo de exterminio de Auschwitz

Hanoi, martes 13, Santiago Álvarez (1967) guerra del Vietnam

India 67, S. Sukhdev (1967) con el humorismo popular hindú

Titicut follies, Fred Wiseman (1967) rompía estereotipos en un sanatorio de criminales

Warrendale, Allan King (1967) hogar de niños perturbados

La section Anderson (1967) Pierre Schoendoerffer

Necrología, Standish D. Lawder (1968)

Un cuento de cuatro estaciones, Khwaja Ahmad Abbas (1968) sobre las grandes ciudades y barrios bajos de Bombay

La India fantasma, Louis Malle (1968) 6 horas en un fresco íntimo, turbador, vacilante...

Mahatma, Vithalbahai K. Jhaveri (1968) sobre Gandhi

La hora de los hornos, Fernando Solanas (1968) un duro manifiesto revolucionario, histórico

En Vietnam del Norte, Felix Greene (1968) descubrió a los americanos lo que hacía su ejército en Vietnam, y el carácter alegre, orgulloso y digno de los vietnamitas

El vendedor, Albert y David Maysles (1969) un clásico sobre el insomnio americano y los vendedores de biblias

El funeral de Jan Palach, ? (1969) sin comentarios, se presencia cómo se prende fuego protestando contra la ocupación militar

Algunas pruebas, ? (1969) los efectos de las armas norteamericanas en Vietnam

Medium cool, Haskell Wexler (1969)

_los años 70
Hiroshima-Nagashaki, agosto de 1945, ? (1970)

Triste canción de los piel amarilla, Michael Rubbo (1970)

La pena y la piedad, Marcel Ophuls (1970) sobre la Francia ocupada, el colaboracionismo...

Le fond de l'air est rouge, Chris Marker (1971)

Fin del diálogo, ? (1971) clandestino, sobre el apartheid

Minamata, Noraki Tsuchimoto (1971) malformaciones humanas por contaminación

Entrevista a veteranos de My Lai, Joseph Strick (1971)

La propaganda del Pentágono, Peter Davis (1971) histórica denuncia de las manipulaciones del pentágono sobre Vietnam

Los campesinos de la segunda fortaleza, Shinsuke Ogawa (1971) sobre una expropiación

Trenes especiales, Krsto Papic (1971) sobre el desempleo

Entrenamiento básico, Fred Wiseman (1967) la instrucción militar

Tidikawa y los amigos, Jet y Su Doring (1971) aborígenes de Nueva Guinea

Dedeheiwa lava a sus hijos, Napoleón Chagnon y Timothy Asch (1971) como en los flms de Lumiére, en las escenas están atrapando la vida...

La máquina increíble, (National Geographic -?) (1971) sobre el cuerpo humano visto desde dentro

Excavación de una tumba de 2100 años, ? (1971)

Reminiscences of a journey to Lithuania, Jonas Mekas (1972)

Tupamaros, Jan Lindquist (1973)

De cierta manera, Sara Gómez (1974)

Cuba: el pueblo, Jon Alpert y Keiko Tsuno (1974)

Introduction to the enemy, Haskell Wexler (1974)

Hearts and minds, Peter Davis (1974)

Compañero, ? (1975) sobre el asesinato del cantante Víctor Jara por orden de Pinochet

De cómo Yukong movió las montañas, Joris Ivens y Marceline Loridan (1976) serie clásica de 12 películas sobre China, donde Ivens (6 décadas haciendo documentales) había rodado "Los cuatrocientos millones"

Harlan, distrito de los Estados Unidos, Barbara Kopple (1976) mineros, mujeres, hijos, piquetes...

La batalla de Chile, Patricio Guzmán (1976)

Vietnam: recogiendo los pedazos, Jon Alpert y Keiko Tsuno (1977)

Peligro: residuos radiactivos, ? (1977)

Cuidado de la salud: tu dinero o tu vida, Jon Alpert y Keiko Tsuno (1977) desgarrador informe sobre un hospital saturado y obsoleto

Diez minutos mayor, Herz Frank (1978) un niño pequeño mira un espectáculo de marionetas pero éstas no se ven y se enfoca al niño

Miró, Robert Lough (1978) con entrevista al Miró de 80 años pero joven de espíritu

La vida en la tierra, David Attenborough (1979) serie monumental con rastros de numerosas especies en el último medio billón de años

_los años 80
Cosmos, Adrian Malone (1980) histórica serie, presentada por Carl Sagan, sobre el universo

El día posterior al domindo de la Trinidad: Robert J. Oppenheimer y la bomba atómica, John Else (1980)

Con los ojos puestos en el premio, ? (1980) crónica de los movimientos por los derechos civiles

De Mao a Mozart, ? (1980) gran musical chino-norteamericano

Sueños asfixiantes, Dan Reeves (1980) sobre las mentiras de la gloria en el ejército para destruir Vietnam

La vida en los tiempos de Rosie la remachadora, Connie Field (1980) cómo afectó a las mujeres trabajar durante la guerra mundial

El Salvador: otro Vietnam, Glenn Silber y T.T. Vasconcellos (1981)

Un gusto adquirido, Ralph Arlyck (1981) reflexión sobre la competitividad y el afán de éxito

Mi cena con André, Louis Malle (1981)

El milagro de todos los días: el nacimiento, (BBC -?)

Dios mío, ¿qué hemos hecho?, Roelof Kiers (1981) la tripulación que tiró la bomba sobre Hiroshima

No es una historia de amor, Bonnie Klein (1981) sobre la industria del porno

Meta Mayan, Edin Vélez (1981) con el uso del movimiento lento muestra su aprecio por Guatemala

Sans soleil, Chris Marker (1982) un film-ensayo donde se discute la relación entre la memoria y las imágenes

Reassemblage + Surname viet given name nam, Trinh T. Minh-ha (1982) estudio de las mujeres senegalesas

The atomic cafe, Kevin Rafferty, Jayne Loader, Pierce Rafferty (1982) compilación de propaganda pro-nuclear

Diario de campo, Amos Gitai (1982) en las zonas ocupadas por Israel va preguntando a los soldados

Círculo oscuro, Judy Irving y Chris Beaver (1982) efectos de plantas atómicas y pruebas nucleares

Vietnam: una historia para la televisión, Richard Ellison y Stanley Karnow (1983)

Cuando las montañas tiemblan, Pamela Yates, Tom Sigel y Peter Kinoy (1983) la guerra de Guatemala narrada por Rigoberta Menchú

El buen combate, Mary Dore, Noel Buckner y Sam Sills (1983) el batallón americano que combatió contra la rebelión fascista en España

Inserto girato a Lisca Bianca, Michelangelo Antonioni (1983) vuelve al lugar donde rodó el clásico "La aventura"

He makes me feel like dancin', Emile Ardolino (1983) sobre la danza, un documental alegre

Flamenco at 5:15, Cynthia Scott (1983)

Primer contacto, Robert Connoll y Robin Anderson (1983)

Viendo rojo, Julia Reichert y James Klein (1984) recuerdos de miembros del partido comunista americano

Bangkok Bahrain, Amos Gitai (1984) tráfico internacional de obreros

Testigo de guerra, Deborah Shaffer (1985) sobre un militar que después se convierte en médico

Las madres de la Plaza de Mayo, Lourdes Portillo (1985) el drama de los desaparecidos argentinos

Nicaragua: informe desde el frente, Deborah Shaffer, Ana Mª García y Glenn Silber (1985)

Tokyo-ga, Wim Wenders (1985)

Picasso, Didier Baussy (1985) gran retrospectiva de la obra del genial artista Pablo Picasso

Paper Tiger TV, ? (1985) Herbert Schiller lee el New York Times y analiza artículos, omisiones, su relación con los anunciantes...

Shoah, Claude Lanzmann (1985) con deliberada omisión de archivo

Saura, José Mª Berzosa (1985) sobre el pintor Antonio Saura

Tàpies, André S. Labarthe (1985) sobre el pintor Antoni Tàpies

Acta general de Chile, Miguel Litín (1986) rodada clandestinamente

La marcha de Sherman, Ross Mc Elwee (1986) la líbido del autor entra en la historia y también sus aventuras con las mujeres, se encariña con una y años más tarde se casa con ella

Nociones étnicas, Marlon Riggs (1986) sobre el racismo americano, tratado con vigor y humor

Chernobyl: crónica de unas semanas difíciles, Vladimir Shevchenko (1986) sobre el desastre de la central nuclear

Media vida, Dennis O'Rourke (1986) una prueba nuclear en una isla habitada

¿Vas a ir al baile?, Nadezhda Khvorova (1987) excesiva preparación de preadolescentes para la gloria gimnástica

The thin blue line, Errol Morris (1987) reconstrucción de un caso real, permitió la liberación de un acusado

Radio Bikini, Robert Stone (1988) nativos expuestos a prueba nuclear

Zona libre, Beth Braun, David L. Brown y James Heddle (1989) las zonas del planeta libres de las centrales nucleares

Roger and me, Michael Moore (1989) sobre el cierre de una factoría en la ciudad natal de Moore

Cantar de los cantares, Herz Frank (1989) un parto, con la cámara obstinada en el rostro de la mujer

Lenguas desatadas, Martin Riggs (1989) afirmación del amor homosexual

El mundo está observando, Peter Raymont (1989) la vida real en Managua enfrentada con su filmación para la tv americana y posterior montaje y pase televisivo

_los años 90
Yum, Yum, Yum!, ? (1990) celebra el júbilo de guisar y el éxtasis de comer

Hogar sin hogar, Bill Brand (1990) sin techo de Nueva York

Viaje por Armenia, Theodore Bogosian (1990) viaja donde nació sabiendo que toda su familia fue aniquilada, intentando recuperar su historia

El sueño americano, Barbara Kopple (1990) lucha enconada en una planta empacadora de carne

Sink or swim, Su Friedrich (1990)

Absolutamente positivo, Peter Adair (1991) al descubrir que tiene sida narra su experiencia y visita a otros enfermos, creando una obra calificada como fascinante

Proyecto censurado, Bill Moyers (1991) sobre asuntos no contados como el presupuesto del pentágono

Toma de posesión, Pamela Yates y Peter Kinoy (1991) en ocho ciudades simultáneamente, personas sin hogar toman posesión de viviendas deshabitadas

The good woman of Bangkok, Dennis O'Rourke (1991) el director contrata a una prostituta como material documental

Récreations, Claire Simon (1992) un pequeño clásico

Manufacturing consent, Mark Achbar y Peter Wintonick (1992) con Noam Chomsky denunciando la manipulación de las masas

Polgar szòtar (Private Hungary 7), Peter Forgács (1992) con imágenes particulares crea una memoria histórica de su país

Rock Hudson's home movies, Mark Rappaport (1992) compilación de imágenes caseras del famoso actor

The great depression, (producido por Blackside) (1993)

El diablo nunca duerme, Lourdes Portillo (1994) la autora indagando en su propia vida familiar

JLG/JLG, Jean-Luc Godard (1994) la autobiografía de un director revolucionario

Sonic outlaws, Craig Baldwin (1995) cine de apropiación y agit-pop, agitación y propaganda, muy subversivo

6 o'clock news, Ross Mc Elwee (1996) documental autobiográfico con las tragedias televisivas y reales de esas personas

Microcosmos, Claude Nuridsany y Marie Perennou (1996) con las modernas técnicas de grabación, muy espectacular

Heidi Fleiss: Hollywood madam, Nick Broomfield (1996) más el proceso de producción que el resultado pulido

Nobody's business, Alan Berliner (1996) el documentalista enfrenta a su padre con su historia familiar

From the journal of Jean Seberg, Mark Rappaport (1996) sobre la mítica y malograda actriz

Amsterdam global village, Johan van der Keuken, (1996) es un fresco impresionante y conmovedor sobre la multicultural Amsterdam rodada por el fenomenal documentalista, y en la edición en doble dvd se incluyen varios documentales, sobre su trabajo, una entrevista... Aunque el documental dura cerca de 4 horas, vale mucho la pena, está lleno de poesía, de amor por la vida y de saber hacer cinematográfico. Un hallazgo.

La memoria obstinada, Patricio Guzmán (1997)

Human remains, Jay Rosenblatt (1998) montaje encontrado de 5 dictadores en sus vidas privadas

Kisangani diary, Hubert Sauper (1998)

Histoire(s) du cinema, Jean-Luc Godard (1988-98) monumento cinematográfico de un revolucionario del cine

_los últimos años
Leçons de ténèbres, Vincent Dieutre (2000) las lecciones de la vida...

Navajo boy, Jeff Spitz (2000)

El caso Pinochet, Patricio Guzmán (2001) el gran tirano

Los plañideros, Bahman Kiarostami (2001) la vida de estos particulares trabajadores en Irán

Su señorita extraviada, Lourdes Portillo (2001) las vejaciones de una nefasta población mexicana

Los espigadores y la espigadora, Agnès Varda (2000/2002) maravilloso, imprescindible, fresco, vivo, también incluye comentarios personales de Varda

Nómadas del viento, Jacques Perrin, (2002) documental naturalista sobre las migraciones de pájaros

Bowling for Columbine, Michael Moore (2002) refleja la masacre escolar en Columbine y analiza el miedo de la sociedad americana

Comandante, Oliver Stone (2002) sobre el dirigente cubano

Parnian, Orod Attarpour (2002)

Memoria del saqueo, Fernando Solanas (2003) sobre la situación injusta y deplorable de Argentina y la lucha del pueblo por su propia dignidad, a pesar de las corrupciones políticas

La rueda de la vida, Werner Hezog (2003) sobre el budismo, con imágenes de los ritos de iniciación...

The five obstructions, Jorgen Leth y Lars von Trier (2003) Trier encarga a Leth remakes con obstrucciones absurdas

Las señoras, Mahnaz Afzali (2003) en Irán las mujeres sufren constantemente

Ser y tener, Nicolas Philibert (2004) un cálido documental sobre la generosa entrega de los maestros rurales

Mondovino, Jonathan Nossiter (2004) las trampas del mundo del vino

Dento de garganta profunda, Fenton Bailey y Randy Barbato (2005) buen documental sobre el film y su época

La dignidad de los nadies, Fernando Solanas (2005) sigue la deplorable situación de los argentinos, y su lucha, con impresionantes historias de dignidad, resistencia y vitalidad en la Argentina de los últimos años

Apuntes de Frank Gehry, Sydney Pollack (2006) sobre el famoso arquitecto, un gran documental, maravilloso...
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_anexo
En Tratado de dirección de documentales, de Michael Rabiger (Omega, 2007 / original de 2004)
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20 mejores documentales, por Michael Rabiger
Nanook, el esquimal (1922) Robert Flaherty
El hombre de la cámara (1929) Dziga Vertov
Las Hurdes, tierra sin pan (1932) Luis Buñuel
Night mail (1936) Basil Wright y Harry Watt
The river (1937) Pare Lorentz
Fires were started (1943) Humpthrey Jennings
Noche y niebla (1955) Alan Resnais
Crónica de un verano (1961) Jean Rouch y Edgar Morin
Titicut Follies (1967) Frederick Wiseman
Salesman (1969) David & Albert Maysles y Charlotte Zwerin
Land der Schweigens und der Dunkelhert (1971) Werner Herzog
Volcano (1977) Donald Brittain
Best boy (1979) Ira Wohl
Cabra marcado pra morrer (1984) Eduardo Coutinho
28 up (1986) Michael Apted
Tongues untied (1989) Marlon Riggs
The thin blue line (1989) Errol Morris
Roger y yo (1989) Michael Moore
Eyes on the prize (1990) Henry Hampton y Blackside Inc.
George Orwell: A life in pictures (2003) Chris Durlacher
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enlaces relacionados
http://www.facets.org/
http://www.docurama.com/
http://www.criterionco.com/
http://www.image-entertainment.com/
http://www.ediciones-omega.com/
www.nfb.ca/documentary
http://www.mediarights.org/
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documentales falsos (fakes)
(desde 1898 hay constancia de manipulación e invención de material filmado, haciendo pasar maquetas por barcos reales, y proyectando las filmaciones como si fueran auténticas, no ficticias...)

Ataque a un puesto misionero de China, James Williamson (?) fake de finales del XIX, principios XX rodado en el patio de su casa, vendido como documental auténtico, aunque era un montaje

Fraude, Orson Welles (1973) su título (F for fake) da nombre al género del falso documental, y es uno de ellos

This is Spinal Tap, Rob Reiner (1984) fake sobre un inexistente grupo de rock, depués se hizo el grupo

Forgotten Silver, Peter Jackson (1996) conmemorando el nacimiento del cine un fake sobre un falso pionero

Very important perros, Christopher Guest (2000) fake sobre los dueños de perros

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documentales españoles
Las Hurdes, tierra sin pan, Luis Buñuel (1932) clásico del documental, refleja la miseria de aquella zona

Canciones para después de una guerra, Basilio Martín Patino (1971)

Caudillo, Basilio Martín Patino (1975)

El desencanto, Jaime Chávarri (1976) sobre las miserias de la familia Panero

Gaudí, Manuel Huerga (1988) fake sobre el pintor

Innisfree, José Luis Guerín (1990) en los escenarios donde Ford rodó "El hombre tranquilo"

El encargo del cazador, Joaquim Jordà (1990)

La seducción del caos, Basilio Martín Patino (1991)

Sevillanas, Carlos Saura (1992)

El sol del membrillo, Víctor Erice (1992) otra maravilla de un director imprescindible

Después de tantos años, Ricardo Franco (1994) siguen las miserias de los Panero

Flamenco, Carlos Saura (1995)

Asaltar los cielos, Rioyo y López Linares (1996)

Casas viejas, Patino (1996)

Tren de sombras, José Luis Guerín (1997)

Cortina de humo, Barry Levinson (1997) no es un documental pero muestra cómo se puede manipular para hacer creer que la ficción es realidad

Tango, Carlos Saura (1998)

Extranjeros de sí mismos, Rioyo y López Linares (2000)

Los niños de Rusia, Jaime Camino (2001)

Caminantes, Fernando León (2001)

En construcción, José Luis Guerín (2001) galardonado en San Sebastián

Cravan vs. Cravan, Isaki Lacuesta (2002) sobre un personaje boxeador y poeta en la época surrealista

La pelota vasca, la piel contra la piedra, Julio Medem (2003) controvertido, con la cuestión vasca...

Las horas del día, Jaime Rosales (2003)

Lucky vintage, Ingrid Correa y Pedro Pinzolas (2003) fake con pretendida voz estilo BBC

La piel vendida, Vicente Pérez Herrero (2004) documental sobre la industria porno en España

El cielo gira, Mercedes Álvarez (2004)

El tren de la memoria, Marta Arribas y Ana Pérez (2005) sobre la emigración en el franquismo

Las alas de la vida, Toni Canet (2006) sobre la muerte digna de una persona extraordinaria, un doctor lleno de vitalidad que nos propone tratar la muerte y todo lo relacionado con la vida y la muerte digna con una sonrisa

Más allá del espejo, Joaquim Jordà (2006) el autor, enfermo, traba amistad con otros enfermos y muestra sobre todo la historia de Esther Chumillas, a quien dieron por muerta, paralítica y hoy en día es, aunque es discapacitada, profesora de educación especial
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bibliografía consultada y/o interesante
-Desvíos de lo real. El cine de no ficción, Antonio Weinrichter (T&B Editores, 2004)
-El documental. Historia y estilo, Erik Barnouw (Gedisa, 1996 -original 1993) un libro muy completo sobre el documental, con abundante información sobre las circunstancias y los principales títulos, autores y estilos
-Del Cine-Ojo a Dogma 95, Margarita Ledo (Paidós, 2004)
-Documental, David Goldsmith (Oceano)http://www.oceano.com/ (entrevistas con documentalistas)
-La representación de la realidad. Cuestiones y conceptos sobre el documental, Bill Nichols
(Paidós, 1997 - original 1991)
-Tratado de dirección de documentales, Michael Rabiger (Omega, 2007)
-Robert Flaherty, José L. Clemente (Ediciones Rialp, 1963)
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en internet
http://www.idfa.nl/nl.aspx festival de cine documental de Amsterdam
www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/cinedocumental/htm
http://www.blog.cinedocumental.com/
http://www.interdocnet.com/es
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Notas sobre el cinematógrafo, por Robert Bresson

2011-11-24T22:42:00.000+01:00

-‎"Haz que aparezca lo que sin ti quizá nunca se vería."
-"Tu película no está hecha para pasear los ojos, sino para penetrar en ella y ser absorbido por entero".
-"¿De dónde parto?¿Del objeto que quiero expresar?¿De la sensación?¿Parto dos veces?"
-"No filmar para ilustrar una tesis o para mostrar a hombres o mujeres limitados a su aspecto externo, sino para descubrir la materia de la que están hechos. Alcanzar ese "corazón" que no se deja atrapar ni por la poesía, ni por la filosofía, ni por la dramaturgia."
-"Prefiere lo que te sopla la intuición a lo que has hecho y rehecho diez veces en tu cabeza."
-"Sé preciso en la forma, no siempre en el fondo (si puedes)"
-"Formas que parecen ideas. Considerarlas verdaderas ideas"
-"Siempre la misma alegría, el mismo asombro ante la nueva significación de una imagen que acabo de cambiar de lugar".
-"La belleza de tu película no residirá en las imágenes (tarjetapostalismo) sino en lo inefable que ellas ponen de manifiesto."
-"Las ideas, esconderlas, pero de manera que se las encuentre. La más importante será la más oculta".
-"Filmar es ir a un encuentro. Nada en lo inesperado que no sea secretamente esperado por ti".
-"Provocar lo inesperado. Esperarlo."

(algunos fragmentos de "Notas sobre el cinematógrafo", Robert Bresson, 1975)
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http://fba.unlp.edu.ar/realizacion/textos/BRESSON.PDF
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Crónica de Anna Magdalena Bach (1967) Jean-Marie Straub

2011-11-13T14:47:00.001+01:00

Crónica de Anna Magdalena Bach (1967) Jean-Marie Straub.
Una obra de sublime sencillez que se desarrolla con un ascetismo sutil y a la vez grandioso. La mesura en la composición, la estructura casi carente de artificios cinematográficos, mínimo montaje, planos-secuencia de considerable duración e intensidad, y por supuesto la maravillosa música de Bach, ¡que Dios tenga en los cielos!, hacen de esta película una obra maestra del mejor minimalismo, el minimalismo esencial que prescinde de lo superfluo y se deja llevar por la pureza del río que fluye. La precisión de la mirada de Straub, dota además al film de lecturas incluso marxistas, más allá de la pura delicia y la lección de cine que significa esta obra.
>
(Este film es difícil de encontrar todavía, pero les recuerdo la generosidad de la red en los enjambres compartidos del P2P y el magnífico PdB, aunque al fin ha sido editada en DVD).
~

teorías de cine

2011-11-07T00:09:00.000+01:00

dejo algunas notas sobre un libro que aborda algunas de las principales teorías de cine históricas... són sólo unos apuntes a vuelapluma...

Teorías de cine, por Alejandro Montiel (Montesinos, 1992)
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la ociosa aristocracia rusa y el alegre rey Alfonso XIII, precediendo a tantos hombres solitarios del futuro, se convirtieron en precoces y asiduos consumidores del primitivo cine pornográfico
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"Agradézcamelo, joven. Mi invento no está en venta; para usted sería la ruina. Puede explotarse durante algún tiempo como curiosidad científica, aparte de eso no tiene ningún porvenir". (Uno de los padres del invento, Louis Lumiere al director George Melies)
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la muerte dejará de ser absoluta (diario parisino "La poste", 30-12-1895)
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"No es la vida sino su sombra, no es el movimiento sino su espectro silencioso". (Máximo Gorki, 1896)
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Formalistas: Munsterber, Eisenstein, Balazs, Arnheim...
Realistas: Kracauer, Bazin...
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1907 Filosofía del cine, Giovanni Papini
1907 Cinematografía cerebral, Edmundo De Amicis
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PIONEROS
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_Riciotto Canudo
1911 Manifiesto de las siete artes
"un arte de síntesis total"
"captar los ritmos de la luz"
"fijar todo lo efímero de la vida, en lucha contra la muerte de las apariencias y de las formas, enriqueciendo a las generaciones con la experiencia estética"
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algunos manifiestos
1916 La cinematografía futurista, Marinetti
1919 Nosotros, Dziga Vertov
1922 Manifiesto del excentricismo, Kozintsev y otros
1930 Manifiesto surrealista a propósito de La edad de oro
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_Antonin Artaud, artículo "Brujería y cine"
"el cine es esencialmente revelador de toda una vida oculta con la que nos pone directamente en relación"
"utilizarlo para contar historias, una acción exterior, es privarse del mejor de sus recursos, ir contra su fin más profundo"
"Si el cine no está hecho para traducir sueños o todo aquello que en la vida despierta emparenta con los sueños, no existe. Nada le diferencia del teatro. Pero el cine, lenguaje directo y rápido, no tiene necesidad de una cierta lógica lenta y pesada para vivir y prosperar. El cine se acercará cada vez más a lo fantástico que cada vez se advierte más claramente que es en realidad todo lo real, o no vivirá".
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_Abel Gance
1927 ¡Ha llegado el tiempo de la imagen!
el movimiento como lo específico del cine
"la vida en la pantalla es más bella que la propia vida"
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_Hugo Münsterberg, el primer teórico del cine
1916 The photoplay: a psycological study
-entronca con la idealista concepción kantiana
-el cine es posible porque convierte los objetos naturales en objetos de contemplación y porque aísla al espectador frente a una experiencia estética cerrada, completa y autónoma
-el cine es un fenómeno mental y la película existe en la mente del espectador, responsable de que cobre sentido
-en el teatro la boca del escenario es más ancha que el fondo; en el cine el plano visual más cercano es el más estrecho y se expande hacia el fondo, reproduce el prisma visual del ojo humano
-mecanismos de identificación y proyección
-identificación: solidaridad con los sentimientos del personaje
-proyección: incorporar emociones propias a la historia
-no debe preocupar la violencia o lascivia de un film porque se vive de manera estética y no se confunde con la realidad al volver a la vida cotidiana
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_Rudof Arnheim, consagración del cine como arte
1932 Film as a art
-el cine produce una ilusión imperfecta de la realidad, no una reproducción mecánica
-la parcial irrealidad permite el montaje, cambios de lugar, punto de vista...
-el cine convierte las limitaciones técnicas en virtudes estéticas
-hay diferencias entre la vida y el cine: proyección de objetos tridimensionales en superficie bidimensional, reducción de la sensación de profundidad, modificaciones por la iluminación y falta de color, el encuadre y la distancia de la cámara al objeto, el montaje altera la relación del contínuo espacio-tiempo, y la ausencia de otros sentidos
-los éxitos de taquilla dependen más de lo que se muestra que si se muestra artísticamente
-los perfeccionamientos de la técnica obrarán en contra del potencial artístico del cine (sonido sincronizado, color...)
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_S.M. Eisenstein
1923 El montaje de atracciones
-artificiosidad de la imagen en movimiento
-sonido, color... fueron para Eisenstein contrapuntos de la imagen en vez de serviles redundancias para proveer la ilusión de realidad hollywoodiense
-arrastrar al público desde la imagen a la emoción y de ésta a la tesis final (cine intelectual)
-métodos de montaje: métrico, rítmico, tonal, armónico, intelectual
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_Bela Balazs
1924 El hombre visible o la cultura cinematográfica
1930 El espíritu del cine
1949 El film. Evolución y esencia de un arte nuevo
-toda elección del punto de vista implica un punto de vista moral, una realidad interpretada, manipulación creativa
-el cine nos ha devuelto la imagen, el espíritu visible se había transformado en espíritu legible
-"la correspondencia visual directa del alma hecha forma. El hombre fue de nuevo visible" (Marshall Mc Luhan retomó esta teoría)
-"¿No es siempre el sibarita un buen catador y un conocedor?
-"el conocimiento redobla el placer"
-"la transformación histórica y decisiva, desde el punto de vista de la filosofía del arte, consiste en que el film no sólo mostró otras cosas, sino que lo hizo de otra manera, sustrajo constantemente la conciencia del espectador, eliminando la distancia interior que hasta entonces pertenecía a la esencia de la experiencia estética"
-"la cámara arrastra nuestra mirada" (...) "Todo lo ves bajo su ángulo, no tienes una posición propia"
-lo específico del cine es la ubicuidad integrada en el interior de la imagen, con el poderoso efecto de identificación que conlleva
-el film no crea formas originales sino que explica mediante el encuadre las formas existentes de la realidad
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FUNDADORES
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André Bazin
1945 Ontología de la imagen fotográfica
1951 Cahiers du cinema
1959 ¿Qué es el cine?
-el poder de la imagen para revelar la epifanía de la realidad
-la película además de ventana abierta al misterio ambiguo de la realidad es un artificio en manos de un autor, y los mejores no obran a priori con una conciencia clara de lo que quieren expresar sino que exploran, tantean ese sentido oculto de la realidad que sólo la cámara puede revelar
-el cineasta trabaja en los trazos impuros del celuloide por la realidad en vez de con una cartilla de recursos (Arnheim), metáforas ingeniosas (Eisenstein). Admiración por los documentales científicos y aversión por lo simbólico
-en la pintura y el teatro la representación sucede dentro del marco (imágenes centrípetas); en el cine se muestra un trozo de la realidad, generando una interacción con el fuera de campo (imágenes centrífugas)
-concede importancia a los azares de la naturaleza, al plano-secuencia y la profundidad de campo, que respetan el fluir espacio-tiempo de nuestra realidad perceptiva
-aboga por un estilo sin estilo, neutralidad, cine de la transparencia
-montaje no puede utilizarse más que dentro de unos límites precisos
-hay directores que creen en la imagen (Eisenstein, Gance) y directores que creen en la realidad (Murnau, Stroheim, Flaherty
-preconizó un cine impurto, adaptaciones literarias y voz en off
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_Edgar Morin
1956 El cine o el hombre imaginario
El cine tiene una cualidad tal que un objeto está presente mientras está ausente.
El mito universal del doble y el retorno hacia las afinidades ancestrales de la sensibilidad.
El cine se convierte en apóstol del animismo porque la percepción fílmica es parecida a la mágica.
El tiempo en el cine es tiempo psicológico, subjetivo, afectivo, y el presente, el pasado y el futuro se hallan confundidos.
El espacio: ubicuidad, trascendiendo la unidad de lugar el cine presenta un universo fluido que unido al encanto de la imagen provoca una fascinación por afinidad con el espíritu humano
Nuestras necesidades, aspiraciones, deseos, obsesiones, temores, se proyectan no sólo en el vacío sino sobre todas las cosas y los seres
-proyección
Automorfismo: a alguien le atribuimos lo que somos
Antropomorfismo: atribuimos a cosas y seres rasgos humanos
Desdoblamiento: visión alucinatoria en la que aparece nuestro aspecto corporal
-identificación: absorver el mundo (cosmomorfismo)
Los deliquios sentimentales que se alimentan de lo imaginario son herederos de un pensamiento mágico históricamente situado en los orígenes del hombre (como el amor)
En el cine la identificación y proyección habitual en la vida cotidiana se intensifica por la ausencia de participación práctica propia de la experiencia estética y esto intensifica la participación afectiva, además la pasividad del espectador le coloca en una situación regresiva infantilizada. El sentimentalismo se desata como consecuencia de la impotencia.
Estado semihipnótico del cine favorecido por la oscuridad, la comodidad de la butaca y el aislamiento del grupo.
Las técnicas del cine son provocaciones, aceleraciones e intensificaciones de la proyección-identificación.
Todos los recursos intentan colorar la emoción del público, sobre todo el trazo grueso de la música.
Tiende a integrar el flujo del film en el flujo psíquico del espectador (identificaciones y proyecciones-identificaciones polimorfas, identificarnos con personajes, paisajes, objetos, con el universo del film)
La visión mágica no turba la visión práctica en los primitivos, la civilización anímica interioriza la visión, la convierte en algo impreciso, afectivo y borroso.
-contra el imperio de las proyecciones identificaciones, el cine convertido en recurso para satisfacer las necesidades no logradas en la vida práctica
La imagen está separada de la vida práctica (conciencia estética)
-visión estética, conciencia desdoblada, participante y escéptica
-actitud estética, conjunción de saber racional y participación subjetiva
A través de la participación se alcanza el entendimiento
Fase mágica (Melies), fase sentimental (Griffith), cima dialéctica (Eisenstein)
-Un lenguaje del film lento o rápido no se entiende.
El cine atestigua, afín al espíritu humano, que somos seres materiales e imaginarios, semiimaginarios, y es espectador se emplaza como un dios ante su creación, una creación inmanente con la que se confunde, pero que al mismo tiempo trasciende y juzga, poderoso e impotente: un dios que puede visualizar sus sueños pero no puede alcanzarlos.

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_Krakauer
1960 Teoría del film
Gran afinidad entre el cine y el flujo de la vida.
-El cine registra la realidad física, el espectador reacciona ante ella
-Representa el movimiento por lo que el espectador responde fisiológicamente y mantiene la atención cautiva
-Revela regiones de la realidad que de otro modo permanecerían ocultas y exige del espectador facultades viscerales, debe penetrar en dimensiones donde son muy importantes las impresiones de los sentidos.
Tempestades fisiológicas bullen en el espectador y la conciencia aletargada hace que viva en el film por lo que el film es un instrumento de propaganda incomparable, un sueño prefabricado que regala satisfacciones intensas comparables a una ideal omnipotencia infantil, estar en todas partes y verlo todo como un dios, hasta que al acabar se acaba la magia, se hace balance.
-el cine experimental va contra el poder de convicción del cine, el registro fiel de la naturaleza
Cine de ficción
-argumento teatral
-argumento literario: cinemáticas (apropiado del contenido al medio) o anticinemáticas
-argumento revelado: pueden descubrirse en la realidad
La tarea de hacer visible a la humanidad el camino que le conducirá a su meta está reservada a los medios fotográficos.
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_Jean Mitry
1963-5 Estética y psicología del cine
el marco muestra y organiza el mundo, además la planificación de las imágenes comporta una visión de la realidad prefabricada por un autor que otorga un sentido a ese mundo perceptual apenas significativo
El espectador presencia la película como un todo completo y concibe el tiempo, el espacio y la causalidad por medio de una operación mental análoga al montaje cinematográfico
montaje exterior: sucesión de tomas
montaje interior: interrelación de imágenes en la toma
Los films artísticos encuentran soluciones poéticas que van más allá de los argumentos a los que sirven.
Ingenuidad del cine rítmico, el montaje no debe ser ajeno y prefigurado, un film se desarrolla siempre con cierto ritmo, pero no puede hacerlo desde cierto ritmo extraño, ajeno.
El montaje se basa en la lógica de la realidad que posee el espectador.
Las imágenes no son capaces de crear ideas ajenas al espectador, el espectador reconoce o reencuentra el sentido de una experiencia vivida, nada más. La emoción precede a la idea.
El teatro presenta el drama del hombre frente al hombre o frente a Dios, en el cine se muestra el drama del hombre en el mundo, el actor en vez de desplazarse en un espacio que le sirve de marco, forma parte de un espacio que se compone con él.
El cine se sitúa entre el teatro y la novela.
El espectador puede participar de la comprensión de un mundo complejo y visible y reinterpretar mejor la intrincada realidad que le rodea. Esta compensación psicológica sería la función última de la estética cinematográfica.
Diferencias literatura y cine
1 en la novela el espacio es conceptual, el cine se construye con hechos ostensibles
2 la novela es un relato que se organiza como mundo, el cine es un mundo que se organiza como relato
3 la novela se conjuga en pasado, en el cine no hay más que presente en perpetuo devenir
4 el lector es un yo presente con conciencia de ser lector, que recuerda un yo pasado; el espectador está siempre actuando con el héroe
5 el lector puede volver las páginas atrás, el espectador se ve arrastrado irreversiblemente por el desarrollo del espectáculo.
-El cine no se basa sólo en principios estéticos sino en funciones lógicas y psicológicas de las que los principios estéticos son una aplicación formal
-"no hay, para el cine, estética posible, si por estética se entiende un conjunto de reglas o de fórmulas que limitan las condiciones de la obra de arte y los valores que la hacen tal"
-el error de querer integrar el cine entre las artes tradicionales
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_Christian Metz y la semiología
1968 Ensayos sobre la significación en el cine
1971 Lenguaje y cine
1977 El significante imaginario
El cine no es una lengua sino un lenguaje (sin sintaxis ni gramática) heterodoxo y heterogéneo, que combina imágenes fotográficas móviles, trazos gráficos, lenguaje hablado, música y por último ruidos y efectos sonoros
Hay niveles de codificación cinematográfica: la percepción, el reconocimiento e identificación, los simbolismos y connotaciones, las estructuras narrativas.
El conjunto de sistemas propiamente cinematográficos: código, mensaje, texto, paradigma, sintagma, denotación, connotación... (que no definen el cine en lo más mínimo)
"El film es dos veces inferior al sueño: es extranjero y se vive como menos verdadero" (Gubern opina que el espectador selecciona y puede abandonar la proyección o cerrar los ojos)
(Tarnowski opina que lo que constituirá una teoría del cine será el análisis de los problemas de la puesta en escena y de las soluciones técnicas y estilísticas de cada película y no los problemas estériles creados por una disciplina extranjera)
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NUEVAS CORRIENTES
-Narratología
La vigorosa vocación de contar historias del cine, pues las imágenes en movimiento tienen una facultad narrativa, se desenvuelven en el tiempo, tienen inicio, desarrollo y clausura, y porque toda figuración, toda representación conduce a la narración por el peso social y por su ostentación.
Busca paralelismos entre esta característica estructural del cine y de la literatura, pero sin negar las especificidades de la literatura y del cine.
Análisis: historia (contenido, cadena de sucesos) y discurso (expresión, el modo de contar)
Relato, narración y diégesis.
Intriga de predestinación: lo esencial de la intriga y de su resolución en los primeros minutos
Fase hermeneútica: arsenal de demoras, falsas pistas, suspenses, revelaciones, vueltas y omisiones.
Verosimilitud tiene que ver con la opinión común, un film es verosímil por la convencionalidad de sus contenidos y recursos.
El efecto género impone censuras, exigencias e indicaciones.
El espectador es el verdadero enigma. Estética de la recepción.
-El lugar del lector y del espectador
1970 Sarracine de Balzac, Roland Barthes
El lector no es solo consumidor sino productor, y Barthes encarece la relectura que multiplica los significantes en vez de alcanzar un significante último.
Comunicación idílica de las ciencias formalizadas.
Comunicación narrativa, que es impura, pues siempre hay ruidos, distorsiones.
"en el texto siempre habla el lector"
1974 ¿El público perjudica a la televisión?, Umberto Eco
1979 Lector in fabula, Umberto Eco
interpretación aberrante, recepción no prevista en la estrategia narrativa
El espectador-lector llena muchos espacios vacíos, el texto es una máquina perezosa que exige del lector un arduo trabajo para colmar los espacios de no dicho o ya dicho.
Su función estética sería dejar al espectador la iniciativa para su interpretación.
Uso: tomarlo como estímulo imaginativo
Interpretación: dialéctica entre la estrategia del autor y la respuesta del lector modelo
-Psicoanálisis
Identificación primaria: con la propia mirada, voyeur en el lugar privilegiado previsto por el film, protagonista
Identificaciones secundarias: con personajes que nos resulten simpáticos porque nos identificamos con ellos
La prohibición de mirar a cara permite impunes identificaciones.
1 El espectador ve a X desde la ilusoria objetividad de la cámara
2 El espectador ve a través de la mirada de X (su punto de vista)
3 El espectador ve a X desde el punto de vista de la mirada de X o de varios personajes.
Identificación primordial del relato, gusto por entrar en una historia.
Las teorías psicológicas del cine encuentran en los films sentidos latentes y sentidos manifiestos.
-Feminismo
1980 Cine y mujeres, Annette Kuhn
las presencias y ausencias de la mujer en el cine
identificación con el personaje masculino
¿hay relaciones de contemplación específicamente femeninas, y de ser así, cuáles son?
¿cómo se explica la audiencia masiva de las mujeres?
puede quizá llegarse a la conclusión de que las formas de interpelación cinematográfica no han construído un sujeto espectador sexuado
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enlace del libro

Jonas Mekas

2011-11-06T00:05:00.001+01:00

Si el crítico tiene alguna función es la de buscar lo bueno y lo bello a su alrededor, lo que ayude al hombre a crecer dentro de sí mismo; intentar llamar sobre ello la atención de los demás, explicarlo, interpretarlo, y no aferrarse a trozos de basura, a errores, a imperfecciones. Como si esos errores e imperfecciones tuvieran realmente importancia.

_Jonas Mekas

¿Por qué combatir la fealdad con la fealdad, la estupidez con la estupidez, mostrando aún más y más? ¿Por qué no crear algo bello para combatir la fealdad? No es que yo sea partidario del escapismo (aunque no haya en él nada malo). René Clair no fue un escapista en "A nous la liberté". Y Chaplin nunca lo fue. Ningún poeta lo es. Ni lo son los tulipanes, los sauces, Louise Brooks o las grullas. Pero combaten la fealdad solamente con estar allí, emanando paz, verdad y belleza.

_Jonas Mekas

_Jonas Mekas es un hombre singular. Nacido en Lituania en 1922, junto a su hermano Adolfas emigró a EE.UU. a finales de los 40, estudió con el cineasta experimental Hans Richter, y ya en 1955 se aventuró en la crítica cinematográfica con la creación de Film Culture, además de publicar en The Village Voice desde 1958. Fundó la cooperativa The Film Makers en 1962 y en 1970 la Anthology Film Archives, y ahora sigue en red en http://jonasmekasfilms.com/diary/
_Su labor en la difusión de un cine alejado de las ortodoxias convencionales, el denominado "underground", entre la vanguardia, el diario, la poesía y el cine artístico (quizá a veces mal entendido) le situó en un camino muy minoritario, que sin embargo ha seguido recorriendo con sus obras, destacadas muestras entre el film-ensayo y el diario cinematográfico como "Walden" (1969), "Reminiscences of a journey to Lithuania" (1972), "Lost, lost, lost" (1975) o la más reciente, inmensa, "As I was moving ahead ocasionally I saw brief glimpses of beauty" (2001). Sí, ocasionalmente este buen hombre se ha tropezado con instantes llenos de belleza.
_Con mucho placer he disfrutado sus maravillosos textos recogidos en "Diario de cine. El nacimiento del nuevo cine americano", por Jonas Mekas (Fundamentos, 1975). Admiro a este hombre (por su pasión y fe en la poesía del cine) a quien leo con alegría, y cuyo "Walden" me fascinó. Todavía va por el mundo siempre con una cámara en la mochila, como se desprende de esta maravillosa entrevista, copa en mano, en dos partes:
entrevista a Jonas Mekas, 1
entrevista a Jonas Mekas, y 2
_Y hay muchas más cosas sobre Jonas Mekas en los enlaces. Ah, se me olvidaba, en "Walden" también aparece mi amado Dreyer.
mekas 1/2
mekas 2/2
mekas (en enfocarte.com)
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Come drink with me (1966) King Hu + A touch of zen (1969) King Hu

2011-11-05T13:18:00.002+01:00

Programa doble: Cine de artes marciales por King Hu
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Come drink with me (1966) King Hu.
Aunque no soy muy aficionado al cine de acción en general, la curiosidad (y el maravilloso mundo de internet) me ha acercado a este film, uno de los mayores clásicos del cine de artes marciales realizado en Hong Kong. Y está claro porqué es todo un clásico, pues se trata de un film gozoso, no sólo con buenas coreografías en las escenas de acción sino además bien llevado en cuestiones vitales como ritmo, interpretación y puesta en escena. Así que, como quien no quiere la cosa, va y se encuentra uno con una joyita en la que la belleza y la fuerza de la portentosa "Golondrina dorada" nos invitan a un buen trago, que se disfruta poco a poco, pero mucho.
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A touch of zen (1969) King Hu.
Considerada como la obra maestra de su influyente director, este film parece perfecto para un entretenido y glorioso, quizá insuperable, programa doble sobre el cine de artes marciales, que curiosamente tiene puntos en común con mi amado musical, como afirma esbilla.
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del videoclip a Hollywood

2011-11-04T14:54:00.006+01:00

_Hay directores que empezaron haciendo videoclips musicales y con el tiempo han acabado en Hollywood. Aunque se suele menospreciar este género cinematográfico y se le tacha de efectista y mercantil, o sea lo que la mayoría de la producción cinematográfica mundial, Spike Jonze, Michel Gondry, Mark Romanek o David Fincher son buenos ejemplos de que del videoclip a Hollywood no hay más que un paso, para quienes destacan, claro.
_ En realidad el vídeo musical es una especie de cortometraje con el que transmitir y enfatizar la música, y el espíritu o la historia que el grupo quiera reflejar. Son trabajos de encargo a menudo, como la mayoría de las películas, pero hay trabajos de encargo que salen muy logrados.
_Las carreras más que interesantes de estos directores, tanto en el vídeoclip como en el largometraje, nos obliga a quitarnos los prejuicios despectivos respecto al videoclip, un género además tan digno en principio como cualquier otro, con sus obras maestras y autores de referencia.
*
más en
http://es.wikipedia.org/wiki/Video_clip
http://en.wikipedia.org/wiki/Music_video
http://unvisionary-clip.blogspot.com/
http://en.wikipedia.org/wiki/Directors_Label
http://www.mvdbase.com/
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"Vértigo" (1958) Alfred Hitchcock

2011-10-28T12:12:00.002+02:00

A mí siempre me han faltado las palabras para hablar de "Vértigo", quizá el cine tiene sentido como medio de expresión, y como arte, porque en ocasiones es capaz de expresar incluso lo inexplicable de otra manera.

Los clásicos de la Hammer

2011-10-23T15:02:00.000+02:00

_A mediados de los 50, la productora británica Hammer se hizo un hueco en el cine mundial creando films notables que siguen siendo una delicia, a menudo una aterradora delicia.
_Aunque la fama de la Hammer se debe sobre todo a sus clásicas películas de terror, lo cierto es que sus primeras obras importantes pertenecen a la ciencia ficción, en especial con "El experimento del Dr. Quatermass" (1955), dirigida por Val Guest, y su continuación "Quatermass 2" (1957), también dirigida con gran acierto por Val Guest. La productora también adaptó a Arthur Conan Doyle y su Sherlock Holmes con "El perro de los Baskerville" (1959), dirigida por Terence Fisher, más tarde se adentró en la aventura fantástica con "Hace un millón de años" (1966), realizada por Don Chaffey, y por último adaptó la obra de Stevenson en la fantástica "El doctor Jekyll y su hermana Hyde" (1971), poco ortodoxa respecto al original pero muy bien dirigida por Roy Ward Baker.
_La gloria de la Hammer, en cualquier caso, se debe todavía a su novedosa y notable aproximación al cine de terror, en varias obras, de distinto calibre, entre las que destacan tres obras clásicas en las que la atmósfera nada cómica (la Hammer acabó con las parodias de los personajes de terror y les devolvió, incluso acrecentó, su aura maléfica) viene aderezada con una buena dosis de erotismo y sangre (rojo doble gana) que no descuida la elegancia ni el buen sentido cinematográfico.
_El trío de obras imprescindible, al menos para mí, está formado por: "La maldición de Frankenstein" (1957), realizada por Terence Fisher, todo un éxito de crítica y público que resucitó literalmente a Frankenstein y decantó a la productora hacia el fantástico y en especial el terror; poco después, "Drácula" (1958), notablemente dirigida por Terence Fisher, se alza como una película imprescindible y clave en la historia del cine, y en especial del género de terror, un antes y después en el género, históricamente creadora de una reafirmación del mito vampírico aportándole sugerentes muestras de erotismo y sangre que ya forman parte del imaginario colectivo; y la tercera joya (ensangrentada) del terror de la Hammer es "Las novias de Drácula" (1960), nuevamente dirigida por el gran Terence Fisher, que vuelve a crear una obra maestra del género. Y no puedo olvidarme de una cuarta maravilla, "La Gorgona" (1964) dirigida, ¡qué raro!, por el portentoso Terence Fisher.
_La Hammer, al igual que anteriormente la Ealing en el cine cómico de calidad, se hizo un hueco en la historia del cine, y no por azar sino cultivando el cine de género aunando el respeto por los pilares del género y aportando una actualización más que sugestiva, siempre a partir de las premisas del género. Quizá ésta fue la gran virtud de la Hammer, ser fiel a la esencia del terror y no quedarse en el mero mimetismo sino abordarlo con una personalidad propia, que el tiempo ha elevado a un nuevo clasicismo, dicho esto en el mejor sentido del término.
_Sin la contribución de la Hammer el cine de terror sería otro, y sin olvidar las maravillas del ciclo de terror de la Universal, ¡¡¡lo que nos habríamos perdido!!!.
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Guía del cine, James Whale y Tod Browning, tres tesoros en las librerías

2011-10-17T18:06:00.005+02:00

Aquí van tres tesoros para el aficionado al cine en las librerías:

Guía del cine, por Carlos Aguilar (Cátedra, 2011)
La guía del cine mundial (no olvidar su Guía del cine español) de Carlos Aguilar cuenta con una nueva actualización. Cada nueva edición aumentada de esta guía es una celebración para los amantes del cine.

_Por otra parte, a veces en esto del cine se tarda en hacer justicia, pero bueno, la bibliografía en castellano está de enhorabuena con este par de aportaciones, ¡menudo programa doble del cine de terror!, sobre dos cineastas singulares, imprescindibles, y todavía no lo bastante valorados, pero por suerte en proceso de revaloración.

James Whale. El padre de Frankenstein, por Juan A. Pedrero Santos (Calamar, 2011)
entrevista en Esbilla Cinematográfica Popular
blog del autor

Tod Browning, por José Manuel Serrano Cueto (Cátedra, 2011)
comentario del autor en frikifilms
en Esbilla Cinematográfica Popular

La doctrina del shock (2009) Mat Whitecross y Michael Winterbottom

2011-10-10T11:40:00.000+02:00

La doctrina del shock (2009) Mat Whitecross y Michael Winterbottom
Este documental, basado en el libro de Naomi Klein, casi parece una película de terror, y no exagero. La conmoción, el shock, el miedo, la desorientación inducida, las técnicas de tortura más cerebrales y efectivas se alían para, en pocas palabras, saquear a los gobiernos, al pueblo, para enriquecer todavía más a los más ricos e influyentes. Las crisis, las guerras, incluso las catástrofes naturales, son oportunidades, la mayoría de las veces provocadas, para llevar adelante traiciones en toda regla al bien común, la democracia, la voluntad popular, la más elemental lógica, y hasta los derechos humanos. Las proporciones del resultado de esta doctrina que preconiza las supuestas bondades del capitalismo salvaje, disfrazado de libre mercado autoregulado, también conocido como liberalismo, están a la vista de todos tras ver este documental. Para más inri todavía, al igual que el inventor de la lobotomía, el economista Milton Friedman, gurú de este desastre popular y triunfo de las élites oligárquicas, recibió el Premio Nobel de economía. Más espeluznante resulta que en la actualidad ya se ha llegado a niveles de privatización (palabra sagrada para el neoliberalismo) tales que el economista, por llamarle algo, ni siquiera imaginó. Y es que el miedo borra el juicio, la esperanza, la lucha, y el dolor la cordura y la serenidad. En un estado provocado de locura colectiva, y de estupidización paulatina, los psicópatas que velan por sus propios intereses a costa de todos los demás hacen su agosto día a día, año tras año, década tras década. No es muy exagerado decir que el mundo prácticamente ha sido vendido, y que la palabra democracia está perdiendo casi todo su sentido. Siempre nos queda la posibilidad de rebelarnos, pero lentamente han logrado que cada cual se quede en su rincón, sin hacer frente común con otros. Fomentando el más voraz individualismo han logrado el éxito del capitalismo salvaje a costa del propio ser humano, cada vez más individualista y aislado, triste, apático, manipulable y deprimido. Sólo un resurgir de la solidaridad humana, una nueva fe en unir las fuerzas por el bien común puede lograr algo en un mundo interesadamente cada vez más injusto.
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doctrina del shock

Jiri Menzel, la alegría de vivir y el sentido del humor de un refinado erotómano

2011-09-07T10:06:00.003+02:00

_Jiri Menzel, notable realizador checo nacido en Praga en 1938, desborda en sus films una alegría de vivir, un sentido del humor y un delicioso y gozoso toque erotómano muy particular.

_Sin embargo, su nombre y sus films todavía no tienen la distribución y el prestigio que en mi opinión merecen, aunque la maravillosa "Trenes rigurosamente vigilados" recibiera el unánime reconocimiento crítico y mundial, óscar incluído.

_A menudo Menzel, también actor, se ha basado en relatos de su apreciado Bohumil Hrabal y algunas de sus obras más destacadas son:

-Trenes rigurosamente vigilados (1966)

-Un verano caprichoso (1968)

-Los hombres de la manivela (1979)

-Tijeretazos (1981)

-Mi dulce pueblecito (1986)

-Alondras en el alambre (1990, filmada en 1969)

-Yo serví al rey de Inglaterra (2006)

_Aunque Menzel se merece un estudio en toda regla en vez de estos cuatro apuntes, les dejo con una de las escenas más deliciosas de la historia del cine, extraída de "Trenes rigurosamente vigilados", una de mis películas favoritas.

largometrajes muy muy largos

2011-08-30T18:35:00.002+02:00

Esta pequeña lista reúne algunos largometrajes que se acercan o superan las 3 horas, con la relativa excepción de "Avaricia" que originalmente duraba 8 horas. Son títulos que duran al menos 165 minutos, pero no he incluido títulos que se me hayan hecho largos, aunque sí títulos que no he tenido ocasión de ver.
Más que una lista concurso, es una lista curiosa, me he preguntado qué me encontraría, y sobre todo me he dado cuenta de que apenas hay algún musical o una comedia, ni animación, quizá porque estos géneros son más difíciles de lo que creemos y es casi imposible hacer que duren tanto.
En cualquier caso, algunas de estas películas se hacen cortas, como la monumental "Novecento", que disfruté en dos sesiones. El mayor problema de estas películas, aún siendo maravillosas en algunos casos, es que requieren mucho tiempo para disfrutarlas, y es muy difícil verlas de un tirón, pero cuando sucede...

A disfrutar

algunos largometrajes muy muy largos

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1914 Cabiria - Giovanne Pastroni (247 m) sólo 4 horas
1916 Intolerancia - D.W. Griffith (168 m) una obra maestra, no le sobra ni un segundo
1923 Avaricia - Erich Von Stroheim (originalmente 480 m -8 horas-, disponibles 239-138 m)
1927 Napoleón - Abel Gance (333 m) visualmente audaz e innovadora, colosal pero discutible biografía
1939 Lo que el viento se llevó - Victor Fleming (219 m) quizá es una película tanto de su productor, David O. Selznick, como de William Cameron Menzies, que realizó el storyboard
1959 Ben Hur - William Wyler (210 m) la carrera de cuádrigas sigue siendo espectacular
1961 El cid - Anthony Mann (179 m) rodada en España, una producción de Samuel Bronston
1962 Lawrence de Arabia - David Lean (231 m) espectacular biografía
1963 Cleopatra - Joseph L. Mankievick (239 m)
1963 América, América - Elia Kazan (170 m) Kazan fue un delator pero es una gran película
1965 Sonrisas y lágrimas - Robert Wise (168 m) un musical épico
1965 Doctor Zhivago - David Lean (190 m) muy romántica, aunque no se rodó en Rusia sino en España
1966 Andrei Rubliov - Andrei Tarkovski (181 m) el maestro ruso se consagró con este clásico
1972 El padrino - Francis Ford Coppola (171 m)
1974 El padrino II - Francis Ford Coppola (192 m)

1974 Celine y Julian van en barco - Jacques Rivette (193 m) de lo más renombrado de su director
1976 Novecento - Bernardo Bertolucci (319 m) son más de cinco horas pero es una obra maestra
1978 Siberiada - Andrei M. Konchalovski (280 m) tiene fama de clásico del cine ruso
1981 Reds/Rojos - Warren Beatty (190 m) ideológica y vitalista, bien llevada por el actor y director
1982 Fanny y Alexander - Ingmar Bergman (180 m) bastante autobiográfica
1982 Gandhi - Richard Attenborough (170 m) la biografía del profeta de la no-violencia
1984 Érase una vez en América - Sergio Leone (221 m) una película de mafiosos que aborda magistralmente el paso del tiempo
1991 La bella mentirosa - Jacques Rivette (240 m) sobre la creación artística, con grandes interpretaciones
1995 La mirada de Ulises - Theo Angelopoulos (174 m) un viaje fascinante
1999 Magnolia - Paul Thomas Anderson (188 m.) una obra maestra, otras del autor son magníficas
1999 La delgada línea roja - Terrence Malick (170 m) una obra maestra sobre la guerra y la vida
2001 El señor de los anillos: La comunidad del anillo - Peter Jackson (170 m) el inicio de la trilogía
2002 Las dos torres - Peter Jackson (170 m) continuación de la trilogía

2002 The fashionistas - John Stagliano (280 m) probablemente el film sexual más largo jamás rodado, se suele encontrar en 2 partes, del tirón no me lo imagino.
2003 El retorno del rey - Peter Jackson (210 m) el final de la trilogía

2010 Misterios de Lisboa, Raúl Ruiz (272 m) la versión televisiva por lo visto (es un decir) dura 6 horas.
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Los asesinos de la luna de miel (1970) Leonard Kastle + Profundo carmesí (1996) Arturo Ripstein

2011-08-24T14:24:00.000+02:00

Un programa doble, criminal y basado en los mismos hechos reales.
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Los asesinos de la luna de miel (1970) Leonard Kastle.
Esta película singular fue destinada en su estreno norteamericano a los rincones de la exploitation, mientras en Europa se cimentó su fama de obra de culto con elogios increíbles de Truffaut y Antonioni. Ni tanto ni tan poco, este film basado en hechos reales (como se advierte al comenzar la proyección) empieza siendo algo anodino y moroso y está lejos de ser una obra maestra, aunque su aureola mítica en algunos círculos cinéfilos es considerable, sobre todo gracias a la inmensa presencia de su actriz principal, todo un icono cinéfilo. Como curiosidad decir que empezó a dirigirla un joven Martin Scorsese pero el productor lo despidió y decidió que Kastle, guionista del film, abordara el proyecto aunque provenía del mundo de la ópera... y escogió música de Mahler para éste, su único film.
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Profundo carmesí (1996) Arturo Ripstein
La versión del director mexicano no puede considerarse un mero remake del film de culto, pues lleva no sólo a su terreno geográfico la historia sino que la dota de su idiosincrasia personal. La mezcla de sordidez, humor negro, extraña ternura y una dirección cuidada y sofisticada acaban por crear un conjunto sólido que elevó, merecidamente, el prestigio del ya veterano realizador. Por una vez (bueno, hay más ejemplos) la versión es superior al original.
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Vincent Price, sangriento festín interpretativo en "Matar o no matar, éste es el problema" (1973) Douglas Hickox

2011-08-20T10:45:00.003+02:00

Matar o no matar, éste es el problema (1973) Douglas Hickox
Un gran ejemplo de "one man show" en el que Vincent Price da todo un recital de versatilidad interpretativa, aunque siempre girando alrededor de la obra teatral de Shakespeare. El resultado es un clásico del fantástico británico, en el que el teatro está vivo y se vuelve tan aterrador como sangriento, y la crítica no se lleva la mejor parte... Ya lo anuncia su título original: "Theatre of blood".
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Max Linder: Siete años de mala suerte (1921) + Los tres mosqueteros (1922)

2011-08-19T07:33:00.000+02:00

Programa doble
Max Linder
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Siete años de mala suerte (1921) Max Linder
El francés Max Linder fue uno de los cómicos más exitosos e importantes del cine mudo. Charles Chaplin lo admiraba, pero con el tiempo ha caído en un olvido bastante inexplicable... En este film, Linder también se hace cargo de la dirección y muestra un repertorio notable de situaciones de lo más embarazosas para el caballero, tantas veces en apuros, que fue su especialidad. A redescubrir.
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Los tres mosqueteros (1922) Max Linder
Las andanzas, venturas y desventuras de tan celebrados espadachines, son el punto de partida de una amable comedia que no olvida al popular bravucón Douglas Fairbanks de la época, que poco después destacaría en "El ladrón de Bagdad".
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Max Linder

el genial Totó: Totó busca piso (1949) + Totò e le donne (1954)

2011-08-17T09:41:00.000+02:00

Totó, el genial cómico italiano, protagonizó muchas películas, además de la maravillosa "Rufufú" (1958) dirigida por Monicelli. Este es un pequeño programa doble de lo más divertido para homenajear su inmenso talento.
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Totó busca piso (1949) Monicelli y Steno
El problema de la vivienda, abordado por ejemplo poco después en España por el italiano Marco Ferreri en "El pisito", da pie a esta comedia chispeante, con un Totò en plena forma y momentos sensacionales. Un clásico.
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Totò e le donne (1954) Steno y Monicelli
Hombres y mujeres, mujeres y hombres... las relaciones entre ambos sexos, con sus peculiaridades y complicaciones, en un tono de comedia a la italiana de lo más interesante. Humor tan divertido como inteligente.
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Ah, por cierto este enlace sobre Totò...

Totò e le donne (1949) Steno y Monicelli

2011-08-15T10:47:00.001+02:00

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Una comedia italiana sobre hombres y mujeres...

subs
patiodebutacas.

Quirino Cristiani, pionero del largometraje satírico de animación

2011-08-12T11:14:00.004+02:00

documental sobre Quirino Cristiani
Quirino Cristiani
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una pequeña historia de la animación

2011-08-12T09:27:00.004+02:00

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Cuando duermo, sueño con ser Bugs Bunny, pero al despertarme descubro que sigo siendo el pato Lucas.

Chuck Jones

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una pequeña h i s t o r i a de la a n i m a c i ó n _
www.cineoriginal.blogspot.com
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1- de los dinosaurios a los Simpsons
_Los dibujos animados nacieron antes que el mismo cine. Se atribuye su paternidad a un visionario francés llamado Emile Reynaud. Él llevó la ilusión del dibujo en movimiento a las mayores alturas, conjugando el espectáculo con el drama, en una época en que la animación apenas era poco más que un truco óptico para demostrar teorías científicas y entretener a los niños.
_Emile Reynaud creó en 1877 el praxinoscopio, partiendo del zoótropo. Reynaud consiguió la proyección de imágenes animadas en buenas condiciones y la proyección de movimientos no cíclicos. Más tarde, mejorando su praxinoscopio creó el Teatro óptico, que añadía la posibilidad de proyectar imágenes sobre cintas perforadas. Desde 1892 y durante diez años, antes de la aparición del cinematógrafo de los Lumière, Reynaud hizo representaciones públicas sobre una pantalla en el museo Grévin de París. Reynaud proyectó dibujos sobre una pantalla de gelatina transparente, anticipándose en muchos aspectos a la mecánica del cinematógrafo, e hizo de sus pequeños relatos artesanales (las "Pantomimas Luminosas") los precursores de la animación. Con su colosal máquina, Reynaud proyectaba en teatros abarrotados de público, con luces y espejos, más de 500 dibujos uno detrás de otro, por medio de un agotador mecanismo manual, y mostraba, a una audiencia atónita, sencillas historias de amor y comedia con jóvenes románticos y malvados entrometidos, durante casi un cuarto de hora de espectáculo.
_El segundo gran pionero que contribuyó de manera decisiva -a finales del XIX y principios del XX- al desarrollo de la animación fue Georges Meliès. El taumaturgo francés fue ilusionista, escenógrafo teatral, mago... y en sus films se mostraban trucos y efectos visuales. Algunas de sus películas son "Cenicienta" y "Juana de Arco" (1902) pero, sobre todo, "Viaje a la luna", que divierte y fascina todavía hoy a los espectadores de cualquier lugar, gracias a su humor e inventiva, como en el aterrizaje de un cohete en el ojo de una cara antropomorfa.
_Aunque el cine de animación es anterior al del cine en movimiento y se basaba en ilusiones ópticas producidas con aparatos anteriores al cinematógrafo, como el zoótropo o el praxinoscopio de Reynaud, años después de que el cine con acciones en vivo apareciera, Edwin S. Porter hizo la primera animación de objetos, fotograma a fotograma, para la compañía Edison. En 1905 hizo "How Jones lost his roll" y "The whole dam family and the dam dog", en las que los intertítulos estaban hechos con letras recortadas que se movían al azar alrededor de la pantalla hasta colocarse en líneas y en el orden adecuado para componer cada frase. Esta técnica requería una adaptación de la cámara de cine normal, de forma que sólo exponía un fotograma, parándose con el obturador cerrado, en vez de continuar a la velocidad acostumbrada de 16 fotogramas por segundo.
_La idea se aplicó por vez primera para hacer una serie de dibujos animados por James Stuart Blackton, un inglés afincado en los Estados Unidos, en "Humorous phases of funny faces" (1906). Blackton produjo así la primera película animada, traducida como Fases divertidas. En "La casa encantada", la fotografía stop-action se usó repetidamente para dar vida a objetos inanimados. El film se hizo enormemente popular y su técnica se divulgó entre cineastas de todo el mundo, que empezaron a experimentar con historias de títeres, marionetas, y maquetas. Así nació la técnica de animación stop-motion, que es la utilizada generalmente en las animaciones que aparecen en el segundo apartado de esta historia.
_En 1906 Blackton produjo otra película, "A midwinter night's dream", en la que una serie de muñecas de juguete parecían moverse al desplazar levemente sus miembros entre fotograma y fotograma, sistema que constituyó el primer ejemplo de la animación de muñecos. Blackton continuó con este tipo de animación en "The Haunted Hotel" (1907), en la que hacía que objetos modelados en arcilla se transformaran gradualmente en cosas diferentes, mediante una deformación gradual de su forma entre fotograma y fotograma. Estas técnicas fueron utilizadas también por cineastas europeos como el español Segundo de Chomón y el francés Emile Cohl.
_El español Segundo de Chomón, director, fotógrafo, creador de efectos especiales y trucos de cine e iluminador a color, entusiasmado por el invento de los hermanos Lumière, viajó a París en 1897 para estudiar de cerca el invento. Pionero del cine, aplicó su enorme imaginación al desarrollo del nuevo medio. Fue contratado por Pathé para competir con Georges Meliès realizando películas fantásticas. Segundo de Chomón fue uno de los pioneros del morphing en "La licuefacción de los cuerpos duros" (1909), en la que deformó el cuerpo de una persona convirtiéndolo primero en un monigote de alambre y al final en una masa informe. A partir de 1912, trabajó en Italia y allí realizó contribuciones importantes en obras fundamentales del momento.
_Emile Cohl, dibujante de cómics, creó sus primeros monigotes en Francia (1908-12), pero prosiguió su carrera en Estados Unidos (1914-6), en donde dio vida en colaboración con McManus, al personaje Snookum, protagonista de la primera serie de dibujos animados del mundo. En Francia al acabar la guerra creó con Louis Forton la serie protagonizada por Pieds Nickelès (1918-9). Realizó Fantasmagoría (1908), film que tiene el valor de abrir la animación al campo del grafismo. Cohl, no animaba objetos sino caracteres autónomos con personalidad propia, de ahí que se le considere el precursor específico de los cartoons. Cohl produjo la primera serie uniforme de dibujos animados, trazando dibujos sencillos de figuras humanas esquemáticas que daban saltos y sufrían transformaciones espectaculares._Aunque el género nació en Francia conoció su desarrollo y esplendor en los Estados Unidos. Winsor McCay, dibujante de cómics, era autor de una famosa tira del New York Herald, El pequeño Nemo. McCay se interesó por el cine de animación y se puso en contacto con el propio Blackton. El resultado fue el estreno en 1911 de un vodevil en el cual sobre la pantalla aparecía el popular Nemo en movimiento. Unos años después McCay realizaría "Gertie, el dinosaurio" (1914), considerada su obra maestra.

_El argentino (de origen italiano) Quirino Cristiani, merece un lugar destacado en la historia de la animación, pues ya en 1917 filmó, con una particular técnica inventada por él mismo, el primer largometraje de animación: "El apóstol". Pero no se quedó ahí, además de filmar "Sin dejar rastros" (1918), más tarde fue también el pionero con el primer largometraje de animación sonoro: "Peludópolis" (1931), películas en las que destacaba una vena satírica adulta, lamentablemente perdida por culpa de los incendios, uno de los viejos males de las viejas películas. Sin embargo un reciente documental ha logrado rescatar al menos un "cómo se hizo" en el que se puede ver el laborioso e ingenioso procedimiento técnico empleado por este pionero, que fue tentado por Walt Disney pero prefirió su independencia.

_El norteamericano Earl Hurd perfeccionó decisivamente la técnica de los dibujos animados, al patentar en 1915 el uso de hojas transparentes de celuloide (cells) para dibujar las imágenes y que permitirían superponer a un fondo fijo las partes en movimiento. Este método de trabajo, mejorado por Raoul Barré, un quebequense que emigró a New York a principios del siglo XX, revolucionó la forma de hacer películas de dibujos animados, pues fue él quien pensó en perforar los márgenes de los dibujos con el fin de asegurar la estabilidad de las imágenes durante las tomas de cámara.
_El uso de bocetos de guión (como fueron originalmente llamados en el cine de acción real) probablemente empezara con las primeras películas de Disney. Webb Smith es el animador de la Disney

a quien se atribuye la invención del storyboard a principios de los años treinta. Otra valiosa contribución de aquellos que habían facilitado el camino a Walt Disney, y por añadidura se convirtieron en precursores de este arte, fue Winsor McKay, el creador de Gertie, el dinosaurio. Ahora bien, la idea de contar historias a través de una serie de dibujos, puede remontarse al antiguo Egipto o incluso más. Otros consideran que la animación comenzó en el XVII con los espectáculos itinerantes de la literatura mágica y llevó luego a las "Ilusiones ópticas de Fantasmagoría" en el XIX, hasta los dibujos animados de Félix el Gato o Mickey Mouse en los años 20 y de ahí a Bugs Bunny, La pantera rosa (1966), The Simpsons...
_Entre los que abrieron el camino, encontramos al estadounidense Otto Messmer, autor del expresivo "Felix the Cat" (1914), que fue el personaje del corto de animación más popular a nivel mundial, y Max Fleischer, creador del personaje de la serie de dibujos animados Betty Boop de los años 30. Los austríacos Max y Dave Fleischer dieron vida a personajes que alcanzaron gran popularidad, y fueron los mayores competidores de Walt Disney. Ambos hermanos crearon grandes éxitos de los dibujos animados como el travieso payaso "Coco" (1920-39) y la seductora "Betty Boop" (1930-39) inspirada en la cantante Helen Kane, cuya risa poopoo-pi-doo será un rasgo del que se apropiará Marilyn Monroe. Su personaje más duradero fue "Popeye" (1930-47), creado originalmente por E.C. Segar para la publicidad de espinacas. Realizaron también trabajos de larga duración como "Gulliver’s travels" (1939); "The Einstein Theory of Relativity" (1923), "Darwin’s Theory of Evolution" (1925) y "Hoppity va a la ciudad" (1941). La principal contribución a la técnica de la animación aportada por los hermanos Fleischer fue el rotoscopio, un aparato que permite calcar personajes animados sobre personajes reales proyectados.
_Entre ambos hicieron su aparición, en 1929, los artistas de Ub Iwerks, considerados entre los mejores creadores de animación de la época muda, quienes dieron forma a Oswald, el conejo. A continuación comenzaría la denominada era Disney, que dominaría en los años 30 y principios de los 40 con Mickey, Donald, Pluto...
_La idea de combinar dibujos y acción real fue recogida por Walt Disney (y con el tiempo llegaría a cotas asombrosas en "Un invento diabólico"

(1958) de Karel Zeman, y en la popular "¿Quién engañó a Roger Rabbit?" (1988) de Robert Zemeckis). Dirigió en Hollywood en 1923 su película "Alicia en el país de los dibujos animados" en la que se presentaba a una niña real Alicia moviéndose en un mundo de dibujos animados. El trabajo del equipo de Disney, dirigido por Walt como editor de relatos y por Ub Iwerks como jefe de animación, se perfeccionó rápidamente. En 1928 alcanzaron un gran éxito con las primeras películas del ratón Mickey, y después con la primera película sonora "Steamboat Willie" (1928). Los estudios Disney se situaron en la primera posición de las productoras de animación, tanto artística como comercialmente.

_El caricaturista y dibujante publicitario Walt Disney se interesó por los dibujos animados hacia 1919 y creó la serie "Alice Comedies" (1924-30). La incorporación del sonido en 1928 le permitió jugar con los efectos musicales y adaptó el technicolor a partir de "Árboles y flores" (Flower and trees, 1932). En 1935 conquistó el nuevo perfeccionamiento de la truca multiplana, que facilitaba la descomposición del dibujo en varios términos independientes y que utilizó por primera vez en "El viejo Molino" (The old Mill, 1937). También son destacables cortos de Disney de la época como "The skeleton dance", 1929, dirigido por el propio Walt Disney; "Springtime", del mismo año, dirigido por Ub Iwerks, y "The spider and the fly", dirigido por Bert Gillett.
_Walt Disney, gracias a la madurez de su organización, emprendió la realización de largometrajes de dibujos animados como "Blancanieves y los siete enanitos" (Snow White and the seven dwarfs, 1937). Disney emprendió con "Fantasía" (1940) un ambicioso experimento audiovisual, combinando imágenes con música clásica; para ello ideó un sistema de sonido estereofónico con cuatro pistas (Fantasound). Fantasía venía a inscribirse en el dibujo animado de vanguardia, que había conocido ya curiosas experiencias audiovisuales en Europa. Así, por ejemplo, "Une nuit sur le Mont Chavre" (1933) de Alexandre Alexeïeff y Claire Parker, con música de Musorgski, obra en que obtenía la animación mediante una pantalla de alfileres, cuyas cabezas componían las figuras en un estilo puntillista.
_Aunque todavía alcanzó maravillosas cotas creativas como "Peter Pan", un proyecto largamente anhelado por Walt Disney que vio la luz en 1953, a partir de 1940 la Disney comenzó a sentir los aguijones de sus competidores. Walter Lantz, creador del osito Andy Panda, inició en 1941 la serie del pájaro carpintero Woody Woodpecker, introduciendo el sadismo y el furor destructivo en el género, rasgos que serán quintaesencia de la pareja formada por el gato Tom y el ratón Jerry, creados por William Hanna y Joe Barbera -autores de la exitosa serie "Los Picapiedra" (1960-6), y directores del film "El superagente Picapiedra" (1966)-, que contrastan con la ternura de Disney y señalan un cambio de rumbo en el género, que se acentuará en la postguerra, con la que se cierra la gran era de Disney.
_En la Warner Bros., y en su mítica Termite Terrace, la creatividad fue en aumento y en 1940 hizo su debut el aún hoy popular Bugs Bunny, convirtiéndose en una leyenda durante los años 50 y 60 bajo la inspirada dirección de Tex Avery, Bob Clampett, Fritz Freleng y el maestro Chuck Jones, autor del Correcaminos, autohomenajeado en "The Bugs Bunny/Road Runner Movie" (1979), codirigida por Phil Monroe .
_Tex Avery destacó especialmente entre los gigantes del arte de la animación. Sus originales y creativos cortos de animación, en especial los producidos en la MGM entre 1942 y 1955 son todavía hoy modelos a imitar. Está considerado el segundo, tras Disney, por los conocedores del género. Trabajó con Walt Lanz en el personaje de Daffy Duck (el pato Lucas), dio forma a Bugs Bunny y rediseñó al cerdito Porky. El estilo irreverente, incluso algo surrealista, de Avery continúa influenciando la animación contemporánea como en "¿Quién engañó a Roger Rabbit?" (1988), el estilo visual desenfadado de la MTV, e incluso películas recientes y espacios publicitarios. De hecho sus ocurrentes técnicas de sorprender al espectador tuvieron mucho que ver con la "nouvelle vague" francesa de los años 60.
_En la vanguardia más creativa y sorprendente se situó, durante décadas, el genial Norman Mc Laren, que aunque nacido en Escocia desarrolló su fructífera carrera en el National Film Board de Canadá desde los 40, dejando un legado de obras memorables, de una brillantez admirable. Entre sus obras, auténticas obras maestras de la animación y del cine experimental, se encuentran "Begone dull care" (1949), "Neighbours" (1952), "Blinkity blank" (1953), "A chairy tale" (1957) y muchas más creaciones que aún hoy irradian un enorme talento y vitalidad.
_También hay que destacar a Ray Harryhausen, quien vio "King Kong" en 1933 y desde ese momento su obsesión por el trucaje, las miniaturas y los efectos no hicieron más que crecer. Tras diferentes trabajos, fue llamado por el viejo maestro Willis O’Brien (el “padre” de King Kong) para que fuese su ayudante. Sus primeros años se desarrollaron en producciones modestas hasta que a mediados de los 50, hizo "The Beast of 20000 fathoms", pero su mayor éxito llegaría de la mano de Simbad, su personaje favorito. A finales de los 50 comenzó un ciclo de aventuras exóticas mostrando especial predilección por el mundo árabe y mitológico. Sus espectrales esqueletos andantes, como en el extraordinario duelo de Simbad contra el esqueleto en el El 71/4 viaje de Simbad, son auténticas obras maestras. También hay que destacar la increíble película de ciencia-ficción animada "El planeta salvaje", de René Laloux (1973) en la que los seres humanos son víctimas de otra especie. Otro clásico memorable fue "Allegro non troppo" (1976) de Bruno Bozzetto, que enlaza con mucha originalidad clásicos de la música sinfónica y una animación llena de la personalidad desbordante de su autor. Una obra maestra de la animación.
_Entre lo más logrado de las últimas décadas están las maravillosas, vivas y luminosas animaciones del francés Michel Ocelot, creador de "Kirikú y la bruja"(1998), maravillosa joya de la animación, "Kirikú y las bestias salvajes" (2005), deliciosa continuación de las aventuras de Kirikú, y la fábula "Azur y Asmar" (2006), creada con medios digitales. Tesoros llenos de alegría, ingenio y bondad. Y tampoco se pueden olvidar las joyas de la animación del también francés Sylvain Chomet, como "Bienvenidos a Belleville" (2003) y la maravillosa "El ilusionista" (2010) basada en un guión del genial Jacques Tati.
_La Disney, tras llegar a un colapso creativo tal que llegó a cerrar su departamento de animación, resurge de sus cenizas apostando por la animación tradicional llena de detallismo y encanto de sus mejores obras y sorprende gratamente con una obra llena de referencias pero equilibrada y personal "Tiana y el sapo" (2009) dirigida por John Musker y Ron Clements, que ya dirigieron "La sirenita" en 1989. Una de las mejores noticias para la animación mundial. La mano sabia de John Lasseter, al mando de la Disney, parece haber encarrilado a la mítica compañía, apelando a la propia historia y a la esencia del gigante de la animación, que durante tiempo fue un dinosaurio moribundo. Ojalá nos esperen nuevas maravillas.
_Entre las series recientes de animación más sorprendentes sobresale, por su alcance y longevidad "The Simpsons", creada por Matt Groening, que se emite desde 1987 y es la serie más duradera de todos los tiempos, adaptada al cine en "Los Simpson. La película" (2007) por David Silverman. También sorprenden series como los costumbristas e irreverentes cartoons de "Shin Chan" y sus varios largometrajes, la serie "Rugrats", emitida en los 90, que ha tenido continuación en varios largos; las ácidas críticas de "Beavis and Butthead" y "South Park", que en 1999 tuvo su largo "South Park: bigger, longer and uncut", cuyo título ya avisa de que no son dibujos para niños, lo que puede decirse de parte de la animación no sólo contemporánea, pues además de animaciones anónimas (atribuidas a reconocidos animadores de los años 20) como "Eveready Harton in Buried Treasure", de evidente carnalidad y desparpajo sexual, en 1971 la animación "Fritz the cat", de Ralph Bakshi, fue considerada X en EE.UU. No toda la animación son dibujos para niños, hay dibujos que no son para niños sino para adultos. Aún hoy siguen realizándose animaciones clandestinas de naturaleza sexual, aunque en la animación hentai japonesa se aborda abiertamente la sexualidad, incluso en 3D (CGI), con un realismo cada vez mayor.
_Muchos de los dibujos animados mencionados comenzaron siendo un boceto, una viñeta, una serie de dibujos, una tira cómica, parte de un storyboard... pero más allá de esto la verdad es que se han metido en nuestras vidas y con frecuencia nos han hecho más felices.
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2- cucarachas de cera, entrañables muñecos y animación con plastilina: la stop-motion
_En el este de Europa el ruso Ladislas Strarevich, un apasionado de la entomología, produce en Moscú durante 1909 y 1910 documentales acerca de los insectos lituanos; vistas las condiciones de trabajo, decidió crear cucarachas “virtuales” articulándolas uniendo las patas al tórax con cera. Ese primer film fue una obra sin precedentes: "La batalla de las cucarachas macho", fue la primera película de muñecos. Starevich volvió locos a sus contemporáneos presentando documentos increíbles de insectos que peleaban por una cuestión de honor o montaban en bicicleta. Eran muñequitos animados. Su elaborada animación de muñecos es también magistral en "La venganza del cámara" (1912). La revolución rusa le forzó a emigrar a París en 1920, donde sería conocido como Ladislas y donde pasó el resto de su vida diseñando y realizando sus películas -como la magistral "Le roman de renard" (1937)-, rechazando ofertas de la potente industria cinematográfica norteamericana.
_Entre los pioneros son importantes las animaciones de formas abstractas desarrolladas por Viking Eggeling, Walter Ruttman, Hans Richter, y Oskar Fischinger durante la década de 1920 en Alemania, donde Lotte Reiniger produjo el largometraje de animación: "Las aventuras del príncipe Ahmed" (1926), empleando la técnica de personajes de silueta articulada que ella misma había desarrollado desde 1916.
_Otro pionero fue George Pal, quien, primero en Holanda durante los 30, y luego en EE.UU. en los 40 y 50 creó un nuevo modo de animar muñecos. Con su serie titulada "Puppetoons" (homenajeada en "The puppetoon movie" (1987) por Arnold Leibovit, con trabajos de George Pal) creó los títeres con partes móviles. Su aportación al mundo de la animación fue imprescindible. En sus películas cada marioneta constaba de cientos de cabezas, brazos y piernas, y así se permitía una rica gama de posibilidades expresivas: podía cambiar las caras, por ejemplo, y con ello sus personajes no se limitaban a mostrar una única expresión. Método que sigue siendo utilizado en la actualidad.
_En Europa, ya en los 50 encontramos series infantiles animadas a través de muñecos de trapo o cartón en países como Gran Bretaña, Francia, Holanda, Checoslovaquia, en series muy famosas, algunas incluso populares al otro lado del planeta, creando con esto también una gran cadena de merchandising. Aunque el intercambio también se da al contrario a través de la saga de Jim Henson y de series o programas como "Barrio Sésamo" (1969) o "Fraggle Rock" (1983), autor también de "The Hoobs" o "Dinasours2, pero que merece pasar a la historia por el maravilloso largometraje "Cristal oscuro" (1982) en el que Jim Henson y Frank Oz dieron vida a un mundo basado en los cuentos de hadas con una portentosa e inolvidable imaginación.
_Merecen capítulo aparte los hermanos Quay, cuyas animaciones empleando la técnica stop-motion adquieren tonos lúgubres, sombríos y fascinantes abordando una imaginería inquietante y magnética en trabajos tan logrados como "Nocturna artificialia" (1975), "The epic of Gilgamesh" (1985) "Street of crocodiles" (1986) o "In absentia" (2000), en el que recurren a una partitura musical de Stockhausen. Su obra, filigrana gótica y arrebatadora, sigue siendo objeto de culto y devoción dada su innegable y poderosa fuerza visual.
_En Gran Bretaña existen animaciones dirigidas al público más joven como la mítica "Postman Pat", creada por Ivor Wood para la BBC en los años 60, basadas en las historias de John Cunliffe sobre un cartero y su gato Jess, que recorren el plácido pueblecito de Greendale's. Otro protagonista muy popular es "Paddington el oso", sacado del libro escrito por Michael Bond, "A bear called Paddington" que narra la historia de este osito venido desde el Perú y adoptado en Inglaterra, quedándose a vivir con Mister y Miss Brown, que le dan el nombre de una de las principales paradas del metro de Londres. También destaca "La locomotora Thomas" (Thomas the tank engine) creada por el reverendo Wilbert Awdry, quien de pequeño disfrutaba escuchando partir los trenes, y que de mayor contaba esas historias a su hijo, que continuó la saga cuando él se retiró. La producción televisiva la realizó Britt Allcroft, que se encargó de darla a conocer en el mundo entero.
_Y también en Gran Bretaña hubieron animaciones dirigidas a un público más mayor, en las que destacaron Gerry y Silvia Anderson, creadores de series como "Thunderbirds" o "Joe 90", entre otras. Fundaron la compañía AP Films con ayuda de los técnicos Reg Hill y John Read, a principios de los 60. En los 80 volvieron con otras series, pero no tuvieron tanto éxito. Las historias se solían desarrollar en naves espaciales en las que los protagonistas combatían contra perversos alienígenas. La técnica consistía en un mecanismo mediante el cual los personajes movían los labios sincronizándolos con las palabras. Hill y Read encontraron un método cómodo para la ejecución de este movimiento: colocar el mecanismo en el pecho de los muñecos y evitar que lo que pesara fuera la cabeza.
_En Francia el títere más recordado es "Colargol" (Barnaby the bear en inglés), un oso que nace de la imaginación del matrimonio Olga Pouchine y Albert Barillé, que crean el personaje para entretener a sus retoños, y que acaban dejando la historia en manos del polaco Tadeuzs Wilkoz que lanza la serie al éxito en los 70.
_En Checoslovaquia varias generaciones crecieron con "Mi´s Uszatek2 (Nalle Luppakorva, posteriormente) que narra la vida de un oso que vive en una aldea y su grupo de amigos y compañeros. Y al final de cada capítulo el protagonista se despide desde su cuarto ya en pijama, apagando la luz y echándose a dormir, con hermosa cancioncilla final. También destacó, en los 70, la serie "Nukkumatti", sobre un niño y sus aventuras, realizada por Gerhardt Behrendt.
_Aunque los grandes maestros del títere en Checoslovaquia fueron Jiri Trnka y Karel Zernan, quienes inspiraron y abrieron el camino a animadores de todo el mundo. A Jiri Trnka se le consideró, con una comparación bastante torpe, el "Walt Disney del Este", aunque su talento e importancia eran comparables sus películas se dirigían a un público más adulto, y su estilo mucho más sombrío y retorcido, debido a su grandilocuencia a la hora de narrar paisajes que igual podrían formar parte de un sueño o de una pesadilla. A través de claro-oscuros, sus entornos podían llegar a tener un aire siniestro. Sus obras, como "El regalo" o "El ruiseñor y el emperador" (1948), entre otras, crearon escuela en todo el mundo. Karel Zerman, aunque menos conocido, pero de gran talento e importancia, trabajaba también en solitario y fue un de los autor ochocentista, dirigiendo obras como la obra maestra "Un invento diabólico" (1958) o "El barón fantástico" (1961), de exquisita brillantez visual, dónde mezclaba objetos reales, dibujos y elementos animados, y que también dejó una profunda marca en generaciones posteriores.
_En Holanda fueron importantes programas como "The Fabler paper" (De Fabeltjeskrant), con más de sesenta personajes creados por Leen Valkenier y Thijs Chanowski en 1968, entre los que destacaban Droes The Bear, Chico Lama... Basado en las fábulas de La Fontaine, en cada historia había una moraleja. Aunque la gracia de la serie radica en sus muñecos de ropa. Alcanzó gran popularidad entre el público más joven, y aunque después dejó de emitirse, resurgió en el 85 y duró unos cuantos años más.
_En Japón el maestro de las marionetas por excelencia es Kihachiro Kawamoto, cuya larga carrera, que empezó (y aún continúa) en los 50, incluye títulos de un acabado maravilloso, basados en la tradición japonesa, como "La diablesa" (1972), o recientemente "Días de invierno" (2003) y la maravillosa obra maestra "Shisha no osho" (2005).
_Una animación con marionetas de carácter transgresor, salvaje, exagerado... fue "Meet the Feebles" (1989), dirigido a un público más adulto por el australiano Peter Jackson, que venía de dirigir films del sanguinolento género gore, y que con el tiempo se haría mundialmente famoso con la bella trilogía del señor de los anillos. Sin embargo quizá de lo más notable y exitoso de las últimas décadas corresponda al todavía poco reconocido Henry Selick, algo a la sombra de Tim Burton en "Pesadilla antes de Navidad" (1993), dirigida en realidad por Selick, y autor de la fantástica "Los mundos de Coraline" (2009), en la que Selick se consagra como un maestro de la stop-motion capaz de acercar al gran público obras valiosas.
_En nuestro país también encontramos animación con marionetas, como "Los Aurones", sobre unos aldeanos y su pacífica vida hasta que entran en conflicto con el villano que intenta apoderarse de sus bienes. Producida en 1986 y dirigida por Josep Ll. Viciana fue lanzada también en el extranjero. En esa época apareció el programa "La bola de cristal", en el que aparecían "Los Electroduendes", un grupo de “modernos” muñecos de trapo. Los inteligentes guiones eran de Santiago Alba y quien se encargó de dar vida y diseñar a los personajes fue Miguel Ángel Pacheco. Y actualmente, siguiendo la estela de los entrañables Electroduendes, encontramos a "Los Lunnis".
_Entre las técnicas modernas de animación y los entrañables muñecos de trapo surgió la animación con plastilina. En 1955 ya se podían ver las aventuras de "Gumby". Art Clokey filmó 127 capítulos (de 6 minutos) con este raro personaje, un rectángulo de color verde con dos patas y otro par de brazos, empeñado en destacar las bondades de la vida. Habría que esperar a Will Vinton para advertir la fuerza expresiva de este método. Vinton comenzó a trabajar la plastilina en los 60. Sus primeros trabajos ya mostraban un esfuerzo por sincronizar los labios de cada figura con la voz del doblaje y algunos ambiciosos desplazamientos de cámara, como zooms y panorámicas, que tuvo que crear cuadro a cuadro. En poco tiempo sus logros se hicieron cada vez más evidentes y su trabajo alcanzó gran popularidad. Vinton fundó unos grandes estudios (Will Vinton Studios, Inc, coproductora, de "La novia cadáver" (2005), de Mike Johnson y Tim Burton), creó una serie de éxito ("Las pasas de California") y trasladó su influencia a la publicidad y al mundo de los efectos especiales. En 1985 estrenó un film pionero de la claymation (animación con arcilla, plastilina, y materiales maleables): "Las aventuras de Mark Twain". Ahora mismo dirige y produce la serie de humor "The PJ's", que tiene una gran acogida. En todos sus proyectos Vinton ha demostrado una admirable atención al detalle creando un mundo en el que absolutamente todo está compuesto de plastilina.
_Pero la animación con plastilina es mayoritariamente conocida desde finales de los 70 sobre todo a través de los británicos de Aardman Animation, que se hicieron muy populares con sus cortos (especialmente la saga de "Wallace y Gromit", de Nick Park) y con el tiempo se lanzaron a la producción de exitosos y logrados largometrajes como "Evasión en la granja" (2000) del mismo director, y "Wallace y Gromit: La maldición de las verduras" (2005), de Nick Park y Steve Box.
_Un apartado especial merece el ruso Alexander Petrov, con sus obras maestras "La vaca" (1989) y "El viejo y el mar" (1999), en la que lleva su genialidad y laboriosidad a cotas memorables con su técnica de pintar con los dedos sobre cristal, nada más y nada menos que 29.000 veces, para alumbrar una adaptación del relato de Hemingway que es una joya entre las joyas. Un genio.
_Mientras, en España destaca la obra de Pablo Llorens y sus increíbles animaciones con plastilina en "Caracol, col, col" (1995) y recientemente en "El enigma del chico croqueta" (2004), y "Muerte y resurrección" (2001), de Rocío Huertas, en la que se combinan distintas técnicas de animación de manera soberbia.
_Todas estas técnicas, aunque parezcan primitivas, también crearon escuela dentro de la animación y siguen siendo utilizadas aunque sean muy laboriosas (se puede tardar más de un año en terminar, fotograma a fotograma, una animación con plastilina) y exijan mucha paciencia, perseverancia... pero, en realidad, además de la dedicación y el mérito que tienen, ¡sus resultados son maravillosos y nos han hecho felices tantas veces!
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3- la animación japonesa
_El anime se ha convertido en el eje de la industria cinematográfica nipona, caracterizándose por abarcar todo tipo de temas y por buscar también un público adulto receptivo hacia sus mensajes, que pueden llegar a tener un contenido violento o erótico como en el hentai. La fuente de esta variedad hay que buscarla en las mismas raíces de la cultura japonesa, que desde el siglo XIV cuenta con una importante tradición de literatura gráfica, que se expresa a través de tablas pintadas y papiros ilustrados que narran historias de samuráis y leyendas tradicionales. Probablemente por este motivo, el cine de animación tuvo unos inicios tempranos en Japón. De hecho, las primeras películas animadas de las que se tiene constancia datan del año 1917. Se trata de cintas silentes de un solo rollo (entre 5 y 15 minutos), desarrolladas por autores como Oten Shimokawa, Seitaro Kitayama o Sanae Yamamoto. El género conocería una primera expansión a lo largo de la Segunda Guerra Mundial, años en los que el cine de animación se convirtió en un importante instrumento para la propaganda gubernamental. Los primeros dibujos animados en color no aparecieron hasta 1955. Aunque en 1959 ya se empezó a exportar animación japonesa con el film "Shonen sarutobi sasuke" dirigido por Taiji Yabushita y Akira Daikuhara.
_Sin embargo, el auge definitivo del anime llegaría de la mano de otro fenómeno cultural puramente japonés: el desarrollo del manga. Auspiciado por el dibujante Osamu Tezuka, el manga combina las influencias de las ilustraciones tradicionales japonesas y del cómic estadounidense. Los rasgos esquemáticos y occidentalizados de sus personajes llegaron a la gran pantalla por primera vez en 1960 gracias a "Alakazam el grande", una adaptación de Taiji Yabushita del exitoso manga de Tezuka.
_El primer anime creado en Japón se cree que es la película Hakujaden (La leyenda de la serpiente Blanca) que aparece en 1958; seguida por Hyoutan Suzume. El primer anime para la televisión fue “Mittsu no Hanashi” que aparece en 1961, seguido por "Instant History" en el año de 1962. También se considera que "La princesa encantada"(1968) de Isao Takahata (fundador de Ghibli junto a Miyazaki) representa la carta fundacional del género y puede considerarse el Ciudadano Kane de la animación nipona.
_Pero fue el maestro Osamu Tezuka quien protagonizó la gran explosión del anime. Autor de mangas inmensamente prolífico, adaptó varias de sus propias obras, consiguiendo un éxito absoluto con la serie de televisión "Astroboy", que definió los rasgos habituales del anime: animación limitada, dirección a imitación del cine de imagen real, vínculo entre la industria de la animación y la del cómic. Tezuka, un huracán creativo, también realizó largometrajes como "Unico" (1981) -codirigido con Toshio Hirata- bellísimo film sobre el mítico unicornio, y magníficos cortos experimentales como "Saltando" (1984). Tezuka entró en el mundo de la animación en 1963, creando el estudio Mushi Productions. Centrado en la producción de dibujos animados para televisión, la compañía logró su primer éxito internacional con las aventuras del niño-robot Astroboy, uno de los personajes más populares de Tezuka. Esta serie abriría las puertas a la animación japonesa para dominar la producción de dibujos animados para televisión en todo el mundo, que se consolidó en las décadas siguientes, y hasta nuestros días, con éxitos (de varios autores) como "Heidi", "Marco", "La abeja Maya", "Mazinger Z", "Campeones", "Bola de dragón", "Pokemon"...
_Durante los años 60 el anime fue habitual en las salas de cine, pero en la década siguiente quedó confinado a la televisión. También hubo notables animadores independientes como Yoji Kuri con "Ala Hacer" (1967). Yoji Kuri fue el primer animador japonés que consiguió renombre internacional en los festivales de los años 60 y 70. También destacó el animador Kenzo Kinoshita con su obra "Pica-Don" (1978), en la que muestra, despertando conciencias, el horror de la bomba atómica de Hiroshima.
_A lo largo de las décadas de los 60 y los 70, la mayor parte de la producción de anime estuvo dedicada a la pequeña pantalla. No obstante, la tendencia empieza a cambiar a principios de los 80, con la entrada en escena de Isao Takahata y Hayao Miyazaki. Curtidos en series de animación como "Marco" o "Heidi", ambos decidieron fundar en 1983 el Estudio Ghibli, para producir sus propios largometrajes cinematográficos. De este modo, el maestro Hayao Miyazaki pudo escribir y dirigir maravillosas películas como "Nausicaa, el valle del viento" (1983), "Mi vecino Totoro" (1988) -reestrenada en cines 20 años después-, "Porco Rosso" (1992), "La princesa Mononoke" (1996), la obra maestra "El viaje de Chihiro" (2002), "El castillo ambulante" (2004) y "Ponyo en el acantilado" (2008). Todas ellas alcanzaron una difusión internacional considerable, situando a Miyazaki en primera línea del cine de animación mundial. Por su parte, Isao Takahata ha realizado para Ghibli títulos como "La tumba de las luciérnagas" (1988) o "Pom Poko" (1994), que representó a su país en los óscar.
_Aunque el éxito internacional del anime tuvo su gran explosión en 1988, con el estreno de "Akira", de Katsuhiro Otomo, basado en un manga del propio director y este thriller puso de moda el anime en todo el mundo, las obras maestras de Miyazaki y Takahata y films como "Ghost in the Shell" (1994) de Mamoru Oshii, "Metrópolis" (2001) de Rintaro, "Mind game" (2004) de Maasaki Yuasa o las obras magistrales de Satoshi Kon -"Perfect blue" (1998), "Millenium actress" (2001), "Tokyo godfathers" (2003), y "Paprika" (2006)- han mostrado la creatividad nipona al mundo entero. Tras el Oso de Oro ganado por "El viaje de Chihiro", la mayor obra maestra de Miyazaki, incluso la Filmoteca Española organizó un ciclo con el que se demuestra que el anime es un género cada vez más respetable, admirable y digno de atención, pues el anime es ya cine adulto (y no me refiero al sexual hentai) capaz de abordar con talento las motivaciones y complejidades humanas.
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4- la animación digital
_En 1964 Ken Knowlon de Bell Laboratories comenzó a desarrollar técnicas informáticas para producir películas animadas. En 1967 se dirigieron "Cibernetics 5.3", primer film de animación por ordenador creado para UCLA Animation Workshop, y "Permutations" de John Whitney. En 1982, "Tron", una aventajada producción de Disney (aunque no se trataba de una película de animación) incluyó 15 minutos de animación por ordenador, aunque el primer largometraje de animación digital que se estrenó comercialmente fue "Toy Story" (1995), realizada por Pixar, los estudios del bebé flexo.
_"Toy Story" obtuvo un inmenso éxito y demostró la viabilidad de este tipo de producciones. Pronto se sumó a la pugna el estudio Dreamworks, que en 1998 estrenó "Hormigaz", la segunda película generada por ordenador. Este filme fundó las bases del estilo de animación Dreamworks, con un guión inteligente y lleno de humor.
_La aportación de los estudios Pixar a la historia del cine de animación es comparable con la de Disney en los 30, su socio hasta hace poco. Sus películas son capaces de hacer que los padres se lo pasen mejor que sus hijos cuando los llevan al cine. Sus trabajos son ya clásicos modernos: los dos Toy Story, "Bichos", "Monstruos S.A.", "Buscando a Nemo", "Los increíbles"...
_El alma de los estudios Pixar es John Lasseter, que comenzó trabajando como animador para Disney. Suya fue la primera película de animación digital que optó al óscar y suyo el primer largometraje que ganó la recién creada categoría de mejor largo de animación: "Toy Story" (John Lasseter-Andrew Stanton, 1995). Su secreto ha sido combinar innovación tecnológica, técnicas de rodaje ajenas al cine animado y magníficos guiones, con un humor irresistible y una pizca de irreverencia.
_Además de sus populares largometrajes, Pixar ha creado media docena de cortos trascendentales para entender la evolución de la animación por ordenador. De 1984 es su primer trabajo en 3-D, "Las aventuras de André y Wally B". (The Adventures of André & Wally B., John Lasseter, 1984). Después con "Luxo Jr." (John Lasseter, 1986) logró la primera candidatura al mejor corto de animación en los óscars y creó el flexo bebé que se convirtió en símbolo de Pixar. Su primer personaje orgánico fue el payaso Lumpy de "El sueño de Red" (Red's dream, John Lasseter, 1987), corto en el que ensaya con secuencias nocturnas y lluvia. El óscar llegó con su siguiente corto, "Tin toy" (John Lasseter, 1988), una historia de juguetes animados que anticipa Toy Story.
_Toy Story es mucho más que una película infantil, pues a su impresionante despliegue técnico hay que sumar un magistral guión –el primero de animación candidato al óscar- con diálogos ingeniosos, chistes inteligentes, referencias a clásicos del cine, y los personajes tienen las flaquezas, la vanidad y el heroísmo de los seres humanos.
_La secuela: "Toy Story 2" (John Lasseter-Ash Brannon-Lee Unkrich, 1999) también fue un éxito. Pixar, con la fuerza de su alianza con Disney, fue la principal referencia para el cine de animación, aunque se encontró con la aparición de Dreamworks SKG. Desde entonces han mantenido una lucha por la hegemonía en el mundo de los animación digital. Los primeros han demostrado su creatividad en títulos como "Toy Story 2", "Bichos", "Monstruos S.A." o "Buscando a Nemo". Aunque Dreamworks no le ha ido a la zaga con "Shrek", "Shrek 2", y "Hormigaz", una brillantísima e irreverente cinta en la que un hormiguero es el escenario. El lanzamiento de "Hormigaz" (Eric Darnell-Jim Thomson, 1998) coincidió con un proyecto de Pixar muy parecido: "Bichos" (John Lasseter-Dean Stanton 1998). Una curiosidad que incluyó Pixar al final de la película fue incluir unas desternillantes tomas falsas, algo que tiene miga tratándose de películas de animación.
_En 2001 Pixar estrena "Monstuos S.A." (Peter Docter-David Silverman-Lee Unkrich. 2001) y Dreamworks la sorprendente "Shrek" (Andrew Adamson-Vicky Jenson, 2001). Después llegaría "Buscando a Nemo" (Andrew Stanton-Lee Unkrich, 2003). Las navidades de 2004 fueron las de una familia de superhéroes para la que su vida es una condena a convivir con la mediocridad: "Los increíbles". Con formidables secuencias de acción, "Los increíbles" es una visión del heroísmo, tanto el superheroico como el diario y un contundente ataque al adocenamiento. También se estrenó con la película el corto "Saltando", enunciado en verso, que es un cruce de parábola bíblica y esos recitados que acompañaban a los bailes del Oeste protagonizado por ovejas, topos y un cruce de conejo y antílope. Surrealista.
_Hay que citar la producción de Disney, continuadora del clásico, "Fantasía 2000", realizada en 1999 en la que siguiendo la idea del original, se crean animaciones, esta vez digitales, en las que se combinan composiciones de música clásica con imágenes a veces muy logradas.
_Los otros estudios se resisten a quedar rezagados y producen "La edad del hielo" (Fox), "Final Fantasy" (Columbia) o "Jimmy Neutron" (Paramount), y la Warner con "The Polar Express" (2004), de Robert Zemeckis, en la que se utiliza la “performance capture”, mediante la que la interpretación real de un actor es captada por cámaras computerizadas para crear un personaje virtual. Así se pueden captar todos los movimientos y la sutileza de la expresión humana, hasta el más leve matiz, como la oscilación de un párpado, y simultáneamente movimientos faciales y corporales de múltiples actores en 3-D con una cobertura completa de 360º, lo que lleva a la animación a un resultado más realista y aún más capaz de transmitir emociones humanas.
_En los últimos años, Pixar ha continuado demostrando una creatividad y vitalidad artística asombrosa con títulos de la brillantez de "Ratatouille" (2007) de Brad Bird y Jan Pinkava, "Wall-E" (2008) de Andrew Stanton y "Up" (2009) de Pete Docter y Bob Peterson. Y el futuro promete nuevas maravillas.
_En España también se producen, y con éxito, dibujos animados por ordenador. El primer film de animación digital fue "El bosque animado" (2001) basado en la novela homónima, producido por la empresa gallega Dygra Films. Poco después Filmax se inició con "Pinocho 3000" (2002), una versión futurista del cuento de Collodi, y en la actualidad "Planet 51" (2009) es un éxito mundial de la animación digital española.
_La animación digital es un camino que abre muchas puertas a la animación, aunque las animaciones tradicionales no van a desaparecer y en ocasiones en una misma película se utilizan varias técnicas de animación.

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Un verano con Mónica (1952) Ingmar Bergman (fotografía de Gunnar Fischer)

2011-08-11T09:55:00.001+02:00

Un fragmento de la maravillosa, sensual, chispeante, fresca, dramática y desoladora revelación de Ingmar Bergman. Inolvidable Harriet Andersson y preciosa labor fotográfica de Gunnar Fischer. Todavía sorprende la libertad creativa y la innovadora audacia del director sueco.

Los monstruos (1963) Dino Risi

2011-08-10T08:33:00.005+02:00

Los monstruos (1963) Dino Risi.
Quizá uno de los ejemplos más notables de las películas de episodios y, sin dudarlo ni un pelín, de la comedia a la italiana. Unas estampas cotidianamente ácidas y sin embargo imbuidas de un poderoso humor recorren a estos y estas granujas que el cine italiano tuvo el valor de mirar a la cara. Todavía me estoy riendo y sonriendo con algunos de los episodios, y me siento tentado de destacar alguno, pero mejor lo dejo así, a quien no la haya visto le queda el placer de descubrir esta comedia singular, ya clásica, que resiste admirablemente el paso del tiempo. En realidad el tiempo no hace más que afirmar más y más su categoría, increíble en un film que sin pretensiones de autor revela a su autor: Dino Risi.
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Vacaciones en Roma...

2011-07-31T10:37:00.000+02:00

... bueno, no en Roma, pero ¡¡¡vacaciones en el blog!!!

Mario Monicelli: Rufufú (1958) + La armada Brancaleone (1966)

2011-07-30T17:02:00.006+02:00

Programa doble:
Mario Monicelli
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Rufufú (1958) Mario Monicelli
Una de las joyas de la comedia italiana, no sólo de su época, con un reparto de relumbrón: Marcello Mastroiani, Claudia Cardinale, Totó, Vittorio Gassman... Aquí se intentó hacer pasar por algo paródica al soberbio "Rififí" de Jules Dassin, pero "I soliti ignoti" tiene personalidad propia y es una de esas maravillosas comedias de las de antes, de las que al menos para mí sí tenían mucha gracia.
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La armada Brancaleone (1966) Mario Monicelli
Esta película sí es una parodia en toda regla, pero no de un film en particular, sino de la idealización caballeresca, con sus héroes relucientes, sus vírgenes expectantes y primorosas... Socarrona, y exitosa, hubo que rodar una continuación: "Brancaleone en las cruzadas" (1970).
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en los bajos fondos del cine francés

2011-07-28T15:43:00.002+02:00

_En los bajos fondos del cine francés -sobre todo en el cine negro, el thriller, el polar o policíaco- hay películas, directores, guionistas e intérpretes que no tienen nada que envidiarle al cine norteamericano, al que incluso en ocasiones le sacan más de medio cuerpo, e influyen todavía, como en "Ghost dog" de Jim Jarmusch en la que es reconocible la sombra del maestro Melville.
_A grandes rasgos destacan directores como Jean Renoir, Jacques Becker, Henri-Georges Clouzot, Jean-Pierre Melville, Claude Sautet, Alain Corneau, Claude Chabrol y Jacques Audiard, sin olvidar mucho a José Giovanni, también director y en especial guionista muy particular. Y en la nómina de intérpretes, en un universo bastante masculino, no podrían faltar Jean Gabin, Alain Delon, Lino Ventura, Jean Paul Belmondo, Yves Montand...
_Reuniendo estos géneros, y añadiendo alguna que entra de refilón, se puede hacer una lista de lo más interesante... en la que, como suele decirse, no están todos los que son pero son todos los que están, ¡o eso espero!.
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en los bajos fondos del cine francés
1931 La golfa -Jean Renoir
1932 La nuit du carrefour -Jean Renoir
1934 Toni -Jean Renoir
1935 El crimen de Monsieur Lange -Jean Renoir
1938 La bestia humana -Jean Renoir
1943 El cuervo -Henri-Georges Clouzot
1949 Manon -Henri Georges Clouzot
1951 París, bajos fondos -Jacques Becker
1954 Touchez pas au grisby -Jacques Becker
1955 Rifífí -Jules Dassin
1959 A todo riesgo -Claude Sautet
1959 A pleno sol -René Clement
1959 Al final de la escapada -Jean-Luc Godard
1960 La evasión -Jacques Becker
1962 Landru -Claude Chabrol
1963 Ronda de crímenes -Jacques Deray
1964 Los felinos -René Clement
1966 La ley del superviviente -José Giovanni
1967 El silencio de un hombre -Jean-Pierre Melville
1968 Adiós, amigo -Jean Herman
1969 El carnicero -Claude Chabrol
1969 El clan de los sicilianos -Henri Verneuil
1970 Último domicilio conocido -José Giovanni
1971 Max y los chatarreros -Claude Sautet
1972 El clan de los marselleses -José Giovanni
1975 Policía Python 357 -Alain Corneau
1978 Serie negra -Alain Corneau
1981 Le choix des armes -Alain Corneau
1995 La ceremonia -Claude Chabrol
2001 Lee mis labios -Jacques Audiard
2005 De latir mi corazón se ha parado -Jacques Audiard
2009 Un profeta -Jacques Audiard
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Gerd Oswald: Screaming Mimi (1958) + Juego de reyes (1960)

2011-07-27T10:46:00.005+02:00

Gracias a Esbilla, que está realizando una labor impagable, he descubierto a este director, y estas dos películas.
Ahí va enlace a su magnífico blog, que no me canso de recomendar, comentando "Screaming Mimi"
http://esbilla.wordpress.com
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Programa doble
Gerd Oswald
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Screaming Mimi (1958) Gerd Oswald
Film de culto, y no poco oculto, del que se ha copiado más que menos, con una Anita Ekberg no poco magnética y desnortada la pobre. Aunque a veces algo titubeante, su atractiva atmósfera lo convierte en un thriller original y lleno de alicientes.
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Juego de reyes (1960) Gerd Oswald
Un film intenso, muy bien llevado por su más que reivindicable director, en el que se va tejiendo una real y metafórica partida de ajedrez, no poco obsesiva y tensa. Una obra muy lograda, no se sabe muy bien porqué todavía poco conocida y valorada.
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Fernando Di Leo: Milán calibre 9 (1971) + Nuestro hombre de Milán (1972)

2011-07-26T11:56:00.007+02:00

Un programa doble que derrite el celuloide y comparte además la inspiración literaria de Giorgio Scerbanenco, bajo la dirección de un Fernando Di Leo a toda máquina liberando emociones fuertes.
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Programa doble
Fernando Di Leo
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Milán calibre 9 (1971) Fernando Di Leo
Posiblemente la obra más lograda del director, tan bien interpretada como dirigida, sin miramientos y con mucha vista, despunta con un comienzo a todo gas, continúa sin jamás perder el ritmo y el interés y concluye... ¡ay!, no debo contar nada del final, pero ¡qué final!. Un clásico del thriller italiano.
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Nuestro hombre de Milán (1972) Fernando Di Leo
Una historia no poco adrenalínica, con unas interpretaciones brutales, ritmo trepidante, testosterona, y también algunos ramalazos de ternura, a borbotones... todo eso y más, en un film menos cocinado que crudo, pero servido en su punto, en el que resulta de lo más humano identificarse con su infeliz e indirecto protagonista. Su título original "La mala ordina" habla más a las claras del poco edulcorado viaje que propone tan impactante film.
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para ampliar: esbilla
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películas de episodios

2011-07-23T14:40:00.003+02:00

_Hace tiempo, en especial en la Italia de los 50-60, y también en Francia, abundaban las películas de episodios. A diferencia de las sagas (miles de ejemplos) o los seriales del cine mudo, como "Fantomas", en las películas de episodios se plantea un tema general, a veces muy general, y cada episodio (habitualmente un corto, pero a veces también un mediometraje) se aborda con autonomía y una estructura cerrada. En una película de episodios lo más frecuente es que cada episodio lo filme un director (aunque hay notables excepciones, como las obras de Rossellini), por lo que rara vez resulta una película muy homogénea y regular, pero hay auténticas maravillas incluídas en películas de episodios, como por ejemplo el fascinante "Toby Dammit" de Fellini en "Historias extraordinarias".
_Sin ser exhaustivo, aquí van algunos títulos de esta modalidad que tampoco es ajena al cine mudo (Las tres edades), la animación (Fantasía), al documental (Loin du Vietnam), al cine de terror (Las tres caras del miedo), al cine erótico (Cuentos inmorales) o al cine experimental (Dreams that money can buy), y que últimamente no se prodiga mucho pero tampoco ha desaparecido.
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1923 Las tres edades, Buster Keaton y Edward F. Cline
1940 Fantasía, VV.AA.
1945 Al morir la noche, VV.AA.
1946 Paisà, Roberto Rossellini
1947 Dreams that money can buy, VV.AA.
1948 El amor, Rosselini
1952 El placer, Max Ophuls
1953 I vinti, VV.AA.
1953 Amore in città, VV.AA.
1953 Siamo donne, VV.AA.
1954 El oro de Nápoles, Vittorio de Sica
1955 Historias de la radio, José Luis Sáenz de Heredia
1955 Tres casos de asesinato, VV.AA.
1962 Bocaccio 70, VV.AA.
1962 Los siete pecados capitales, VV.AA.
1962 Las cuatro verdades, VV.AA.
1963 Los monstruos, Dino Risi
1963 Las más famosas estafas del mundo, VV.AA.
1963 Las tres caras del miedo, Mario Bava
1963 Ro.Go.Pa.G., VV.AA.
1963 Ayer, hoy y mañana, Vittorio de Sica
1964 El más allá, Masaki Kobayashi
1964 La donna è una cosa meravigliosa, Mauro Bolognini
1965 El amor a los veinte años, VV.AA.
1965 Tres perfiles de mujer, VV.AA.
1965 Historias de la televisión, José Luis Sáenz de Heredia
1965 París visto por..., VV.AA.
1966 Las brujas, VV.AA.
1967 Loin du Vietnam, VV.AA.
1968 Historias extraordinarias, VV.AA.
1968 Capricho a la italiana, VV.AA.
1969 Los desafíos, VV.AA.
1969 Amor y rabia, VV.AA.
1974 Cuentos inmorales, Walerian Borowczyk
1976 Buenas noches señoras y señores, VV.AA.
1977 ¡Que viva Italia! (Los nuevos monstruos), VV.AA.
1979 Tres mujeres inmorales, Walerian Borowczyk
1979 Collections privées, VV.AA.
1982 Creepshow, George A. Romero
1987 Creepshow 2, Michael Gornick
1990 Los sueños de Akira Kurosawa, Akira Kurosawa
1991 Noche en la tierra, Jim Jarmusch
2002 Ten minutes older: The cello, VV.AA.
2002 Ten minutes older: The trumpet, VV.AA.
2003 Coffee and cigarettes, Jim Jarmusch
2004 Eros, VV.AA.
2004 Tres extremos, VV.AA.
2006 Paris, je t'aime, VV.AA.
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Val del Omar, desbordando el tiempo y el espacio

2011-07-18T19:47:00.003+02:00

Val del Omar: cineasta, alquimista, mago, poeta.
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http://cineoriginal.blogspot.com/2010/02/val-del-omar-un-cineasta-para-la.html

el terror gótico italiano

2011-07-12T16:06:00.003+02:00

_El terror gótico italiano, en apenas una década, entre mediados de los 50 y mediados de los 60 dejó un buen puñadito de deliciosas e insanas películas como la seminal "Los vampiros" (1956) de Riccardo Freda, la memorable "La máscara del demonio" (1960) de Mario Bava, obra maestra del género, además protagonizada por la magnética, hipnótica, gloriosamente adicta al género, la fascinante y extraña Barbara Steele, "El molino de las mujeres de piedra" (1960) de Giorgio Ferroni, "El horrible secreto del doctor Hichcock" (1962) quizá la joya de Riccardo Freda, "La frusta e il corpo" (1963) del gran Mario Bava, "Danza macabra" (1963) de Antonio Margheriti, "Los amantes de ultratumba" (1966) de Mario Caiano y "Operazione paura" (1966) también del maestro Mario Bava, entre otras.
_Quizá éstos sean los títulos más destacados, y perversamente disfrutables, aunque para ampliar dejo unos enlaces más que interesantes sobre estos sombríos placeres culpables.
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http://www.revistafantastique.com/articulos/gotico.htm
y en el sensacional
www.esbilla.wordpress.com
los amantes de ultratumba
el horrible secreto del doctor hichcock
operazione paura + la frusta e il corpo
el molino de las mujeres de piedra
danza macabra
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una pequeña historia del cine español

2011-07-11T17:00:00.000+02:00

una pequeña historia del cine español
www.cineoriginal.blogspot.com_
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1ª parte (1896-1929)
Poco a poco pero con cariño

_Aunque la primera filmación en España se atribuye a un operador de los Lumière, que captó imágenes con un cinematógrafo en mayo de 1896 y realizó una proyección en un hotel de Madrid, se considera que la primera película española fue la “Salida de misa de 12 del Pilar de Zaragoza”, de 1 minuto de duración, rodada el 11 de octubre por Eduardo Jimeno Peromarta e hijo, y proyectada el 12 de octubre de 1896.
_Uno de los pioneros del cine español fue Fructuoso Gelabert, padre del cine en Cataluña, quien se fabricó su propio cinematógrafo, filmó reportajes y, entre otras, la primera película con argumento del cine español: “Riña en un café”(1897) y adaptaciones literarias como “Tierra baja”(1907).
_En estos inicios del cine español la producción se concentraba entre Barcelona (donde el pionero Ricardo de Baños que dirigió en 1919 "Los arlequines de sangre y oro", fundó en 1905 la primera productora española: Hispano Films) y Valencia.
_El siguiente pionero importante de esta época es Segundo de Chomón, que experimentó con numerosos procedimientos técnicos, abrió una tienda de coloreado de películas en 1902 y rodó films como “Eclipse de sol”(1905) y “El hotel eléctrico”(1908) en las que utilizó sobreimpresiones, maquetas y todo tipo de trucos que le valieron un contrato con la compañía francesa Pathé y en 1927 recibió una oferta de la Itala films de Turín, marchándose definitivamente a Italia, lo que demuestra que el cine español siempre ha contado con cineastas de gran valía, reconocidos internacionalmente.
_Y por último destacar que el 1 de octubre de 1928 nace el Cine Club de España, creado entre Luis Buñuel y Ernesto Giménez Caballero, con lo que poco a poco se pueden ir viendo algunas de las obras más importantes de la cinematografía mundial.
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2ª parte (1929-1939)
La llegada del sonido y de la guerra

_La primera película sonora del cine español fue “El misterio de la Puerta del Sol”, de 1929, aunque el sonido tardaría en extenderse dada la precariedad, que no el talento, de la industria cinematográfica española. Los títulos más significativos de esta década son “La aldea maldita”(1930) de Florián Rey, y las obras de Buñuel “Las Hurdes, tierra sin pan” (1932) y las de su etapa surrealista en Francia, en las que pretendía expresar ideas y sensaciones sin la narrativa convencional, provocando el impacto de “belleza bárbara, elemental, la luna y la tierra del desierto donde la sangre es más dulce que la miel”, como alguien dijo de “Un perro andaluz”(1929), codirigida por Buñuel y Dalí, película sin argumento lógico y convencional compuesta de imágenes oníricas, desagradables, terribles y poéticas que más allá de su provocación expresan una liberación del subconsciente. “Un perro anduluz” marca un antes y un después en la historia del cine.
_Al año siguiente Buñuel dirige, con la colaboración de Dalí, “La edad de oro”, manifiesto del surrealismo cinematográfico que fue un puñetazo a todo lo establecido, a las convenciones sociales opresoras, al ejército, a la iglesia, a la patria, que acaban ridiculizadas o tiradas literalmente por la ventana. “Un perro andaluz” fue un impacto, “La edad de oro” una declaración de principios que Buñuel mantuvo con coherencia durante toda su filmografía, que él entendía una expresión de poesía como todo aquello que “pueda contener de sentido liberador, de subversión de la realidad, de umbral al mundo maravilloso del inconsciente, de inconformidad con la estrecha sociedad que nos rodea”.
_Sociedad que en 1936 sería sacudida por un alzamiento militar que acabó, tras tres años de guerra no tan civil, con la república y provocó un régimen militar, dictatorial, en el que las libertades fueron gravemente restringidas y en las que el cine tuvo que vérselas con la férrea censura, promovida y regida por las autoridades eclesiásticas afines al régimen.
_En estos años aparece la primera directora del cine español, Rosario Pi, cuya película "El gato montés" (1935) influyó en la posterior adaptación de Buñuel de Cumbres borrascosas ("Abismos de pasión") y se ruedan películas como "La verbena de la paloma" (1935) de Benito Perojo, "El bailarín y el trabajador" (1936) de Luis Marquina, la recientemente restaurada "Carne de fieras" (1936) de Armand Guerra, la comedia musical dirigida por el italiano Fernando Mignoni "Nuestro culpable" (1938) y la obra estandarte de los republicanos en plena guerra, "Sierra de Teruel" (1939) dirigida por el francés André Malraux.
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3ª parte (1940-1970)
La larga dictadura y sus secuelas

_En un clima al principio completamente autárquico, el cine español de los cuarenta cuenta con títulos interesantes como "Eugenia de Montijo" (1944), de José López Rubio; el talento de Edgar Neville con la comedia fantástica "La torre de los siete jorobados" (1944), "El crimen de la calle de bordadores" (1946) y la magnífica comedia "La vida en un hilo (1945); las comedias costumbristras de Rafael Gil "Huella de luz" (1942), "El hombres que se quiso matar" (1942) y el melodrama policíaco "La calle sin sol" (1947), la folklórica "Bambú" (1945) de José Luis Sáenz de Heredia (director de "Raza" (1941) con guión de Franco, que además de dictador durante décadas fue cinéfilo) y películas como "Botón de ancla" (1947) de Ramón Torrado, "Locura de amor" (1948) de Juan de Orduña, la cinéfila "Vida en sombras" (1948) de Lorenzo Llobet Gracia, y basada en un guión de su hermano Miguel, "Mi adorado Juan" (1949), de Jerónimo Mihura, quien en 1948 dirigió "En un rincón de España", la primera película rodada en color en España.
_Ya en los 50 hay que apuntar (por su rareza en el cine español y por su resultado) dos policíacas como "Brigada criminal" (1950) de Ignacio F. Iquino y "Apartado de correos 1001" (1950) de Julio Salvador. Y también títulos como "Día tras día" (1951) de Antonio del Amo; "Segundo López", ejemplo del neorrealismo español dirigido por Ana Mariscal; "La gata" (1954) de Margarita Aleixandre y Rafael Torrecilla, "Historias de la radio" (1955) de Sáenz de Heredia; "Cielo negro", una dramática obra maestra del talentoso pero al final ampuloso Manuel Mur Orti; la fuga violenta de "Cuerda de presos" (1955) de Pedro Lazaga; las magníficas "Mi tio Jacinto" (1956) y "El cebo" (1958)del notable Ladislao Vajda; "Manolo, guardia urbano" (1956) de Rafael J. Salvia; "Rapsodia de sangre" (1957) de Antonio Isasi-Isasmendi y "Un vaso de whisky" (1959) de Julio Coll.
_Buñuel da las mayores muestras de resistencia al régimen y de vitalidad tanto en España como en el exilio, en Francia y en México donde rueda “Los olvidados”(1950). Luis Buñuel llega a su madurez con “Nazarín”(1958), “Viridiana”(1961), para muchos su mejor obra, “El ángel exterminador”(1962), “Tristana”(1970), en la que nos hace ver que no hay dos cosas iguales y expresa, con la maestría de un espíritu único, su manera de ver la vida... En su madurez creativa volvería a España pero ante las mutilaciones y prohibiciones de la censura en “Tristana” tomaría la decisión de no volver a rodar en España. Pocos son profetas en su tierra.
_Sin embargo, el cine español recibe el reconocimiento internacional con “Bienvenido Mr. Marshall”(1952), un clásico lleno de subversión, frescura, ironía y lucidez dirigido por Berlanga, también autor de las ácidas, caústicas y esperpénticas “Plácido”(1961) y “El verdugo”(1963) en las que critica la España de la época, en la que las limosnas y la pena de muerte eran habituales, y “Muerte de un ciclista”(1955) de Bardem, película en la que el sentimiento y la ideología van cogidos de la mano. Bardem dirigiría poco después otros clásicos del cine español: “Calle Mayor”(1956) y "Nunca pasa nada" (1963). Estas películas de Berlanga y Bardem, que codirigieron “Esa pareja feliz”(1951), son auténticos monumentos del cine español, llenos de ingenio y humanidad.
_En los años 60, además de las obras maestras, son destacables películas como "Diferente" (1962) de Luis María Delgado, un musical protagonizado (en plena época de la censura castrante que prohibió "Viridiana" durante más de 15 años en España) por un homosexual. Sin duda un despiste generalizado, una de esas raras veces en que los censores se duermen y les pasan altas. Lo de la historia de la censura en España no tiene desperdicio, incluso en el doblaje y estreno de películas extranjeras se llegó, tratando de ocultar un adulterio, a agravar la situación inventando un incesto (como en "Mogambo", de John Ford). Otras películas significativas son "El lazarillo de Tormes" (1960) de César Fernández Ardavín; "Los dinamiteros" (1963) de Juan G. Atienza; "Los tarantos" (1963) de Fernando Rovira Beleta; "A tiro limpio" (1963) de Francisco Pérez-Dolz; "La tia Tula" (1964) adaptación de Unamuno por Miguel Picazo; la adaptación de Baroja "La busca" (1965) por Angelino Fons; "El camino" (1964) de Delibes por Ana Mariscal; "Nueve cartas a Berta" (1965) del interesante Basilio Martín Patino; "Juguetes rotos" (1965) de Manuel Summers; la mezcla de acción y romanticismo de "Los ojos perdidos" (1966) dirigida por Rafael García Serrano; el spaghetti-western "El precio de un hombre" (1966) de Eugenio Martín y las obras de la denominada Escuela de Barcelona "Nocturno 29" (1967) de Pere Portabella y "Dante no es únicamente severo" (1967) de Jacinto Esteva y Joaquim Jordà, y en el género de terror sobresalen dos autores de serie B como Jesús Franco (que merece un lugar aparte) y León Klimovsky con "La noche de Walpurgis" (1969).
_También son importantes títulos de gran valor, auténticas obras maestras del cine español, como “Surcos”(1951) de Conde, "El pisito" (1958) y “El cochecito”(1960) del italiano Marco Ferreri, o “Atraco a las tres”(1962) de Forqué. Y también destacan las obras de dos autores mayores del cine español con sus películas: “La caza” (1965) de Carlos Saura, en la que simbólicamente refleja las tensiones latentes de la época y “El extraño viaje”(1964) de Fernando Fernán-Gómez, también director de la magnífica comedia "Sólo para hombres" (1960).
_En el underground pero con un sentido cinematográfico encomiable, reconocido en el mundo entero, filmando tanto en España como en Francia, Alemania, y homenajeado en la Cinemateca francesa, y finalmente en España con el Goya de honor, hay que destacar al autor de culto Jesús Franco, quien en los años 60 realizó obras audaces de una pavorosa imaginación como "Miss Muerte" (1965) y "Necronomicón" (1967), alabada incluso por el mismísimo Fritz Lang. Recorriendo los géneros, del fantástico al terror, pasando por su particular humor y erotismo, con innovadoras soluciones estéticas deudoras del cómic, sus films de esa época siguen fascinando. Con los años abordó el discutible y muy polémico montaje del Quijote de su admirado Orson Welles, y seguramente es el autor más prolífico del cine español, aunque tras su etapa dorada, lamentablemente, demasiado prolífico.
_Y en el cine vanguardista, poético y experimental hay que destacar al visionario José Val del Omar, todo un talento por descubrir, realmente fascinante, cuya presencia en la España de la época es una prueba más de que los milagros existen.
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4ª parte (1970-1980)
Final de la dictadura y transición a la democracia

_Luis Buñuel prosigue su filmografía en Francia rodando, sin perder su esencia,“El discreto encanto de la burguesía”(1972) que recibe el óscar de Hollywood (eran otros tiempos), “El fantasma de la libertad”(1973), en la que no hay argumento... Con su muerte se perdió mucho más que la mirada del siglo Xx, el siglo que no merece las mayúsculas, se perdió a un espíritu de vida con “horror a comprender”, para quien los 4 jinetes del apocalipsis serían la superpoblación, el cientifismo, el tecnologismo y la información-espectáculo... para quien “En alguna parte entre el azar y el misterio se desliza la imaginación, libertad total del hombre” (y de la mujer).
_Berlanga filma su magistral y malentendida “Tamaño natural”(1973), mientras Carlos Saura, en su época más combativa y metafórica, filma “Ana y los lobos”(1972) y "La prima Angélica" (1973), mientras Víctor Erice rueda la maravillosa “El espíritu de la colmena”(1973), primera de sus obras maestras (lástima que ruede una película cada diez años...) Basilio Martín Patino realiza "Canciones para después de una guerra" (1971) y “Queridísimos verdugos”, en 1975, y “Furtivos”, de José Luis Borau, también del mismo año, supone un retrato crudo de la “España profunda” y marca el final de la dictadura y el comienzo de la transición hacia la monarquía acordada por el dictador.
_Durante los años 70 también son destacables algunas películas como la obra maestra vanguardista y experimental "Vampir-Cuadecuc" (1970) de Pere Portabella;"El bosque del lobo" (1970) de Pedro Olea; "Mi querida señorita" (1971) de Jaime de Armiñán; el mediometraje galardonado "La cabina" (1973) dirigido por Antonio Mercero (que dirigió el largo "Se necesita chico" en 1963); la obra de culto "Las hijas de Drácula" (1974) rodada en su etapa británica por José Ramón Larraz; las aterradoras y magníficas "Ceremonia sangrienta" (1973) y "No profanar el sueño de los muertos" (1974), importantes junto a "La trastienda" (1975), también de Jorge Grau, que aprovecha el declive de la censura (que finalmente desaparece el 1 de diciembre de 1977) para mostrar un desnudo (hasta entonces se hacían viajes a Francia y luego a Portugal); "El anacoreta" (1975) con un guión del impagable Rafael Azcona, dirigida por Juan Estelrich; "Tigres de papel" (1977) de Fernando Colomo; "Soldados" (1978) de Alfonso Ungría y la estimable "La verdad sobre el caso Savolta" (1978) de Antonio Drove. También es reseñable, a nivel más histórico que cinematográfico el estreno de "Operación ogro" (1979) de Pontecorvo, en la que se narra el atentado al presidente Carrero Blanco, que supuso casi el final de la dictadura.
_En estos años de transición destacan títulos como “El desencanto”(1976) y "A un dios desconocido" (1977) de Jaime Chávarri, la intimista y magnífica "El corazón del Bosque" (1979) de Manuel Gutiérrez Aragón, pero sobre todo quedan obras magistrales y personalísimas de Bigas Luna, que filma su obra maestra “Bilbao”(1979), película sucia, obsesiva, enfermiza y magnética, que no ha logrado igualar en sus siguientes intentos... Y este mismo año Iván Zulueta dirige “Arrebato”, obra imposible de limitar con palabras, en que quizá sólo el título pueda intentar expresar la intensidad, el delirio, la extraña magia de esta obra maestra única, incomparable, inexpresable...
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5ª parte (1980- actualidad)
Crear en libertad

_En una democracia cada vez más capitalista, con lo que esto significa, el cine español de las últimas décadas ha contado, entre otros, con José Luis Garci, galardonado con el óscar por “Volver a empezar”(1982, también autor de la cinéfila "Sesión contínua" (1984); Pedro Almodóvar, a quien se empieza a tomar más en serio (demasiado quizá) a raíz de “¿Qué he hecho yo para merecer esto”(1983) y "La ley del deseo" (1986), director de la exitosa “Mujeres al borde de un ataque de nervios”(1988), cronista de la movida madrileña en sus inicios y oscarizado por “Todo sobre mi madre”(2000) y "Hable con ella" (2002); Fernando Trueba, que en 1992 filma “Belle Epoque”, que es premiada por la academia de Hollywood, también director de "El año de las luces" (1986) y “El sueño del mono loco”, a partir de un guión muy elaborado con referencias a Peter Pan; David Trueba, guionista y director de “La buena vida”(1996); Fernando León de Aranoa, que dirige “Familia”(1996) en la que desborda ingenio, alegría, imaginación y nos anima a jugar a las nubes; Juanma Bajo Ulloa, director de “Alas de mariposa” (1991) y Julio Medem, que ha dirigido entre otras “Vacas”(1991), “La ardilla roja”(1992), “Tierra”(1995), en la que nos muestra su particular visión de la vida, con un mensaje que es muy antimístico pero que al mismo tiempo no es nada materialista, “Los amantes del círculo polar”(1998), en la que sugiere que nuestras vidas se pueden expresar con casualidades... el círculo como símbolo de la vida, los nombres que empiezan igual que acaban, como su apellido... el destino... y también la fresca "Lucía y el sexo" (2001), además de adentrarse en la producción y el documental.
_Son muy importantes las aportaciones de Víctor Erice con sus magistrales “El sur” (1983) y “El sol del membrillo” (1992); José Luis Guerín, autor de un cine muy personal (aunque lleno de referencias cinéfilas) que alcanza la cumbre en el desafío y pequeño milagro que es "Tren de sombras" (1997) y cierto reconocimiento comercial en su más o menos documental "En construcción" (2001); "La colmena" (1981), “Los santos inocentes”(1985) y "Sombras en una batalla" (1993) de Mario Camus, “El viaje a ninguna parte” (1986) de Fernando Fernán-Gómez y películas singulares en algún aspecto pero valiosas como “Cosas que nunca te dije” (1995) de la directora Isabel Coixet (cada vez hay más directoras y sus obras son cada vez más interesantes) que podría pasar por una película independiente americana, “El milagro de P. Tinto” (1998) de Javier Fesser, deudora de los cómics y visualmente sorprendente, “Solas” (1999) de Zambrano, inesperado éxito narrando una historia de coraje, o “Monos como Becky” de Joaquim Jordà, en la que aborda una de las historias negras de la psiquiatría y convive con las personas recluidas en un psiquiátrico.
_En estas últimas décadas son destacables también películas que normalmente son las cumbres de quienes las dirigen como "Mater amatisima" (1980) de Josep A. Salgot; "El nido" (1980) de Jaime de Armiñán; "El hombre de moda" (1981) de Fernando Méndez-Leite; "Tasio" (1984) de Montxo Armendáriz; "Lulú de noche" (1985) de Emilio Martínez-Lázaro; "Réquiem por un campesino español" (1985) de Francesc Betriu; "La guerra de los locos" (1986) de Manolo Matji; "Remando al viento" (1988) de Gonzalo Suárez; "Ander y Yul" (1988) de Ana Díez; "La blanca paloma" (1989) de Juan Miñón , ya en los 90, títulos como "Un paraguas para tres" (1991) de Felipe Vega; "La noche más larga" (1991) de José Luis García Sánchez; "Demasiado corazón" (1992) de Eduardo Campoy; "Madregilda" (1993) de Francisco Regueiro; "El baile de las ánimas" (1993) de Pedro Carvajal; el documental que continúa con los personajes de "El desencanto" titulado "Después de tantos años" (1994) de Ricardo Franco; "Días contados" (1994) de Imanol Uribe y "Alma gitana" (1995) de la directora Chus Gutiérrez.
_Y otras que pertenecen a directores muy consolidados en el cine español como Vicente Aranda (que ya realizó "Fata morgana" en 1966) con "Fanny "Pelopaja"" (1984) y "Amantes" 1991); Bigas Luna con "Angustia" (1987) y "Jamón jamón" (1992); José Luis Cuerda con "El bosque animado" (1987) y la divertida "Amanece que no es poco" (1988); Manuel Gutiérrez Aragón con "Demonios en el jardín" (1982) y "La noche más hermosa" (1984), y Pilar Miró con la inquietante "Beltenebros" (1991).
_El cine español de los últimos años cuenta con directores como Alejandro Amenábar, director de gran proyección internacional, sobrevalorado autor de "Tesis" (1996), que deslumbró con la magnífica "Abre los ojos" (1997), se acercó con efectismos a "Los otros" (2001), fue galardonado con un óscar por la bastante efectista "Mar adentro" (2004) y después hizo caja (que no arte) con "Ágora" (2009); Álex de la Iglesia con "El día de la bestia" (1995); Nacho Vigalondo con "Los cronocrímenes" (2007); Juan Carlos Fresnadillo con la soberbia "Intacto" (2001) que le ha abierto las puertas de Hollywood; Cesc Gay con las interesantes "En la ciudad" (2003), "Ficción" (2006) y "V.O.S." (2009), e Icíar Bollaín, también actriz, directora de la lograda "Mataharis" (2007) y de la estimable "También la lluvia" (2010).
_En un apartado no por ninguneado menos significativo, hay que hablar del cine sexual español, iniciado oficialmente con "Lilian, la virgen pervertida" (1984) de Jess Franco, un softcore reconvertido en hardcore a través de unos insertos y que se va consolidando gracias sobre todo a José María Ponce, director de "Vivir follando" (2000), a un star-system nacional que incluso ha llegado a ser internacional (de Nacho Vidal a Rebeca Linares) y a la inventiva de directores entre los que destaca Narcís Bosch, que con "Hot rats" (2004) es galardonado en los AVN Awards norteamericanos (algo así como los óscars del cine sexual). Tampoco hay que olvidarse de que hay directoras de cine sexual en España como Lina Romay, Bibian Norai, o la polifacética Sandra Uve que logró que se viera en algún que otro festival su "616 DF, el diablo español contra las luchadoras del este" (2004). Aunque esta época dorada ha pasado, y gran parte de la industria se adapta al formato cibernético, hay que reconocer la valía de actores, actrices y directores que en ocasiones han triunfado holgadamente en el extranjero. La española cuando besa, besa de verdad... y el español...
_Y la historia continuará, pues además de sobrevivir a multitud de precariedades y adversidades, el cine español ha creado y seguirá creando obras importantes, apreciadas y valiosas no tan sólo para nuestro cine sino también para la cinematografía mundial.

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notas y alguna bibliografía
_Estos apuntes para una historia del cine español se basan en la política de los autores que defendía la nouvelle vague por lo que generalmente se incluyen obras de directores españoles (no sólo rodadas en España) con alguna excepción como los guiones magníficos de Rafael Azcona para el italiano Ferreri . Tan autores considero a veces a los directores como a los guionistas, y en el caso de la colaboración Ferreri-Azcona, considero españoles los títulos rodados con profesionales españoles, y en España. Es un criterio tan discutible quizá como cualquier otro, pero me resultan impensables esas películas rodadas no sólo en Italia sino en cualquier otro lugar, las considero españolas aún rodadas por un director italiano.
_La historia del cine español, soy consciente, merece una historia más detallada y actualizada, así que remito a la bibliografía, consultada y/o disponible.
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-Historia del cine español, por VVAA, publicada por Cátedra en 2009. Varios autores analizan la historia del cine español desde sus orígenes hasta la actualidad, incidiendo en las cuestiones político-sociales. Es un trabajo ya clásico en la bibliografía sobre cine español.
-El cine español en 119 películas, por Augusto M. Torres, publicado por Alianza Editorial en 1997. No se trata de una historia del cine en el sentido clásico sino de una recopilación basada en los directores, pero aporta, de primera mano, mucha historia sobre el cine español. Además Augusto M. Torres tuvo bastante que ver con "Arrebato" de Zulueta... Muy recomendable.
-Biografía del cine español, por Fernando Alonso Barahona, publicado por C.I.L.E.H. en 1992
-Guía del Cine, por Carlos Aguilar, publicado por Cátedra, 2006. Más de 20.000 películas comentadas. Uno de los mejores libros de cine de todos los tiempos y en cualquier idioma. Imprescindible, necesario, recomendable...
-Historia crítica y documentada del cine independiente en España. 1955-1975, por Joaquim Romaguera y Llorenç Soler, publicado por Laertes en 2006
-Guía del cine español, por Carlos Aguilar, publicado por Cátedra (2007), se convertirá en el libro de cabecera del cine español, incluye más de 6.000 títulos comentados, filmografías y una historia rápida del cine español. Además está ilustrado con imágenes seleccionadas por Carlos Aguilar, uno de los críticos españoles más reconocidos a nivel mundial. Amor al cine español.
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Eugenie (1969) Jesús Franco

2011-07-10T10:01:00.004+02:00

Eugenie (1969) Jesús Franco.
El erotismo sadiano tan querido por Franco quizá encuentra su mejor plasmación cinematográfica en este clásico del erotismo de sorprendente y original planteamiento estético, que cuenta con la presencia e interpretaciones de Marie Liljedahl y Christopher Lee, y supone una versión muy personal de "La filosofía en el tocador", obra del Marqués de Sade sobre la que Franco volvería una y otra vez, al año siguiente sin ir más lejos, pero con dispar fortuna aunque contara con Soledad Miranda. Se trata, junto con "Gritos en la noche", "Miss muerte", "Necronomicón", "Venus in furs" y "Las vampiras", de lo mejor de Jess Franco, autor de estas obras de culto reverenciadas todavía en el mundo entero. Aunque no se engañen, en la amplia obra de Franco hay que distinguir mucho mucho entre el grano y la paja, hay bastantes películas suyas que son "alimenticias" por usar un eufemismo querido a Buñuel.
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Eugenie (1969)

Inga -Jag en oskuld (1968) Joseph W. Sarno

2011-07-09T15:11:00.001+02:00

Inga (1968) Joseph W. Sarno.
En los años 60, con la liberación sexual, proliferaron cada vez más las películas nudies, eróticas, sexploitation, en fin, en las que la desnudez, el erotismo y la sexualidad poco a poco se fueron quitando capas hasta llegar al cine sexual o hardcore. Entre el softcore, el cine erótico y el sexploitation durante un tiempo hubo una especie de tierra de nadie en la que seguramente se llamó a todo "sexploitation", pero ni las obras más logradas de Jess Franco (erotómano onírico y sadiano donde los haya), ni las obras originales y desenfadadas de Russ Meyer, ni alguna obra de Radley Metzger, y también de Joseph W. Sarno se pueden meter directamente en el saco de la sexploitation, aunque no sean obras del maestro Dreyer.
_"Inga", rodada en Suecia, es una película bien ambientada e interpretada, con una cuidada labor en la fotografía en blanco y negro (que embellece la ya notable belleza de una Marie Liljedahl con apenas 18 años) una trama interesante y un erotismo de lo más sugerente que quizá parecerá casi naif en nuestros días.
_Lo más interesante en general de los films de Sarno es que sin ser feminista suele partir del punto de vista, las motivaciones, la psicología femenina, y suele presentar mujeres que toman sus propias decisiones, o sea mujeres de verdad. En este relato de iniciación sexual la candidez y el encanto no nublan la explosión volcánica de la libido desatada, erupción que está bastante lograda en la escena de autoerotismo (aunque prefiero la de "Therese et Isabelle" de Radley Metzger) y en el desenlace, que no contaré pero que con un poco de imaginación es fácil de imaginar.
_El film tuvo éxito comercial (Sarno también supo poner un ojo en la taquilla) y se rodó una continuación que carece del encanto del original, aunque supuso la última ocasión para contemplar, y no en blanco y negro sino en color, a una sensual Marie Liljedahl que tras "Seduction of Inga" (1971), también dirigida por Joe Sarno, se retiró del cine para abrir una academia de ballet. Pero si alguien quiere seguirle la pista a Marie Liljedahl, que no se olvide de "Eugenie" (1969), notable film (erótico, claro) de Jess Franco.
_"Inga" expresa con soltura el atractivo irresistible de lo que Baudelaire llamó "el candor unido a la lubricidad". Y con el tiempo se ha ido convirtiendo en un pequeño clásico del erotismo.
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cine experimental: Xcèntric. 45 películas en contra dirección

2011-07-07T11:08:00.000+02:00

¬cine experimental y videoarte
El cine experimental se mueve de lleno en el terreno del cine y lanza su desafío desde el interior, explorando la naturaleza pictórica del cine y una visión espaciotemporal relativa más que sus posibilidades narrativas, descriptivas y documentales, creando un cine abstracto, mientras que el videoarte no se sitúa en el campo del cine, su intención no es renovar el lenguaje fílmico sino llevarlo al campo de las artes plásticas.
¬cine experimental
El CCCB de Barcelona lleva años programando cine experimental a través de su Xcèntric, todo un referente de las vanguardias históricas y las propuestas más complejas y experimentales. Siguiendo con esta labor, publicó el libro
-Xcèntric. 45 películas en contra dirección, VV.AA. (CCCB, 2006)
que incluye los siguientes films...
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Xcèntric.45 películas en contra dirección
1924 Kino-Pravda, Dziga Vertov
1929 Finis terrae, Jean Epstein
1930 Lichtspiel: Schwarz-Weiss-Grau, Laszlo Moholy-Nagi
1935 Komposition in blue, Oskar Fischinger
1953-55 Aguaespejo granadino, José Val del Omar
1956 On the bowery, Lionel Rogosin
1957 Free radicals, Len Lye
1968-70 Arnulf rainer, Peter Kubelka
1962 Moonplay, Marie Menken
1963 Scorpio rising, Kenneth Anger
1963-6 Lapis, John Whitney
1965 Beppie, Johan van der Keuken
1965-71 Film portrait, Jerome Hill
1966 The Chelsea girls, Andy Warhol
1966 The flicker, Tony Conrad
1968 N:O:T:H:I:N:G:, Paul Sharits
1968-70 Ere erera baleibu icik subua aruaren..., José Antonio Sistiaga
1970 Berlin horse, Malcom Le Grice
1970 Serene velocity, Ernie Gehr
1970 Zorns lemma, Hollis Frampton
1971 Emperor tomato ketchup, Shuji Terayama
1971 Numéro zéro, Jean Eustache
1972 Tarua le ganaknere, Artavazd Pelechian
1973 Diwan, Werner Nekes
1976 Crossroads, Bruce Conner
1977 Geister trio, Samuel Beckett
1978 In girum imus nocte et consumimur igni, Guy Debord
1979 Asparagus, Suzan Pitt
1982 Scénario du film Pasion, Jean-Luc Godard
1986 Sherman's march: A meditation to the possibility of romantic love in the South during an era of nuclear weapons proliferation, Ross McElwee
1989 Cézanne, Jean-Marie Straub
1989 Elephant, Alan Clarke
1993 D'est, Chantal Akerman
1994 Alpsee, Matthias Müller
1996 My universe inside out, Faith Hubley
1996 Lo specchio di Diana, Yervant Gianiakian
1996 Spiklenci slasti, Jan Svankmajer
1996-2002 Film ist (1-6) / (7-12), Gustav Deutsch
1998 Jlebni den, Serguei Dvortsevoy
1999 Outer space, Peter Tscherkassky
2000 As I was moving ahead ocassionally I saw brief glimpses of beauty, Jonas Mekas
2000 The God of day had gone down upon him, Stan Brakhage
2003-04 The tow minutes to zero trilogy, Lewis Klahr
2004 Triage, Carl Brown / Michael Snow
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http://www.cccb.org/xcentric/es/arxiu

National Film Board of Canada

2011-07-06T16:00:00.002+02:00

_El National Film Board of Canada desde hace más de medio siglo es una referencia mundial en la animación, y el crítico de cine Leonard Maltin comenta en este documental sus trabajos favoritos, clásicos y obras maestras.
_Si les gusta la animación, les gustará. Si les gusta el cine experimental, les gustará.
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http://www.nfb.ca/film/leonard_maltins_animation_favorites/ 1994 / 95 min.
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Y aquí mismo, "Begone dull care" (1949), una de las joyas del genial Norman McLaren
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directores de fotografía en el cine

2011-07-04T09:27:00.000+02:00

_directores de fotografía en el cine
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...sería fantástico si el público mirara una película sin prestar atención a la fotografía. -Robby Müller

Lo que eliges no hacer es tan importante como lo que eliges hacer.-Gordon Willis

... aunque no se puede ir contracorriente, sí se puede elegir apartarse de ella y participar en películas que están más cerca de la vida y de las emociones humanas. Allí es donde está mi corazón.-Robby Müller

Cada vez que me preguntan cuál es mi película favorita, yo digo: "La próxima". - John Seale

Con frecuencia el ojo no sabe dónde mirar porque hay demasiados colores. -Darius Khondji

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_El cine es un arte global en el que cada miembro del equipo tiene una labor importante y necesaria que hacer. La labor de los directores de fotografía pasa a menudo desapercibida.
_La fotografía es importante en el cine desde el mismo inicio del séptimo arte. La fotografía es lo primero que se ve de una película, ya sea en blanco y negro con toda la gama de grises, en color, o incluso alternando o mezclando blanco y negro con color... Y los directores de fotografía más brillantes siempre han sido solicitados por los mejores directores, lo que prueba la importancia de su trabajo.
_A continuación una pequeña lista de directores de fotografía. Es sólo una pequeña lista, por algo se empieza, para ir más allá, son interesantes los libros que aparecen en la bibliografía, y por supuesto en internet...
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directores de fotografía en el cine (una pequeña lista)
_a
Yuharo Atsuta
Néstor Almendros (La rodilla de Clara / El pequeño salvaje / Días del cielo / La coleccionista)
Karl Andersson
José Luis Alcaine (Volver / Amantes / Bélle epoque)
Henri Alekan
John A. Alonzo (Chinatown / Mamá sangrienta / Harold y Maude)
John Alcott
Ubaldo Arata
David Abel
José F. Aguayo
Javier Aguirresarobe (Tierra / Mar adentro / El milagro de P. Tinto / El sol del membrillo)
Alberto Arroyo
G.R. Aldo
Joseph H. August
John Arnold
Joe August
Fernando Arribas
_b
Robert Burks
Georges Barnes
Dion Beebe
Bill Butler
Lucien Ballard
L.H. Burel
Michael Ballhaus
Renato Berta
Jean Badal
Billy Bitzer (El nacimiento de una nación / Intolerancia /Lirios rotos)
Henning Bendtsen (La palabra / Gertrud / Europa)
Darl Brow
Juan Julio Baena
Manuel Berenguer
Hans Burmann
_c
Tonino delli Colli (El verdugo / Accatone / Érase una vez en América / El bueno, el feo y el malo / El nombre de la rosa / Luna de hiel)
Jack Cardiff (A vida o muerte / La reina de África / Narciso negro / Las zapatillas rojas)
Ghislain Cloquet (Noche y niebla / Las señoritas de Rochefort / La última noche de Boris Grushenko)
Raoul Coutard (Al final de la escapada / Pierrot el loco / El desprecio / Jules y Jim / Z)
Alfio Contini
Stanley Cortez (La noche del cazador / Las tres caras de Eva / Martes negro / El cuarto mandamiento)
John Carlsson
Luis Cuadrado (El espíritu de la colmena / Furtivos / Pascual Duarte / Nocturno 29 / La caza)
Michael Chapman (Taxi driver / Toro salvaje / Cliente muerto no paga)
Jordan Cronenweth
Jules Crüger
Raúl Pérez Cubero
Segundo de Chomón (El hotel eléctrico / Cabiria)
_d
Bruno Delbonnel
Henri Decae
Christopher Doyle
Andrew Dunn
Adolfo Doring
Stuart Dryburgh (Retrato de una dama / El piano / Cuando salí de Cuba)
Roger Deakins (1984 / Barton Fink / Fargo / Pena de muerte / Passion fish)
William H. Daniels (El demonio y la carne)
_e
Arthur Edeson (Frankenstein / Casablanca)
Teo Escamilla
_f
Gunnar Fischer
Gabriel Figueroa (Los olvidados / Nazarín / La joven / El ángel exterminador / Simón del desierto / La noche de la iguana)
Alfredo Fraile
Robert J. Flaherty
Karl Freund (El último / Metrópolis / Drácula / Cayo Largo)
Freddie Francis
_g
Guillermo Granillo
Lee Garmes
Irving Glassberg
Burnett Guffey
Arturo Gallea
Roberto Gerardi
Henri W. Gerrard
Al Giddins
Bert Glennon
Jack N. Green
Enrique Guerner
_h
Conrad Hall (Dos hombres y un destino / En busca de Bobby Fisher / Como plaga de langosta / Conexión tequila)
Otto Heller
James Wong Howe (Cuerpo y alma / Picnic / El poder y la gloria / Objetivo Birmania)
Ernest Haller
Sid Hickox
Willy Hameister
Russell Harlan
Jack Hildyard
Byron Houck
_i
Choshiro Ishia
Paul Ivano
_j
Ray June
Jürgen Jürgen
Robert Edmond Jones
_k
Boris Kaufman (A propósito de Niza / Cero en conducta / L'atalante / La ley del silencio)
Robert Krasker
Milton Krasner (La mujer del cuadro / Tú y yo / Siete torres / Reclutas / Las mil y una noches / Perversidad / Eva al desnudo / Creemos en el amor)
Michel Kelber
George Krause
Laszlo Kovacs (Easy rider / New York, New York / Luna de papel)
Takashi Kawamata
Reimar Kuntze
Jules Kruger
Darius Khandji (Delicatessen / La ciudad de los niños perdidos / Seven / Belleza robada)
Janusz Kaminski (La lista de Schlinder / Salvar al soldado Ryan / Jerry Maguire)
Gunther Krampf
Jürgen Kniepe
Edward Klosinski
_l
Charles Lang
Charles Lawton Jr.
Sam Leavitt
Joseph La Shelle
Walter Lasaly (Zorba el griego / Tom Jones)
Phil Lathrop (Días de vino y rosas / A quemarropa / La pantera rosa / Terremoto / Chantaje a una mujer / Danzad, danzad, malditos)
Rodrigo Lalinde
Ernest Laszlo
Ed Lachman
Elgin Lessley
Lu Yue
Walter Lundin
Art Lloyd
Walt Lloyd
José Luis López Linares
Richard Leacok
_m
Subrata Mitra (El río / El mundo de Apu / El invencible / El lamento del sendero)
Hal Mohr
Arthur Miller
Fred Murphy
John Mathieson
Victor Milner
Joe MacDonald
Chris Menges
Rudolph Maté (La pasión de Juana de Arco / Vampyr / Gilda)
Christian Matras
Robby Müller (Rompiendo las olas / Dead man / Bajo el peso de la ley / Mistery train / El borracho / Paris, Texas)
Oswald Morris
Russell Metty
Ira Morgan
Antonio Macasoli
Alfredo F. Mayo
Nicholas Masuraca
Kazuo Miyagawa
Otello Martelli
Carlo Montuori
Kazuo Matsuyama
_n
Asaku Nakai
Sven Nykvist (Persona / Gritos y susurros / Sacrificio / Delitos y faltas / Chaplin / Celebrity / La pequeña / El cartero siempre llama dos veces, 1981)
Armando Nannuzzi
Bruno Nyutten
_o
_p
Carlo di Palma (Deconstructing Harry / Balas sobre Broadway / Hannah y sus hermanas / Blow up / El desierto rojo)
Georges Perinal (Viva la libertad / La sangre de un poeta / El ladrón de Bagdad)
Sol Polito
Franz Planer
Louis Page
Ernest Palmer
Ajace Parolin
Gordon Pollock
Rodrigo Prieto
Cecilio Paniagua (Sonatas / La última aventura)
Jaume Peracaula
Alex Phillips
_q
_r
Robert Richardson
Jean Rabier
Giuseppe Rotunno (Amarcord / El gatopardo / Satyricon /Roma)
John L. Russell
Giuseppe Ruzzolini
Harold Rosson
J. Roy Hunt
Edmund Richard (El proceso / Campanadas a medianoche)
Ray Rennahan (Lo que el viento se llevó)
Ben Reynolds
Günter Rittau
Charles Rosher
Joseph Ruttenberg
Manuel Rojas
Juan Antonio Ruiz Anchía
Phillippe Rousselot
_s
Harry Stradling
Timo Salminen
John F. Seitz
Vittorio Storaro (El último tanto en París / Apocalipsy now / Novecento / Dick Tracy / Goya en Burdeos)
Josef Von Sternberg
Leon Shamroy (Que el cielo la juzgue / Sólo se vive una vez / Las nieves del Kilimanjaro)
Karl Struss
Douglas Slocombe (Ocho sentencias de muerte / El sirviente / El baile de los vampiros / Encuentros en la tercera fase / En busca del arca perdida)
Suh-Shik Hwang
Eduardo Serra (El marido de la peluquera / Jude / No va más)
John Seale (Gallipoli / Único testigo / El club de los poetas muertos / El paciente inglés / Rain man)
Guido Seeber (El estudiante de Praga / Bajo la máscara del placer)
Michael Seresin
George Schneiderman
Tom Stern
Robert Surtees
Per Sundin
Charles Schoenbaum
Jaromir Sofr
Mikael Salomon
Idziak Slawomir
Piotr Sobicinski
Theodor Sparkuhl
Francisco Sempere
Hans Schneeberger
_t
Eduard Tissé (El acorazado Potemkin / Iván el Terrible)
Gregg Toland (Ciudadano Kane / Cumbres borrascosas / Bola de fuego)
Ted Tetzlaff
Rollie Totheroh
Leo Tover
Armand Thirard
Luciano Trassatti
_u
George Unsworth (2001, una odisea del espacio / Cabaret)
_v
Paul C. Vogel
Gianni di Venanzo
Joseph Valentine
Sacha Vierny
_w
Jerzy Wojcik
Gordon Willis (Annie Hall / Interiores / Manhattan / El padrino (I, II y III) / La rosa púrpura del Cairo / Zelig)
Haskell Wexler (¿Quién teme a Virginia Woolf / Esta tierra es mi tierra / Alguien voló sobre el nido del cuco / American graffiti / America America / Días del cielo)
Billy Williams (El estanque dorado / El viento y el león / Gandhi)
Erik Willimuser
Joseph Walker
David M. Walsh
Franz Weihmayr
Fritz Arno Wagner
_x
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Freddie A. Young (Adiós Mr chips / Indiscreta / Doctor Zhivago / La hija de Ryan / El loco del pelo rojo)
Hou Yong
Vadim Yússov
_z
Vilmos Zsigmond
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bibliografía consultada y/o recomendada
-Directores de fotografía del cine español, Francisco Llinás (Filmoteca Española, 1989)
-Directores de fotografía, Peter Ettedgui (Oceano, 1999 -original 1998) http://www.oceano.com/
-Nickelodeon, nº 39 (2003)
-Maestros de la luz, Dennis Schaefer y Larry Salvato (Plot, 1990 -original 1984) http://www.plotediciones.com/
-Guía del cine, Carlos Aguilar (Cátedra, 2009)
-Películas del cine mundial, Augusto M. Torres (Espasa, 2005)
-100 años de cine, Augusto M. Torres (Alianza, 1995)
-Diccionario del cine español, VV.AA. -editor José Luis Borau (Alianza, 1998)
-Diccionario del cine español, Augusto M.Torres (Espasa, 1994)
_ _ _
_en internet
http://www.euskonews.com/0092zbk/gaia9208es.html enlace a un texto del fotógrafo Javier Aguirresarobe

La edad de oro (1930) Luis Buñuel

2011-07-03T11:45:00.004+02:00

La edad de oro (1930) Luis Buñuel
Toda una declaración de principios, tras el impacto de Un perro andaluz (1929), que Buñuel mantuvo con coherencia durante toda su filmografía, que él entendía una expresión de poesía como todo aquello que “pueda contener de sentido liberador, de subversión de la realidad, de umbral al mundo maravilloso del inconsciente, de inconformidad con la estrecha sociedad que nos rodea”. Memorable la escena a los pies de la estatua, una de las cumbres del erotismo y del amour fou.
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cineastas en acción + cineastas contra magnates

2011-07-02T11:36:00.000+02:00

Cineastas en acción (2005) Carlos Benpar
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Cineastas contra magnates (2005) Carlos Benpar
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_Estos dos documentales abordan con testimonios de reconocidos cineastas, nacionales e internacionales, multitud de atentados que sufren las películas por parte de productoras, distribuidoras, censuras, canales de televisión, exhibidores... de cómo se vulneran los derechos morales de las obras, de cómo multitud de cineastas han sido ultrajados y multitud de películas mutiladas, tergiversadas y distorsionadas atentando a su formato, ritmo, encuadre, coloración, diálogo...
_En apenas 3 horas, ambos documentales realizan una labor de documentación, crítica y necesaria, de impagable valor para que se tome conciencia de cómo el cine, este arte tan joven que aún no se toma demasiado en serio, padece agresiones continuadas y muchas veces ni siquiera nos damos cuenta.
_Aunque recomiendo ambos documentales no recomiendo un programa doble con ambos porque quizá sea demasiado doloroso afrontar de golpe tantos desvaríos, injusticias, estupideces y desprecios al cine, pero si se sienten con fuerzas...
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Gate of flesh (1964) Seijun Suzuki

2011-07-01T10:36:00.003+02:00

Gate of Flesh (1964) Seijun Suzuki
El cineasta nipón cada vez recibe más reconocimento, y no es para menos, pues a su indudable talento visual se une un tratamiento del erotismo y la violencia más que estimulantes y originales, siendo esta película un ejemplo sublime, con las andanzas y andanadas de varias prostitutas en un burdel donde no escasea cierto sadismo, todo expresado con simbolismos coloristas y gran cuidado en el aspecto visual. Probablemente sea la obra maestra de Seijun Suzuki.
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Las reglas de oro, por Jim Jarmusch

2011-06-30T00:18:00.003+02:00

Las reglas de oro, por Jim Jarmusch
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REGLA Nº 1
No hay reglas. Hay tantas maneras de hacer una película como cineastas potenciales. Es una forma abierta. Como sea, yo personalmente no sería capaz de decirle a nadie qué hacer o cómo hacer algo. Para mí es como decirle a alguien cuáles deberían ser sus creencias religiosas. A la mierda. Eso va en contra de mi filosofía personal - esto es más un código que una serie de reglas. Por lo tanto, olvídate de las "reglas" que estás leyendo en este momento y considéralas más bien simples notas para mí mismo. Uno debería hacer sus propias "notas" porque no hay una única forma de hacer nada. Si alguien te dice que hay una única forma, su forma, aléjate de él tan rápido como puedas, tanto física como filosóficamente.

REGLA Nº 2
No te dejes agarrar de esos hijos de puta. Ellos no pueden ni ayudarte ni dejar de ayudarte, pero sí pueden detenerte. La gente que financia películas, distribuye películas, promueve películas y exhibe películas no son cineastas. No están interesados en permitir que los cineastas definan y dicten la forma en que hacen sus cosas, así que los cineastas no debemos tener ningún interés en permitirles dictar la forma en que se hace una película. Carga un arma si es necesario.

Además, evita a los diletantes a toda costa. Siempre hay personas por ahí que sólo quieren meterse a hacer cine para volverse ricas, para volverse famosas o para tener sexo. Generalmente saben tanto de cómo hacer cine como George W. Bush de combate cuerpo a cuerpo.

REGLA Nº 3
La producción está ahí para servir a la película. La película no está ahí para servir a la producción. Desafortunadamente en el mundo del cine esto se da casi universalmente al revés. La película no se hace para servir al presupuesto, al cronograma o a las hojas de vida de los involucrados. A los cineastas que no entienden esto deberían colgarlos de los tobillos y preguntarles por qué de pronto el cielo está para abajo.

REGLA Nº 4
El cine es un proceso de colaboración. Tienes la oportunidad de trabajar con otros cuyas mentes e ideas pueden ser más fuertes que las tuyas. Asegúrate de que se mantengan enfocados en su propia función y no en el trabajo de alguien más, o será un desastre. Pero trata a todos tus colaboradores como iguales y con respeto. Un asistente de producción que está deteniendo el tráfico para que el equipo técnico pueda rodar un plano no es menos importante que los actores en escena, el director de fotografía, el director de arte o el director. Las jerarquías son para aquellos cuyos egos están inflados o fuera de control o para la gente que está en el ejército. Aquellos con los que eliges colaborar, si escoges bien, pueden elevar la calidad y el contenido de tu película a un nivel mucho más alto de lo que cualquiera hubiera podido imaginarse por sí solo. Si no quieres trabajar con otras personas pinta un cuadro o escribe un libro (y si quieres ser un maldito dictador parece que por estos días lo único que hay que hacer es meterse a la política...).

REGLA Nº 5
Nada es original. Roba de cualquier sitio que te llene de inspiración o alimente tu imaginación. Devora películas viejas, películas nuevas, música, libros, pinturas, fotografías, poemas, sueños, conversaciones intrascendentes, arquitectura, puentes, señales de tránsito, árboles, nubes, ríos, luces y sombras. Selecciona para robar solamente aquellas cosas que le hablen directamente a tu alma. Si lo haces, tu trabajo (y tu robo) será auténtico. La autenticidad es invaluable; la originalidad no existe. Y no te preocupes en ocultar tu robo - celébralo si hace falta. En cualquier caso recuerda siempre lo que dijo Jean-Luc Godard: "De lo que se trata no es de dónde tomas las cosas, sino de a dónde las llevas".

~~~

http://www.eictv.co.cu/miradas/index.php?option=com_content&task=view&id=757&Itemid=93

Jasón y los Argonautas, la famosa escena, con efectos del gran Ray Harryhausen, de los esqueletos

2011-06-29T10:07:00.001+02:00

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Jasón y los Argonautas (1963) Don Chaffey
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Jasón y los Argonautas
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formatos

2011-06-27T00:07:00.000+02:00

Formatos en el cine (y en la televisión)
_Una película encuadra una visión de la vida en un formato. Se pueden emplear varios formatos de pantalla. Los formatos panorámicos como el cinemascope suelen ser más apropiados para grandes exteriores (como los del western) y los formatos convencionales para interiores, primeros planos... pero esto no es una norma al igual que el empleo de blanco y negro o color no siempre obedece a una voluntad de no distraer con los colores, o de intensificar la narración con los colores, y cada formato tiene sus ventajas e inconvenientes (el cinemascope no es muy apropiado para primeros planos, el ser humano es más bien vertical y el cinemascope es un formato muy horizontal, por eso en las escenas entre personas a veces quedan muchos flancos que ocupar... y el formato convencional no saca todo el partido de los espléndidos paisajes que se extienden en el horizonte, no permite contemplar en su conjunto las impresionantes panorámicas que a menudo muestran las películas en cinemascope) aunque siempre son la manera de delimitar la realidad cinematográfica.

_El formato más corriente tiene una proporción 1,33 o 1,37. Es el formato aproximado de una televisión normal y equivale a 4 veces el ancho por 3 de alto. La nouvelle vague francesa a menudo usaba un formato 1,66 (un formato que se acerca a la clásica proporción áurea de 1,618) mientras que el cinemascope amplía la relación del formato al panorámico 2,35 e incluso 2,66.

_En la televisión, o en la edición en dvd, si el formato no se respeta la película queda deformada lamentablemente. Una televisión de pantalla corriente tiene una proporción de 1,33 por lo que si se proyecta una película en un formato distinto y se respeta el formato aparecen las características franjas negras.

_Señalar también que el formato que hoy se considera el estándar de pantalla panorámica, para televisión o incluso monitor informático, el formato 16/9, tiene una proporción de 1,77 que es bastante equilibrada al no estar muy alejada de la mítica proporción áurea que se cifra en 1,618.

_En cualquier caso, el formato original siempre debe ser respetado. Además, en el caso del cinemascope, si se subtitula en las franjas negras tiene la gran ventaja de facilitar la lectura y no alterar la fotografía y el encuadre original del formato escogido.
_
http://www.pasadizo.com/portada1.jhtml?cod=576 para saber más, mucho más...

libros de cine: ¡que el cielo los juzgue!

2011-06-26T00:01:00.001+02:00

Aunque esto me parece medio bien y medio mal, porque se quedan fuera muchos libros maravillosos, que aprecio, sobre cine, la verdad, toda la verdad, y nada más que la verdad es que mis libros de cabecera, los que más me aportan, consulto y disfruto, son los siguientes.
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Guía del cine, Carlos Aguilar (Cátedra, 2009)
Las guías del cine de Carlos Aguilar llevan décadas en las librerías, bibliotecas y estanterías de miles de cinéfilos. Cada nueva edición aumentada y corregida (hay críticas retocadas) de esta guía es una celebración para los amantes del cine. Otra vez imprescindible, además con índice de directores, títulos en versión original... Un clásico, en realidad una obra maestra, con la que llevo décadas aprendiendo, rara vez discrepo, y en la que echo a faltar muy pocos títulos. Además se puede ver como (y es) una historia del cine, ordenada alfabéticamente. La joya de la corona.
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Guía del cine español, Carlos Aguilar (Cátedra, 2007)
Más de 6.000 películas españolas reunidas en un libro lleno de información, críticas y numerosas ilustraciones seleccionadas por el propio Carlos Aguilar. Un libro tan esperado como necesario en la bibliografía del cine español.
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1001 películas que hay que ver antes de morir, coord. Steven Jay Schneider (Grijalbo, 2010)
Seleccionadas por varios críticos, y a todo color, reúne películas de todos los tiempos, y aunque sorprenden algunas elegidas y se añoran otras no incluídas, es un recorrido cronológico por la historia del cine que no olvida algunos hitos puntuales del cine underground, vanguardista o independiente, lo que supone una cierta amplitud de miras.
:::
Diario de cine, Jonas Mekas (Fundamentos, 1975)
A Mekas le correspondió ser el cronista del nuevo cine americano, sus comentarios abarcan un espectro cinematográfico enorme y apasionado que alaba la maestría de Dreyer, Ford... y se entusiasma ante las vanguardias de su época y el nacimiento de un ser humano espiritual, moderno, dotado de una nueva sensibilidad. Es un monumento al cine.
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La poesía del cine, VV.AA. (revista Litoral nº 235, 2003)
Una antología de textos de altura, con un buen gusto admirable en la presentación gráfica, las ilustraciones, fotografías... Un verdadero placer, un tesoro.
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Cine para adultos. 1001 películas para 1001 noches, por Luis Miguel Carmona y Álex Bassas (T&B, 2007)
Un gozoso y detallado diccionario de películas libidinosas, con más de 1000 títulos..., la mayoría sexuales, algunos eróticos y algunos se podría decir que convencionales, pero nada convencionales. Y aunque no se trata de un libro visual, sino que se apoya en la palabra, también incluye algunos carteles memorables.
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El sexo en el cine y el cine de sexo, Ramon Freixas y Joan Bassa (Paidós, 2000)
Un sensacional repaso, no poco irreverente, que hace honor a su título, y abarca desde los chispazos picantes, a los nudies, la sexploitation, el cine erótico y por último, en lógica secuencia, el cine sexual.
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Películas clave del cine erótico, por Pedro Calleja (Robin Book, 2009)
Jugosa selección, aunque a veces discrepo, que analiza las principales películas del género.
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Animación, Gabriele Lucci (Electa, 2005)

Un interesante manual que incluye biografías de algunos de los genios de la animación, y una buena recopilación de clásicos, y todo ilustrado a todo color. A veces discrepo, pero en conjunto es apreciable.
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Películas clave de la animación, por Jordi Costa (Robin Book, 2010)
Aunque, como es normal, no se puede resumir toda la animación en un libro, en éste la selección de títulos es sobresaliente.
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Animation Now!, VV.AA. (Taschen, 2007)
Centrado en la animación más contemporánea, este libro es sobre todo visual, como es natural en su editorial, pero muy vivo. Y además incluye un añadido audiovisual, con antológicas animaciones, aunque no en la edición económica.
~
Y respecto a la red, el blogroll y los enlaces ya hablan de los puertos de cabecera hacia los que navego más a menudo.

Metáforas sobre la visión, por Stan Brakhage

2011-06-23T00:17:00.000+02:00

:::
Metáforas sobre la visión, por Stan Brakhage
_Imaginar un ojo no gobernado por las leyes de la perspectiva hechas por el hombre, un ojo no-prejuiciado por la lógica composicional, un ojo que no responde al nombre de todo, pero el cual tiene que conocer cada objeto encontrado en la vida a través de la aventura de la percepción. ¿Cuántos colores hay en un campo de hierba para el bebé, que gatea ignorante del “verde”? ¿Cuántos arcoiris puede crear la luz para el ojo no educado? ¿Cuán consciente de las variaciones en las ondas de calor puede estar ese ojo? Imaginar un mundo poblado de objetos incomprensibles y estremecido por una interminable variedad de movimientos e innumerables gradaciones de color. Imaginar un mundo antes de aquello de “al comienzo fue la palabra”.
_Ver es retener-percibir. La eliminación de todos los temores es, en la mirada, aquello a lo que tenemos que aspirar. Una vez la visión pudo haber sido dada –lo cual parece connatural al ojo del infante, un ojo que refleja la pérdida de la inocencia con más elocuencia que cualquier otro rasgo humano, un ojo que pronto aprende a clasificar miradas, un ojo que refleja el movimiento del individuo hacia la muerte debido a su creciente inhabilidad para ver.
_Pero uno nunca puede regresar, ni siquiera en la imaginación. Después de la pérdida de la inocencia, solo el conocimiento puede equilibrar el vacilante eje. A pesar de ello sugiero que existe una búsqueda del conocimiento extraña al lenguaje y fundada en la comunicación visual, que demanda un desarrollo de la mente óptica y dependiente de la percepción en el sentido original y más profundo de la palabra.
_Suponer que la Visión del santo y del artista sea una habilidad incrementada para ver. Permitir a las llamadas alucinaciones entrar al dominio de la percepción, aceptando que la humanidad siempre encuentra una terminología despreciativa para todo lo que no parece ser fácilmente usable; aceptar las visiones del sueño, ilusiones o pesadillas, admitiendo incluso que las abstracciones, que tan dinámicamente se mueven cuando apretamos los párpados, son percibidas. Estar consciente del hecho de que no estás únicamente influenciado por los fenómenos que focalizas y tratar de sondear el sentido profundo de toda influencia visual. No hay necesidad de que el ojo de la mente sea anestesiado después de la infancia, a pesar de que en esa edad el desarrollo de la comprensión visual es casi universalmente descuidado.
_Esta es una edad en la cual no hay otro símbolo para la muerte que el cráneo y los huesos propios de un estado de descomposición... y es una edad que vive en el temor de la aniquilación total. Es un tiempo obsesionado por la esterilidad sexual, a la vez que casi totalmente incapaz de percibir la naturaleza fálica de cada manifestación destructiva de sí mismo. Una edad que, artificialmente, busca proyectarse como estado material dentro del espacio abstracto y así satisfacerse mecánicamente, pues se ha cegado a casi toda realidad externa que penetre a través de la vista e incluso a la conciencia orgánica de las propiedades de los movimientos físicos que expresan su propia perceptibilidad. Las primeras pinturas de las cavernas que fueron descubiertas, demostraron que el hombre primitivo tenía mayor comprensión que la nuestra de que el objeto de nuestro miedo tiene que ser objetivado. La historia entera de la magia erótica es la de la posesión del temor a través del aferramiento a él. La última búsqueda de visualización ha sido dirigida hacia Dios, más allá de la posible comprensión humana de que no puede haber amor donde se encuentra el miedo. Aún más, en esta época contemporánea, ¿cuántos de nosotros luchamos todavía para percibir profundamente nuestros propios niños?
_El artista ha acarreado la tradición de lo visual y la visualización a través de las épocas. En el presente, unos pocos han continuado el proceso de la percepción visual en su más profundo sentido y transformado sus inspiraciones en experiencias cinematográficas. Ellos crean un nuevo lenguaje, hecho posible por la imagen en movimiento. Crean donde mismo antes de ellos el miedo ha creado la más grande necesidad. Están esencialmente preocupados y negocian mediante sus imágenes con el nacimiento, el sexo, la muerte y la búsqueda de Dios.
---
-----Traducción: Víctor Fowler Calzada
Esta es la sección inaugural del libro de Stan Brakhage Metáforas sobre la visión (1963), parte de la cual es reimpresa, junto con otros textos, en el libro Essential Brakhage: Selected Writings on Filmmaking (McPherson and Company, 2001.
https://www.mcphersonco.com/?f[0]=shh&pdID=39)
-encontrado en la web: http://www.eictv.co.cu/miradas/index.php?option=com_content&task=view&id=203&Itemid=49
:::
http://www.contrapicado.net/alternativa.php?id=5 un texto muy interesante sobre la obra de Brakhage
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Jack Arnold: Tarántula + El increíble hombre menguante

2011-06-22T09:49:00.000+02:00

A menudo directores de sobrado talento, acreditado por películas notables e incluso obras maestras, quedan a la sombra, injustamente olvidados o relegados en la historia del cine. Y en este caso se encuentra, todavía, Jack Arnold, director de estos dos clásicos, que sin duda no pueden deberse a la mera casualidad (no se hacen obras maestras sin talento). Así pues este es un programa doble dedicado al gran Jack Arnold. ¡No se lo pierdan!.
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Tarántula (1955) Jack Arnold.
Una de las mayores joyas de la ciencia-ficción de los 50, y al mismo tiempo todo un clásico de las monster movies, con una inquietante atmósfera de terror, un espléndido uso del desierto como escenario para una historia que juega con elementos en principio sencillos pero no por ello menos perturbadores.
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El increíble hombre menguante (1957) Jack Arnold.
Una obra maestra de la ciencia-ficción por la que no pasan los años, pues se halla dotada de un notable sentido cinematográfico, desarrolla un guión genial y sorprende con unos inolvidables efectos especiales que harán las delicias de los espectadores... las delicias aterradoras de los espectadores. Se trata de un film inolvidable, lógica evolución del anterior, y tan fantástico como inquietante. Cine creciente.
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Sócrates (1971) Roberto Rossellini

2011-06-21T12:19:00.000+02:00

Sócrates (1971) Roberto Rossellini
El gran director italiano decidió abandonar la realización cinematográfica... sólo en parte, pues con sus semblanzas históricas para la televisión italiana siguió mostrando la maestría y el compromiso moral, la preocupación por la naturaleza humana, que lo hicieron un autor imprescindible en la historia del cine. Sócrates no podía haber tenido una aproximación mayor ni mejor que la emprendida (y realizada) por Roberto Rossellini.
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Sócrates v.o.s.e.
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esto del cine...

2011-06-20T00:04:00.002+02:00

_Quienes vivimos en provincias, que bien mirado somos casi todo el mundo, de vez en cuando nos encontramos con estos problemas.
_El primero no es un problema, sencillamente es que te chinchas porque la película no llega a los cines de tu ciudad. Siempre se puede peregrinar a una gran ciudad si se dispone de tiempo y dinero, pero no suele ser el caso.
_Pero si la película llega a los cines de tu ciudad, entonces viene el segundo problema, que no va a llegar con la posibilidad de verla en versión original subtitulada, llega doblada y punto, y aún tienes que alegrarte de que llegue, ¿o no?. Porque, claro, siempre está la posibilidad de decirse, "me espero a que salga en dvd y entonces la veo en versión original subtitulada, aunque sea en el monitor". Creo que por estas cosas el blog lo llamo "pequeño cine original", porque para la mayoría el cine en versión original subtitulada sólo es posible en una pantalla doméstica, y a menudo a través de la enorme generosidad anónima y cinéfila de la red. No es lo ideal, pero ¿qué es mejor, ver una película en el cine, pantalla grande, sonido genial, toda la magia del proyector, pero escuchar unas voces ajenas a la película, o verlo en pequeñito, en casita, pero con las interpretaciones originales y unos subtítulos?. En realidad, incluso en esta opción los subtítulos acaban afectando al film, porque todo el trabajo de fotografía se hace pensando en una composición que los subtitulados alteran, tanto físicamente como por la distracción de la atención.
_Al final, uno no sabe qué es mejor, el cine es más visual que verbal, pero la voz es gran parte de las interpretaciones... ¿Qué fue antes el huevo o la gallina?. A veces, viendo maravillas de Renoir, me dan rabia los subtítulos, pero por otra parte, no las quiero dobladas, me gusta escuchar los matices de cada idioma. ¡¡¡Esto no es un problema, simplemente no tiene solución!!!
_Ah, normalmente hablamos de ver cine en versión original, y no es así, vemos normalmente cine en versión original subtitulada, la versión original es la que no lleva subtítulos, pero nunca somos lo bastante políglotas.
_Esto del cine...
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Richard Lester: ¡Qué noche la de aquel día! (1964) + El knack... y cómo conseguirlo (1965)

2011-06-19T00:03:00.001+02:00

Programa doble
Richard Lester
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¡Qué noche la de aquel día! (1964) Richard Lester
The Beatles debutan en el cine con un musical, innovador en su estética, que reveló a su director. Una película históricamente importante, imprescindible para los fans, que quizá haya quedado como parte de una época, pero sigue siendo como poco tarareable.
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El knack... y cómo conseguirlo (1965) Richard Lester
Tras darse a conocer con "¡Qué noche lo de aquel día!". Lester iba enfilado, y se consagró con esta gozosa y chispeante película. En el swinging London, con referencias a la cultura mod, el director esboza una comedia ligera y fresca sobre el "gancho" (el poder de seducción, el imán sexual) con desparpajo, y no poca irreverencia. Expresa, como pocas películas, cierta rebeldía lúdica (esto parece que se considera un binomio imprescindible) juvenil de su época. La música, lejos de quedarse atrás, corrió a cargo de John Barry.
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la inventiva patria: algunos títulos españoles de películas extranjeras

2011-06-18T00:01:00.003+02:00

_La inventiva patria con los títulos (españoles) de las películas extranjeras no tiene límite, y quizá no merece un desenfadado y jocoso, bueno, a veces nada jocoso, recopilatorio, pero ahí va. Pocas veces el título dado para la distribución española supera el original, aunque me gusta mucho "Centauros del desierto", que añade una dimensión mítica a "The searchers", obra maestra de John Ford.
_Sin hacer distinciones entre películas, aquí hay tanto obras maestras como cosas abominables, ni géneros (incluso hay algo de cine sexual -el colmo de los títulos sonrojantes-) primero va el título conocido en España, luego el original y después, entre paréntesis, una traducción aproximada del título.
_Y, para acabar... bueno, una gran sorpresa: ¡un título fiel al original!.
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-Acordes y desacuerdos, Woody Allen, 1999
“Sweet and Lowdown” (Dulce y detallista)
-Acorralado, Ted Kotcheff, 1982
“First blood” (Primera sangre)
-Agárralo como puedas, David Zucker, 1989
“The Naked Gun” (El arma desnuda)
-Agárrame esos fantasmas, Peter Jackson, 1996
“The Frighteners” (Los asustadores)
-Algo para recordar, Nora Ephron, 1993
“Sleepless in Seattle” (Insomnes en Seattle)
-All That Jazz (Empieza el espectáculo), Bob Fosse, 1979
“All That Jazz” (Todo ese jazz)
-Amor a quemarropa, Tony Scott, 1993
“True Romance” (Un romance verdadero)
-Aterriza como puedas, Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker, 1980
“Airplane!” (¡Aeroplano!)
-A todo gas, Rob Cohen, 2001
“The Fast and the Furious” (El rápido y el furioso)
-Atraco perfecto, Stanley Kubrick, 1956
“The Killing” (El asesinato)
-Atrapado en el tiempo, Harold Ramis, 1993
“Groundhog day” (El día de la marmota)
-Atrapado por su pasado, Brian de Palma, 1993
“Carlito’s Way” (El camino de Carlito)
-Cadena perpetua, Frank Darabont, 1994
The Shawshank Redemption (La redención Shawshank)
-Centauros del desierto John Ford, 1956
“The Searchers” (Los buscadores)
-Con faldas y a lo loco, Billy Wilder, 1959
“Some Like It Hot” (Algunos las prefieren calientes)
-Con la muerte en los talones, Alfred Hitchcock, 1959
“North by Northwest” (Norte por noroeste)
-Crimen perfecto, Alfred Hitchcock, 1954
“Dial M for a Murder” (Marque la A –M- para un asesinato –Murder-)
-Danzad, danzad, malditos, Sidney Pollack, 1969
“They Shoot Horses, Don’t They?” (Ellos disparan a caballos, ¿verdad?)
-De pelo en pecho, Rod Daniel, 1985
“Teen Wolf” (Lobo adolescente)
-Desayuno con diamantes, Blake Edwards, 1961
“Breakfast at Tiffany’s” (Desayuno en Tiffany)
-Diario de un rebelde Scott Kalvert, 1995
“The Basketball Diaries” (Los diarios del baloncesto)
-Doce del patíbulo Robert Aldrich, 1967
“The Dirty Dozen” (La docena sucia)
-Dos hombres y un destino, George Roy Hill, 1969
“Butch Cassidy and the Sundance Kid” (Butch Cassidy y el chico Sundance)
-Dos policías rebeldes, Michael Bay, 1995
“Bad Boys” (Chicos malos)
-El crepúsculo de los dioses, Billy Wilder, 1950
“Sunset Boulevard” (intraducible)
-El diablo sobre ruedas, Steven Spielberg, 1971
“Duel” (Duelo)
-El diario de Noa, Nick Cassavetes, 2004
“The Notebook” (El cuaderno)
-El fotógrafo del pánico, Michael Powell, 1960
“Peeping Tom” (El fisgón)
-El hotel de los líos, William A. Seiter, 1938
“Room Service” (Servicio de habitaciones)
-El ladrón de orquídeas, Spike Jonze, 2002
“Adaptation” (Adaptación)
-El precio del poder, Brian De Palma, 1983
“Scarface” (Caracortada)
-El protegido, M. Night Shyamalan, 2000
“Unbreakable” (Irrompible)
-Ellas dan el golpe
“A League of their Own” (Una liga propia)
-Entre copas, Alexander Payne, 2004
“Sideways” (De reojo)
-Esta casa es una ruina, Richard Benjamin, 1986
“The money pit” (El agujero del dinero)
-Falsas apariencias, Jonathan Lynn, 1999
“The Whole Nine Yards” (Las nueve yardas enteras)
-Golfus de Roma, Richard Lester, 1966
“A Funny Thing Happened on the Way to the Forum” (Algo divertido sucedió de camino al Foro)
-Granujas a todo ritmo, John Landis, 1980
“The Blues Brothers” (Los hermanos Blues)
-Hasta que llegó su hora, Sergio Leone, 1968
“C’era una volta il west” / “Once Upon a Time in the West” (Érase una vez en el oeste)
-La búsqueda Jon Turteltaub, 2004
“National Treasure” (Tesoro Nacional)
-La jungla de cristal, John McTiernan, 1988
“Die Hard” (Duro de matar)
-La ley del silencio, Elia Kazan, 1954
“On the Waterfront” (En el muelle)
-La leyenda de la ciudad sin nombre, Joshua Logan, 1969
“Paint your Wagon” (Pinta tu carreta)
-La leyenda del indomable, Stuart Rosenberg, 1967
“Cool Hand Luke” (Luke mano tranquila)
-La loca historia de las galaxias, Mel Brooks, 1987
“Spaceballs” (Bolas espaciales)
-La semilla del diablo, Roman Polanski, 1968
“Rosemary’s Baby” (El bebé de Rosemary)
-Le llaman Bodhi, Kathryn Bigelow, 1991
“Point Break” (Punto de ruptura)
-Los caballeros de la mesa cuadrada (y sus locos seguidores), Terry Jones y Terry Gilliam, 1974
“Monty Python and the Holy Grail” (Monty Python y el Santo Grial)
-Los fantasmas atacan al jefe, Richard Donner, 1988
“Scrooged” (intraducible)
-Los inmortales, Russell Mulcahy, 1986
“Highlander” (Los de las tierras altas del norte –Escocia-)
-Los padres de él, Jay Roach, 2000
“Meet the Fockers” (Conociendo a los Fockers)
-Los sobornados Fritz Lang, 1953
“The Big Heat” (El gran calor)
-Mamá, hay un hombre blanco en tu cama, Coline Serreau, 1989
“Romuald et Juliette” (Romuald y Juliette)
-¡Me ha caído el muerto!, David Koepp, 2008
“Ghost Town” (Pueblo fantasma)
-Monstruoso, Matt Reeves, 2008
“Cloverfield” (intraducible)
-Muerte entre las flores, Joel Cohen, 1990
“Miller’s Crossing” (La encrucijada de Miller)
-¡Olvídate de mí!, Michel Grondy, 2004
“Eternal Sunshine of the Spotless Mind” (Eterno resplandor de una mente sin recuerdos)
-Pánico en el túnel, Rob Cohen, 1996
“Daylight” (Luz del día)
-Perdición, Billy Wilder, 1944
“Double Indemnity” (Doble indemnización)
-Posesión infernal, Sam Raimi, 1982
“The Evil Dead” (El mal muerto)
-Pozos de ambición (Petróleo sangriento), Paul Thomas Anderson, 2007
“There Will Be Blood” (Habrá sangre)
-¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre?, Billy Wilder, 1972
“Avanti!” (¡Adelante!)
-Seducción a la carta, Mark Tarlov, 1999
“Simply Irresistible” (Simplemente irresistible)
-Solo ante el peligro, Fred Zinnemann, 1952
“High Noon” (Pleno mediodía)
-Sonrisas y lágrimas, Robert Wise, 1965
“The Sound of Music” (El sonido de la música)
-Soñando, soñando… triunfé patinando, Tim Fywell, 2005
“The Ice Princess” (La princesa del hielo)
-¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú, Stanley Kubrick, 1963
“Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb”
(Dr. Amorextraño o como dejé de preocuparme y amé a la bomba)
-Tiburón, Steven Spielberg, 1975
“Jaws” (Mandíbulas)
-Tú asesina, que nosotras limpiamos la sangre, Red Braddock, 1996
“Curdled” (Coágulo)
-Tu madre se ha comido a mi perro, Peter Jackson, 1991
“Braindead” (Cerebro muerto)
-Tú y yo, Leo McCarey, 1957
“An Affair to Remember” (Un asunto para recordar)
-Un canguro superduro, Adam Shankman, 2005
“The Pacifier” (El Pacificador)
-Uno de los nuestros, Martin Scorsese, 1990
“Goodfellas” (Buenos tipos)
-Ultimátum a la Tierra, Robert Wise, 1951
“The Day the Earth Stood Still” (El día en que la Tierra aguantó)
-Zombies Party, Edward Wright, 2004
“Shaun of the Dead” (Shaun de los muertos)
-Océanos de fuego, Joe Johnston, 2004
"Hidalgo" (Hidalgo)
-Very important perros, Christopher Guest, 2000
"Best in show" (Los mejores de la exposición)
-Apocalipsis now, Francis Ford Coppola
"Apocalypse now" (Apocalipsis ahora)
-Ángeles y demonios, Gregory Wilden, 1995
"The prophecy" (La profecía)
-Siete almas, Gabriele Muccino, 2008
"Seven pounds" (Siete libras)
-La maté porque era mía, Patrice Leconte
"Tango" (Tango)
-Cuestión de honor, Gavin O'Connor, 2008
"Pride and glory" (Orgullo y gloria)
-Plan diabólico, John Frankenheimer
"Seconds" (Segundos)
-Con faldas y a lo loco, Billy Wilder
"Some like it hot"
-Satán mon amour, Paul Wandkos, 1971
"The Mephisto waltz"
-Terroríficamente muertos, Sam Raimi, 1986
"Evil dead 2"
-La guerra de las galaxias, George Lucas, 1977
"Star wars" (Las guerras de la estrella)
-Miss Muerte, Jesús Franco, 1965
"Dans les griffes du manïaque" (Bajo las garras del maníaco)
-Paraíso porno, Henry Paris, 1976
"The opening of Misty Beethoven" (La iniciación de Misty Beethoven")
-Lujuria desenfrenada, Henry Paris, 1975
"Naked came the stranger" (Desnudo vino el extraño)

-El imperio de los sentidos, Nagisa Oshima, 1976

"Ai no corrida" (quizá algo así como "El combate del amor", la chistosa "corrida", se refiere a las corridas de toros)

-Al final de la escapada, Jean Luc Godard, 1959
"À bout de souffle" (algo así como "Sin aliento", título con el que se conoce en Argentina)
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Y, por último, una traducción sencilla y pura del gran milagro del cine (por si no se ha notado es mi película favorita)
-La palabra, Carl T. Dreyer, 1955
"Ordet"
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Víctor Erice en corto: La morte rouge (2006) + Alumbramiento (2002)

2011-06-17T11:39:00.003+02:00

Programa doble
Víctor Erice en corto
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La morte rouge (2006) Víctor Erice
El director de "El espíritu de la colmena", "El sur", y "El sol del membrillo", es una de las miradas más personales de las últimas décadas, y no sólo en el cine español. Con motivo de una experiencia museística que estableció una correspondencia entre Abbas Kiarostami y el propio Erice (ambos nacidos el mismo año) el realizador creó este trabajo, narrado de viva voz, en el que muestra su alumbramiento al mágico y aterrador mundo del cine.
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Alumbramiento (2002) Víctor Erice
Formando parte del film colectivo "Ten minutes older", Víctor Erice crea un corto magnífico, de apenas 10 minutos, que revela todavía su talento, inquietudes y personalidad, a pesar de que hace décadas que se le resiste llevar a buen puerto un largometraje.
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Freak Orlando (1981) Ulrike Ottinger

2011-06-16T09:21:00.001+02:00

Freak Orlando (1981) Ulrike Ottinger
Quizá la película que más y mejor se ha ocupado de reivindicar a las minorías. La directora logra un film intenso, complejo, vitalista, en el que la figura de Orlando, creada por Virginia Woolf y que puede cambiar de sexo y atravesar los siglos, vertebra un relato vibrante, surrealista, colorista, que fluye sin hilazón argumental a través de 5 episodios, en los que las minorías marginadas, despreciadas, burladas... atraviesan la historia. El film es una oda a la singularidad que no tiene parangón en la historia del cine. ¡Viva la diferencia!
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El giallo: El ojo del laberinto (1972) Mario Caiano + El asesino ha reservado nueve butacas (1974) Giuseppe Bennati

2011-06-15T00:03:00.000+02:00

Gracias al fenomenal esbilla cinematográfica popular, descubro cada vez más perlas, a menudo ensangrentadas, del giallo. Aquí hay un buen par de ejemplos:
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Programa doble
Giallo
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El ojo del laberinto (1972) Mario Caiano
Una gran sorpresa, y no sólo por los serpenteantes chispazos del relato, sino por la apuesta visual, decididamente audaz, ingeniosa, vencedora, que va más allá de las normas del género y encuentra una identidad propia muy original y estimulante. Se trata de uno de esos films que tienen poco nombre pero mucha personalidad, injustamente poco conocidos. Una joyita.
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El asesino ha reservado nueve butacas (1974) Giuseppe Bennati
Una premisa argumental llena de posibilidades, con influencias bien asimiladas, que el director logra llevar a buen puerto. El film acerca el giallo a lo fantástico tanto como a cierta caracterización y crítica burguesa-social, pero esto, que suena complicado y enmarañado, el director lo va plasmando con oficio, virtud no por poco ensalzada más necesaria. A menudo, las influencias más notables acaban desvirtuadas en las traslaciones empobrecedoras al cine de género, pero no es el caso de este film, una obra de un "buen artesano", realizada con "buen oficio", dos expresiones que merecen ser reivindicadas con urgencia.
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el erotismo a través de los tiempos

2011-06-14T11:22:00.015+02:00

_Hace poco vi un largo documental sobre los 100 momentos más sexys de la historia del cine, que me pareció muy decepcionante, daba la impresión de que el erotismo se inventó ayer por la mañana, casi todo era muy reciente, y no habían escarbado gran cosa... Así que, parafraseando el clásico del cine de terror, "Haxan, la brujería a través de los tiempos", empiezo una lista con películas en las que aparecen momentos eróticos históricamente relevantes para su época, o que a mí me parecen interesantes. Quiero decir esos momentos, pues hay películas que en sí son bastante prescindibles, pero para estos casos se inventó el avance rápido. Yo hice abundante uso de él durante el visionado del documental, ¡que duraba 3 horas!.

_Ah, la mayoría de films no son ni sexploitation, ni eróticos ni sexuales, salvo unas pocas excepciones que tienen valor representativo por sí mismas, sino que son películas en las que el erotismo fluye a través del argumento, como siempre ¡a través de los tiempos!.

El erotismo a través de los tiempos
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1896 El beso -el primer beso, y el primer escándalo
1915 A fool there was –con la "vamp" Theda Bara
1915 A free ride –primer film sexual conservado, aunque al poco de inventarse el cine...
1915 Hypocrites –
1916 Daughter of the gods -
1919 Anders als die Andern -homosexualidad masculina
1920 Way down west -
1921 El caíd –con el sex-symbol Rodolfo Valentino
1922 Haxan - no sólo la brujería, sino también el erotismo a través de los tiempos
1927 El demonio y la carne - el título ya pone en situación...
1927 Hula –con la "flapper" Clara Bow
1927 Amanecer - obra maestra de Murnau
1928 El viento - Lillian Gish en una obra sublime de Sjostrom
1929 Un perro andaluz -¡¡¡Buñuel y Dalí!!!
1929 La caja de Pandora -con la maravillosa Louise Brooks
1929 Tres páginas de un diario –con Louise Brooks
1930 La edad de oro -amour fou con el pie de una estatua
1930 El ángel azul -la revelación de Marlene Dietrich, su nombre empezaba como un susurro y acababa como un latigazo

1930 Marruecos - con Marlene Dietrich
1931 Doctor Jekyll y Mr Hyde - además una notable película de Mamoulian
1931 Mujeres de uniforme -un notable film, insignia del lesbianismo cinematográfico
1931 Mata Hari -Dietrich
1931 Tabú - de Murnau
1932 Betty Boop -cartoon de lo más erótico para su época, ¡lo adoro!
1932 Ave del paraíso -deliciosa sensualidad y gozoso erotismo con Dolores del Rio
1932 Un ladrón en la alcoba - "Lubitsch dice más cosas con una puerta cerrada que la mayoría de los directores con una bragueta abierta", palabras de su notable discípulo Billy Wilder
1932 La venus rubia -Dietrich
1932 El signo de la cruz - aprovechando las posibilidades históricas... ¡venga orgías!
1933 Éxtasis –desnudo integral con Hedy Lamarr
1933 King Kong -la bella y la bestia
1933 La reina Cristina de Suecia -con Greta Garbo
1933 Footlight parade -
1933 Gold diggers 1933 -sensacional musical
1933 No soy ningún ángel –el ingenio y la chispa de la inimitable Mae West
1934 Tarzan y su compañera -la escena acuática sigue siendo deliciosa
1941 Las tres noches de Eva – Barbara Stanwyck
1943 The outlaw – con Jane Russell
1944 Perdición - con Barbara Stanwyck
1944 Laura –el misterio se llama Gene Tierney
1944 Tener y no tener –con Bogart y Lauren Bacall
1946 Duelo al sol -el final es incendiario
1946 Gilda –con el sugerente número de Rita Hayworth, ¡¡¡la cumbre del erotismo!!!
1946 El cartero siempre llama dos veces -con Lana Turner
1949 Arroz amargo -con Silvana Mangano
1951 Un tranvía llamado deseo -Marlon Brando y Vivien Leigh
1951 Susana / Demonio y carne -el erotismo en Buñuel, ¡para llenar libros enteros!
1952 Un verano con Mónica -con Harriet Andersson
1952 Cantando bajo la lluvia –con Cyd Charisse y sus piernas (aseguradas en 5 millones de dólares)
1953 De aquí a la eternidad -la escena de la playa
1953 Los caballeros las prefieren rubias -MM y Jane Russell
1953 Niágara -con Marilyn Monroe
1954 La condesa descalza –Ava Gardner
1955 Teaserama -un burlesque con la mítica pin-up Bettie Page (y con Tempest Storm)
1955 La tentación vive arriba -MM
1956 Y Dios... creó a la mujer -y a Brigitte Bardot
1956 Baby doll - antes de Lolita ya había acalorado lo suyo Carroll Baker
1958 La gata sobre el tejado de zinc –con Barbara Stanwyck, Jane Fonda
1958 Los amantes - una obra maestra de Louis Malle, con Jeanne Moreau
1958 Vértigo - quizá la mayor obra maestra de Hitchcock
1959 Hiroshima mon amour -posee escenas de exquisita sensualidad
1959 The immoral Mr. Teas –Russ Meyer con sus nudies
1959 Con faldas y a lo loco -con MM
1960 La dolce vita -la escena de la Fontana di Trevi es todo un icono del cine
1959 El fotógrafo del pánico -con perturbadoras conexiones entre erotismo y violencia
1960 Psicosis - perturbadoras cuestiones psicosexuales, por el maestro Hitchcock
1961 Esplendor en la hierba - con Natalie Wood y Warren Beatty
1961 Viridiana -una cumbre del maestro Buñuel
1962 Lolita - escandalosa en su día, no era para tanto
1962 La gata negra –Barbara Stanwyck, Jane Fonda... y un prostíbulo
1963 El silencio -Bergman dota de un convincente erotismo a esta gran película
1964 James Bond contra Goldfinger –la brillante y fría mujer dorada
1964 Gate of flesh –prostitutas coloristas niponas por Seijun Suzuki
1964 Lorna - Russ Meyer ganando terreno
1965 Faster, pussycat! Kill! Kill! - Russ Meyer avanzando
1965 Repulsión -sexualidad morbosa con la Deneuve
1966 Blow up - Antonioni revela el vello púbico en público
1966 Hace un millón de años –con una atractiva y primitiva Raquel Welch
1966 Belle de jour - la bella de día, azotada en un bosque...
1967 El graduado - la hija, la madre... el hombre
1967 El baile de los vampiros -Sharon Tate y Roman Polanski
1967 Soy curiosa - con escenas muy frescas
1967 Inga –con la iniciación de Marie Liljedahl

1967 Diabolik -con John Philip Law y Marisa Mell
1968 Barbarella -con Jane Fonda y una máquina extasiadora, a la que funde los plomos
1968 Therese and Isabelle -notable melodrama lésbico
1968 Vixen! -erótico título para la revelación erótica de Russ Meyer
1968 Carne -con Isabel Sarli, "sos la ternera más linda y más jugosa"
1969 Necronomicon -surrealista fantasía erótica de Jesús Franco
1969 Venus in furs - otra joya erótica del primer Jesús Franco
1969 Mujeres enamoradas –controvertida pelea masculina, sin más ropa que la piel
1969 Eugenie –con Marie Liljedahl
1970 Vampyros lesbos –con Soledad Miranda
1971 Yo soy ninfómana -de Max Pecas
1971 La perversa señora Ward –con Edwige Fenech
1972 Todos los colores de la oscuridad - también con Edwige Fenech
1972 El último tango en París -un poco más y todavía dura la polémica
1972 Baba Yaga - basado en el cómic "Valentina" de Crepax

1972 Garganta profunda -el film mítico-cómico del cine sexual
1973 Tras la puerta verde -con Marilyn Chambers, el cine sexual se hace lisérgico
1973 El diablo en la señorita Jones -con Georgina Spelvin, Gerard Damiano hace arte del cine sexual
1973 Amenaza en la sombra –un comienzo inusualmente apasionado y realista
1973 Delicias turcas - irregular pero salpicada de chispazos libidinosos
1973 Malicia -con Laura Antonelli convirtiéndose en sex-symbol
1973 Sex & fury -un clásico de la pinky-violence
1974 Cuentos inmorales -cuatro piezas de orfebrería erótica
1974 Deslizamientos progresivos del placer –fragmentos aislados en un conjunto pasado de rosca
1974 Las hijas de Drácula - vampirismo lésbico sugerente y aterrador
1974 Las mil y una noches -con imágenes memorables
1975 Historia de Joanna -otra obra maestra del cine sexual y de Gerard Damiano
1975 Alucarda -estimulante amalgama de erotismo y terror
1975 La bestia - al mismo tiempo explícita y muy cuidada estéticamente
1975 Historia de O - el sadomasoquismo al alcance del gusto popular
1975 The Rocky Horror Picture Show -travestismo, confusión sexual y Susan Sarandon
1974 Emmanuelle -el hábil clásico popular del cine erótico
1976 The image - el clásico del BDSM explícito
1977 Bilitis -amable amour "flou", de David Hamilton
1978 Tres mujeres inmorales - más historias depravadas y sensuales
1978 La pequeña - un burdel, y una mejor, pero con la elegancia de Malle
1976 El imperio de los sentidos -la obra (para mí maestra) que mejor ha unido la narrativa convencional con el sexo explícito
1981 El cartero siempre llama dos veces -con Jack Nicholson y Jessica Lange desatados, aunque se cotillea que en realidad muy atados...
1982 Fuego en el cuerpo -un thriller que hace honor a su ardiente título
1983 La llave secreta -con Stefania Sandrelli, por Tinto Brass
1985 Matador - el deseo y la muerte
1986 En el nombre de la rosa - el primer amor
1986 Terciopelo azul - erotismo, violencia, perversidad... vertebran la inquietante obra maestra de David Lynch
1987 La ley del deseo - el deseo masculino-masculino
1989 ¡Átame! - curioso buzo en la bañera, curioseando
1991 Amantes - con reveladoras escenas eróticas
1992 El amante - algo meliflua adaptación de la novela de Marguerite Duras
1992 Herida -otra gran obra de Louis Malle
1992 Lunas de hiel -una de las grandes películas de Polanski
1992 Instinto básico -en su día impactante el cruce de piernas
1993 La ardilla roja - contiene destacados ramalazos eróticos
1996 Belleza robada - la Toscana es un buen escenario para descubrir lo que todos imaginan
1996 Crash -perversión del metal y la carne
1997 Boogie nights -el mundillo del cine sexual relatado con mucha maestría
2000 Intimidad -realismo sexual en una relación pasajera
2001 Mulholand drive -sugerente lesbianismo
2001 A ma soeur! - trágica seducción adolescente
2001 Hable con ella -la escena metafórica
2002 Secretary -lo más interesante, con diferencia, que he visto en la última década
2003 Soñadores -aunque parece mayo ¡del 69!
2003 Torremolinos 73 - interesante recreación de una época y lugar
2005 El sabor de la sandía -la sandía del inicio y los números musicales, y...
2005 Match point -la escena de la lluvia...
2005 Una historia de violencia - aunque lo mejor son las escenas eróticas
2006 Shortbus -una revelación erótica, sexual y sensual, ¡todo!
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biblio / internet
-Películas clave del cine erótico, por Pedro Calleja (Robin Book, 2009)
-Cine erótico, por Douglas Keesey (Taschen, 2005) incluye un poco de historia del género, la influencia de la censura... numerosos títulos, citas sobre el erotismo...
-Cine para adultos. 1001 películas para 1001 noches, por Luis Miguel Carmona y Álex Bassas (T&B, 2007) diccionario de películas detallado, con más de 1000 títulos y mucha historia
-El cine de gays y de lesbianas, por Boze Hadleigh (Odín ediciones, 1996)
-El sexo en el cine y el cine de sexo, por Joan Bassa y Ramón Freixas (Paidós, 2000) forma un díptico sensacional con el siguiente título
-Cine, erotismo y espectáculo, por Ramón Freixas y Joan Bassa (Paidós, 2005) -http://www.filmsite.org/sexinfilms.html

la naturaleza: La luz azul (1932) Leni Riefenstahl + Muerte en los pantanos (1958) Nicholas Ray

2011-06-13T13:47:00.002+02:00

Programa doble

La naturaleza

La luz azul (1932) Leni Riefenstahl
A veces pienso que deberíamos ver las películas sin saber quién las ha dirigido, para no estar condicionados... durante años me negué a ver, ni siquiera por su importancia cinematográfica e histórica nada de Leni Riefenstahl, pero ayer vi "La luz azul" (1932)... Todo el mundo tiene un pasado, pero en este caso mucho más bucólico y digno. En aquella época, se estilaban en Alemania las "películas de montaña", de las que ésta es un ejemplo de lo más agradable y notable.

Muerte en los pantanos (1958) Nicholas Ray

Una película soberbia en la que el director plasma su amor y preocupación por la naturaleza, acercándose al cine de aventuras, pero con una mirada ecológica y equilibrada, avanzada sin duda a su época, que hoy emerge como éticamente relevante además de cinematográficamente admirable.

Marketa Lazarova (1967) Frantisek Vlacil

2011-06-12T13:46:00.000+02:00

Marketa Lazarova (1967) Frantisek Vlacil
Una epopeya sobre el paso del cristianismo al paganismo, filmada con un dinamismo poético y épico que combina la estilización cinematográfica, repleta de simbolismos, con la perspicacia y observación psicológicas, dotando al conjunto de una rara mezcla de realismo y lírica desatada que hacen del film una joya del cine. No es de extrañar que sea considerada la mejor película de toda la historia del cine checo, pues a su largo metraje, cerca de 3 horas, no le sobra ni una milésima.
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Sergio Sollima: El halcón y la flecha (1967) + Revólver (1973)

2011-06-11T00:13:00.000+02:00

Programa doble: Sergio Sollima
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El halcón y la presa (1967) Sergio Sollima
El eurowestern, sobre todo italiano, contó no sólo con el talento de Sergio Leone, sino también con el buen hacer de directores como Sollima. En este film la labor desmitificadora del género se centra en la figura del cazarecompensas, no por casualidad interpretado por Lee Van Cleef. Las andanzas del no poco pillo Cuchillo Sánchez entusiasmaron al público y Sollima filmó "Corre, cuchillo, corre" (1969).
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Revólver (1973) Sergio Sollima
Un título a reivindicar, no se sabe muy bien porqué bastante olvidado, sin embargo el film acierta de pleno al urdir con notable solidez una intrincada trama policíaca de manipulación, en la que sin embargo se muestra algo tan caro de ver en el cine como una clásica amistad masculina, pues el cine nos tiene más/mal acostumbrados a relaciones bastante machistas, misóginas y homosexuales entre hombres, pero la sencilla amistad entre hombres ¡también existe!.
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